Kategorie: Sommerfestival

Kultregisseur Thorsten Lensing ist zurück! Bislang machte er mit erfolgreichen Romanbearbeitungen von sich reden, wie David Foster Wallaces ›Unendlicher Spaß‹, das zum Berliner Theatertreffen eingeladen und bei asphalt 2021 zu Gast war. Nun hat Lensing zum ersten Mal ein eigenes Stück für das Theater geschrieben, genauer gesagt für die Star-Schauspieler:innen Sebastian Blomberg, André Jung, Ursina Lardi und Devid Striesow, mit denen er teilweise schon seit 20 Jahren zusammenarbeitet. 

»Verrückt nach Trost«, uraufgeführt bei den Salzburger Festspielen 2022, wurde vom asphalt Festival koproduziert und kommt im Sommer 2023 endlich nach Düsseldorf!

Die Kinder Charlotte und Felix kommen aus dem Meer und spielen am Strand ihre toten Eltern. Ein Ritual, das die beiden seit Jahren pflegen. In Erinnerung an die wilde Ausgelassenheit ihrer Eltern cremen sie sich den Rücken ein und kitzeln einander, bis sie kaum noch Luft bekommen. Für kurze Augenblicke fällt alle Trauer von ihnen ab. Immer wieder jedoch brechen die unterschiedlichen Bedürfnisse der zehn- und elfjährigen Geschwister in das Spiel ein.

Während ihre ungebändigte Fantasie den ersten Teil der Inszenierung bestimmt, steht im zweiten Teil das Erwachsenendasein im Vordergrund und die Geschwister gehen getrennte Wege.

Das Publikum begleitet die Figuren über mehrere Jahrzehnte hinweg. Das Ensemble aus vier herausragenden Theater-, Film- und TV-Schauspieler:innen verkörpert Menschen von der Kindheit bis ins hohe Alter ebenso grandios wie Tierrollen. An diesem Theaterabend, der einem »Schauspielfeuerwerk« (ORF) gleicht, begegnen uns hungrige Babys auf riesigen Parkplätzen, verletzte Stabhochspringerinnen, sprechende Oktopusse, todessehnsüchtige Taucher, Menschen, die ihren eigenen Körper nicht spüren, Kühe am Schlachttag, Pflegeroboter und Sterbende, die in einem Altenheim auf ihren Tod warten. Sie alle sind getrieben von der Angst, ihren Weg verloren zu haben, und der großen Sehnsucht nach dem Gefühl, richtig am Leben zu sein: ein Fest der Schauspielkunst voll herzzerreißender Komik.

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Das sagt die Presse:

»Das schönste, tröstlichste und lebensklügste SchauspielerInnen-Theater, das man momentan sehen kann. Es gibt keinen Regisseur, der die Schauspieler so frei sein lässt wie Thorsten Lensing. Dreieinhalb Stunden Theater und keine vergeudete Minute.« (RBB)

»Das Star-Ensemble spielt Tiere und Kinder – und das ganz grandios.« (Süddeutsche Zeitung)

»Hinreißendes Schauspieltheater« (FAZ)

»Lensing und seine vier grandiosen Darsteller sind getrieben von dem Wunsch, in schlichtweg alles, jedes Tier und jeden Menschen, ja sogar in die Dinge hineinzufahren, so wie ein Geist oder ein Fluch in etwas fährt.« (DIE ZEIT)

»Ein eher leises Wundertheater zwischen Alltag und Überhöhung, zwischen gut situiertem Situations- und Dialogwitz und melancholischen Abstürzen, hintergründig getarnt als Burleske.« (nachtkritik)

Am 24. Juni 2022 findet in Düsseldorf das große, international besetzte Symposium ALL IN statt. In Vorträgen, Workshops und Gesprächsrunden geht es darum, wie der Theaterbetrieb inklusiver werden und Menschen mit Behinderung besseren Zugang erhalten können. Das asphalt Festival veranstaltet das Abendprogramm des Symposiums auf dem Gelände der Alten Farbwerke.

Wir begrüßen die Symposium-Teilnehmer:innen und alle asphalt-Besucher:innen herzlich an der Cubit-Festivalbar. Bei freiem Eintritt unter freiem Himmel finden vor und nach der Vorstellung von SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP Konzerte des Jazz-Trios open excess und des Elektro-Pop-Duos Unfall! statt. Das musikalische Programm wird durch ALL YOUR BASE reaktiv visualisiert, ein taktiles Tool des Künstlerduos CYLVESTER für audiovisuelle Medienkunst im urbanen Raum, das neue, interaktive Zugänge zu Musik und Kunst schafft.

Um 19:30 Uhr spielt das Jazz-Trio open excess. Pianist Lucca Keller, Bassist Torben Schug und Schlagzeuger Till Menzer teilen eine gemeinsame Faszination für Musik, die spontan im Moment entsteht. Dabei ist die überbordende und mit viel Witz gepaarte Spielfreude das Markenzeichen der Combo. Gespielt werden Stücke von Miles Davis, Wayne Shorter, Roy Hargrove und Eigenkompositionen. Für ihre Konzerte laden open excess auch immer wieder unterschiedliche Gastmusiker ein.

Pianist und Komponist Lucca Keller ist ein bunter Hund der NRW-Jazzszene und stilvoller Grenzgänger, der sich gerne aus harmonischen Vorgaben löst, was er auch auf seiner aktuellen Solo-CD ›mood of regrowing‹ beweist. Die Liste seiner musikalischen Kollaborationen scheint endlos. Bassist Torben Schug studierte in Enschede, Amsterdam und Köln Jazz und Popularmusik. Als Bassist des Ricciotti Ensemble in Amsterdam engagiert er sich dafür, Musik an Orte zu bringen, die sonst oft keinen direkter Zugang dazu haben – etwa in Krankenhäuser, Gefängnisse, Asylzentren, Kindergärten und auf öffentliche Plätze. Mit dem Orchester tourte er durch die Niederlande, die Türkei und Russland. Till Menzer ist ein umtriebiger Schlagzeuger der Kölner Szene. Er studierte an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar und an der ITÜ-Istanbul Jazz und traditionelle orientalische Perkussion. Mit seinen Bandprojekten – u. a. Horst Hansen Trio, FL!M, Naheli und Isaac Vacuum – tourt er durch ganz Europa.

Um 21:30 Uhr findet das Konzert von Unfall! statt. Das Elektro-Pop-Duo von Max Schweder und Martin Widyanata bewegt sich zwischen reduzierten 4/4-Takten und schmerzhaften Dissonanzen und macht daraus Deep-Porn-Pop. Live-Elektronik-Saxophon sowie hart modulierte Vocoder spielen dabei genauso eine Rolle wie klassisches Sampling und Looping.

Max Schweder ist Musiker, Performer und Multimedia-Artist und hat am ArtEZ Conservatorium in Arnhem und an der Hochschule für Musik und Tanz Köln Jazz-Saxofon und Musikproduktion studiert. Neben seiner Musik realisiert er reaktive audiovisuelle Kunstprojekte. An der KHM Köln absolvierte Max Schweder 2020/2021 ein Fellowship und ist zudem als künstlerischer Forscher am Royal Conservatoire Antwerp (Belgien) tätig und Alumni der Akademie für Theater und Digitalität Dortmund. Martin Widyanata studierte Medieninformatik an der FH-Bonn-Rhein-Sieg, Musikinformatik an der HfM Karlsruhe und macht derzeit seinen Master am Institut für populäre Musik (IfPOM) der Folkwang Universität der Künste. Er ist DJ, Produzent elektronischer Musik und Co-Produzent diverser Künstler:innen aus verschiedenen Genres. Zudem wirkt er in Theaterproduktionen mit und agiert dort als Komponist, Musiker und Performer.

Am vorletzten Tag von asphalt 2022 machen wir die Nacht zum Tage. Der Performancekünstler und DJ Hanny Kayali, der im zakk die Partyreihe ›Deine Mama ist auch Techno‹ verantwortet, stellt die Jubiläumsparty für asphalt N° 10 auf die Beine. Musikalisch ist eine wilde, tanzbare Mischung zu erwarten, ausgelassene Feierstimmung garantiert.

Markus Stockhausen gilt als einer der profiliertesten Trompeter weltweit. Im Schnittfeld von Jazz, Klassik, Neuer Musik und elektronischen Experimenten forscht er unablässig nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten. In der nach ihm benannten Group finden sich vier improvisierende Musiker zusammen, die zu den Besten ihres Fachs gehören. Bei asphalt präsentiert Markus Stockhausen eine neue Besetzung mit dem Pianisten Jeroen van Vliet. Das Quartett stellt sein aktuelles Dreifach-Album ›Tales‹ vor.

Spielfreude paart sich mit meisterlichem Können, farbenreiche Kompositionen und inspirierte Improvisationen fügen sich zu einem harmonischen Ganzen. Die vier Musiker, die auch elektronische Erweiterungen ihrer Instrumente benutzen, sind sowohl im klassischen Fach wie auch im Jazz virtuos zuhause. Sie stellen einen hohen Anspruch an ihre Tonkultur, immer auf der Suche nach dem ›magischen Augenblick‹ auf der Bühne. Durch ihr intuitives Zusammenspiel bringen sie mit musikalischem Feingefühl innere Welten zum Klingen. Sie werfen sich die Themen wie Bälle zu, mitunter komplexe, virtuose Ton- oder Akkordfolgen, lebhaft und jazzig, dann wieder harmonisch-melodiös, ruhig und innerlich. Ein fesselndes musikalisches Erlebnis!

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Das sagt die Presse:

»Der Trompeter Markus Stockhausen und seine drei Ensemblepartner erschaffen schöne, unaufgeregte und dennoch spannende und von Melodien und langen Bögen getragene Klangwelten.« (Rondo Magazin)

»Das aktuelle Dreifach-Album ›Tales‹ ist eine wunderbare Demonstration der erzählerischen Fähigkeiten des Musikers und Komponisten.« (jazzandrock.com)

»Ein Meisterwerk« (NDR)

Die bildenden Künstler Marcos Castro und Mauro Giaconi aus Mexiko-Stadt entwickeln im Weltkunstzimmer exklusiv für das asphalt Festival mehrere Site-Specific-Installationen.

Marcos Castro entfaltet an den Wänden und im Raum eine Art Bühnenbild, inspiriert von der traditionellen mexikanischen Wandmalerei. Er reflektiert über das mexikanische postrevolutionäre Gedankengut, indem er Elemente der offiziellen Geschichtsschreibung neu interpretiert, aus der erweiterten Malerei hybride grafische Beziehungen schafft und Symbole verschiedener Kulturen entlehnt – von der mexikanischen Tradition bis hin zur mexikanischen Punkkultur.

Mauro Giaconi breitet im Raum eine Installation aus, die auf Anekdoten über die mexikanische Revolution und den Einsatz von Illusionen als Strategie zur Veränderung der Realitätswahrnehmung im Kampf beruht. Mit Holzpflöcken, Mehl, Wasser und Hitze besetzt er den Raum wie in einer Schlachtordnung und provoziert ein Szenario symbolischer und historischer Überschneidungen, das in einer surrealen Landschaft hybrider Beziehungen zwischen Revolutionen, Anarchie und Brot präsentiert wird.

Marcos Castro (*1981 in Mexiko-Stadt) studierte Bildende Kunst an der Nationalen Schule für Malerei, Bildhauerei und Grafik ›La Esmeralda‹ in Mexiko-Stadt. Er hatte bereits mehrere Einzelausstellungen in Mexiko, den USA und Europa und war international in zahlreichen Gruppenausstellungen vertreten. Seine Arbeiten sind Bestandteil verschiedener renommierter Sammlungen in Mexiko und den USA, u. a. des Museum of Modern Art in Mexiko-Stadt. 2007 und 2014 erhielt Castro das Stipendium für junge Künstler des Nationalen Fonds für Kultur und Kunst (FONCA) der mexikanischen Regierung. 2008 nahm er am 18th Street Arts Center in Los Angeles teil, 2014 wurde er für die Omi-Residence in New York ausgewählt. 2016 hatte er eine Künstlerresidenz in Skowhegan, Maine, USA inne, 2018 die Dedazo-Residenz im Ejido Felipe Carrillo Puerto im mexikanischen Chiapas. Castros Werk ist stark geprägt von traditionellen mexikanischen Wandmalereien, zeigt aber auch Einflüsse des Neo-Expressionismus sowie eine zeitgenössische Gothic- oder Punk-Ästhetik. Seine Malerei, Zeichnungen und Skulpturen greifen eine Vielzahl von symbolischen Elementen und ästhetischen Codes der mexikanischen Identität auf. Durch die Dekonstruktion patriotischer Symbole oder die Neuinterpretation verschiedener historischer Ereignisse, von der prähispanischen Geschichte bis zur 68er-Bewegung, gelingt es Marcos Castro, tief verwurzelte Mythen sowie offizielle historische und nationalistische Diskurse in Frage zu stellen.

Mauro Giaconi (*1977 in Buenos Aires, Argentinien) absolvierte sein Kunststudium an der Nationalen Kunstschule Prilidiano Pueyrredón in Buenos Aires. Seit 2011 lebt und arbeitet er in Mexiko. Giaconi war Stipendiat des Buenos Aires Artistic Research Center (CIA), Stipendiat des Bemis Center for Contemporary Art (Omaha, USA), der Skowhegan School of Painting and Sculpture (Maine, USA), des Omi International Art Center (New York, USA) und der Solentiname Art Residency (Solentiname, Nicaragua). Seine Werke wurden bereits in Einzelausstellungen in Lateinamerika, den USA und Europa gezeigt, außerdem war er international in Gruppenausstellungen vertreten. Arbeiten von Giaconi befinden sich in Sammlungen wie der SPACE Collection (USA), dem Museum für Moderne Kunst in Buenos Aires (Argentinien) oder dem Miami Art Museum (USA). Er erhielt u. a. 2001 den ersten Preis beim argentinischen Philips Award for Young Talents und 2004 und 2006 eine lobende Erwähnung beim Salon of Drawing and Engraving in Buenos Aires. Ausgangspunkt der künstlerischen Arbeiten von Mauro Giaconi sind vor allem Graphitzeichnungen, die sich auf andere Disziplinen wie Skulptur und Installation ausweiten. Seine räumlichen Interventionen und Bilder erkunden formale, historische und kulturelle Merkmale und Besonderheiten von Alltagsgegenständen, wobei er sich auf die Materialität dieser Elemente konzentriert, um sie prozessual zu untersuchen und zu transformieren. Giaconi arbeitet dabei vorwiegend mit ausgemusterten oder weggeworfenen Objekten. Architektur, Struktur, Erinnerung und Umwelt sind Schlüsselelemente im Werk des argentinischen Künstlers.

Der Lyriker, Musiker und bildende Künstler Marlon Bösherz zieht während des asphalt Festivals in das Weltkunstzimmers ein und lebt und arbeitet in einem offenen Atelier. Die Besucher:innen erhalten Einblick in künstlerische Entstehungsprozesse und können hautnah verfolgen, wie Bösherz zeichnet und liest, schreibt und denkt – ein purer, unmittelbarer Schulterblick in das Künstlerdasein. Bösherz legt seine Skizzenhefte offen, publiziert unter Beobachtung und wird spontane Lecture Performances seiner neuen Texte abhalten, die zum Teil auch unter dem Einfluss von Gesprächen mit Gästen entstehen.

Nach einem Philosophie- und Geschichtsstudium an der Universität Duisburg-Essen und zahlreichen Ausstellungen und Performances in Wohnateliers ist Marlon Bösherz seit 2015 Student an der Kunstakademie Düsseldorf. Aktuell ist er in der Klasse John Morgan und Assistent von Durs Grünbein. Dank eines Stipendiums lebte er 2019/2020 in einem Wohnatelier an der Cité International des arts in Paris und schloss seinen Aufenthalt mit einer Ausstellung und der Buchveröffentlichung ›Rattenzählen an der Pont Marie‹ ab. Bösherz’ Ausstellungen verbinden genreübergreifend Malerei, Zeichnung, Objektkunst, Installation und Skulptur und werden stets von performativen Aktionen und Poesie begleitet. Seit 2012 ist Bösherz zudem Sänger und Bassist der Band Botticelli Baby, die europaweit Konzerte spielt und bislang drei Alben veröffentlichte. Bösherz blickt bereits auf mehrere Solo- und Gruppenausstellungen zurück und veröffentlicht regelmäßig Musik und Poesie in limitierten Editionen. 2022 gründete er gemeinsam mit der Künstlerin Josefine Henning das Kunstkollektiv ›DJOundBO – TRÄNEN, SEX und ALKOHOL‹.

Lesen Sie hier ein Interview mit Marlon Bösherz.

Eine fantastische Stimme, eine groovende Band und großartiges Songwriting – von diesem aufstrebenden R’n’B-Künstler wird man in Zukunft sicher noch viel hören. Giovanni Jano, besser bekannt als JAEL, ist ein 28-jähriger Musiker, Sänger, DJ und Produzent aus Den Haag mit indonesischen Wurzeln. In seiner Kindheit war er ständig von indonesischen Volksliedern, Gospel und japanischem Funk umgeben, seine Eltern infizierten ihn schon früh mit ihrer Leidenschaft für Soul und R’n’B. Nach seinen heutigen Lieblingskünstler:innen gefragt, nennt der niederländische Musiker unter anderem D’Angelo, Anderson .Paak, H.E.R. und Pino Palladino. All diese Inspirationen sind aus JAELS eigenem, charakteristischen Sound herauszuhören: Souligen R’n’B, Funk und basslastige Hip-Hop-Beats vermengt er zu einem neuen, frischen Stil.

Nach den EPs ›Time‹ und ›Unworthy‹ hat Multitalent JAEL unlängst sein Debütalbum ›Half As Much‹ veröffentlicht, auf dem unter anderem Alex Isley, Grammy-Gewinner Rae Khalil, Jayla Darden, Phabo und The Kount zu hören sind. 

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Das sagt die Presse:

»Der unglaubliche JAEL lässt sich nicht auf eine Musikrichtung reduzieren. Seine Talente als Künstler, DJ, Multiinstrumentalist, Sänger und Produzent verschmelzen nahtlos in seiner frischen und zeitlosen Musik.« (The Blues Project)

Das asphalt-Konzert von Carsten ›Erobique‹ Meyer vor 2.000 Menschen im Malkasten-Park 2019 ist vielen Festivalgästen in nachhaltiger Erinnerung geblieben. Mit einer grandiosen Vorstellung beglückte der selbst ernannte ›letzte Discopunk Deutschlands‹ die tanzende Menge und bekannte gegen Ende des Konzerts: »Es ist so schön, dass ich weinen muss.« Kein Wunder, dass sich Erobique nicht lange bitten ließ, als er die Anfrage bekam, ob er zum 10-jährigen Festivaljubiläum nach Düsseldorf zurückkehren würde. Die Location seines diesjährigen Konzerts bildet dabei den größtmöglichen Kontrast zu ›Erobique im Park‹ vor drei Jahren: Diesmal spielt die »lebende Discokugel« (FAZ) auf dem Gelände der Alten Farbwerke in Flingern. Das wird eine ausufernde Tanzparty auf Kopfsteinpflaster, mit alten Fabrikgebäuden als charmante, rough-rotzige Kulisse.

Erobique muss man live erlebt haben. Mit seiner unkonventionellen Discomusik bricht er die Monotonie der beat-gemixten Laptop-DJ-Kultur auf und begeistert seine Fans mit schweißtreibenden Tanzmarathons, spontanen Balladen-Einlagen und wüst zitierten Hochzeits-Oldies. Veröffentlichungen sind rar, Erobiques Hits wie ›Urlaub in Italien‹, ›Easy Mobeasy‹ oder ›Überdosis Freude‹ wollen live und in Farbe genossen werden. Auf seinen Konzerten schleift er aus den Fossilien der Tanzmusik der letzten 50 Jahre feinste Discodiamanten und reißt das Publikum mit spontanen Ansagen und improvisiertem Sprechgesang immer wieder zu Begeisterungsstürmen hin.

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Das sagt die Presse:

»Carsten Meyer alias Erobique ist der Mensch gewordene Laternenumzug. Seine Lieder bringen Liebe ins Leben.« (DIE WELT)

»Der vielseitigste Entertainer der Republik« (taz)

»Erobique mischt alles von den Siebzigern bis in die Hochzeit der 12-Inch-Singles mit ihren Extended Dance Mixes und bringt somit das Beste aus den zwei Welten ›tanzbar‹ und ›eingängig‹ zusammen.« (Stuttgarter Zeitung)

»Erobique – die Endorphinmaschine« (rbb)

Ein Rad, ein paar Körner und Wasser. Ist das alles, worum die Gedanken eines Hamsters kreisen, wenn er in seinem Käfig umherläuft? Oder träumt er in Wahrheit von seinem Ausbruch, vom Leben jenseits der Gitterstäbe und unbekannten Abenteuern? Was würden wir in seinem Tagebuch lesen? In einem musikalischen Theaterstück verleihen die Schauspielerin Anke Retzlaff und der Multiinstrumentalist Peter Florian Berndt einem kleinen Hamster Stimme und Körper. Gemeinsam suchen sie mit ihm nach Auswegen aus der Einsamkeit, finden Verbündete, zetteln einen Hungerstreik an, verlieben und streiten sich und versuchen, einander auf engstem Raum zu entkommen.

Wofür lohnt es sich zu kämpfen? Was bedeutet Freiheit und wo finden wir sie? Und was passiert, wenn das Hamsterrad plötzlich stillsteht und alles möglich erscheint? Ist die Welt bereit für solche Veränderungen? Auf der Suche nach Antworten auf die großen Fragen eines so kleinen Wesens werden auch die Geschichten von Menschen aus der Stadt miteinbezogen. Begleitend zur Inszenierung stellt die Produktion an verschiedenen Stellen der Stadt eine mobile Telefonzelle auf, an der Passant:innen persönliche Geschichten, Gedanken und Gefühle zum Thema Freiheit hinterlassen können. Indem sich Anke Retzlaff und Peter Florian Berndt dem Leben eines Hamsters annehmen, tauschen sie groß gegen klein, ein Hamsterrad gegen die Freiheit, Chansons gegen Protestlieder, und die Aufzeichnungen eines Einzelnen gegen die Erinnerungen einer ganzen Stadt.

Anke Retzlaff ist Schauspielerin, Musikerin und Regisseurin. Für ihre Rolle im Kinofilm ›Puppe‹ wurde sie 2013 für den New Faces Award als beste Nachwuchsschauspielerin nominiert und 2021 als Beste Nachwuchskünstlerin in ›Theater heute‹ genannt. Beim Festival ›Theater der Welt‹ in Düsseldorf wurde 2021 ihre Performance ›Dream Machine‹ uraufgeführt, an der auch Berndt und Hoffmann mitwirkten.

Peter Florian Berndt ist Musiker, Liedtexter und Performer. Als Komponist und Bühnenmusiker war er bereits an verschiedenen Theatern in Deutschland tätig. Er ist aktives Mitglied des professionellen Improtheaterensembles ›Ernst von Leben‹ und E-Gitarrist bei ›Los Pistoleros Güeros‹.

Paul Jumin Hoffmann ist Schauspieler und war vier Jahre lang festes Ensemblemitglied des Jungen Schauspiels Düsseldorf. Er ist nicht nur regelmäßig auf Theaterbühnen, sondern auch in TV-Serien wie ›SoKo Köln‹ oder ›Polizeiruf‹ zu sehen. Hoffmann führte bereits bei verschiedenen Theaterproduktionen gemeinsam mit Anke Retzlaff Regie.

Lesen Sie hier ein Interview mit Anke Retzlaff, Peter Florian Berndt und Paul Jumin Hoffmann über die Produktion.

Die israelische Schauspielerin, Sängerin und Tänzerin Liraz Charhi ist nicht nur ein Superstar in Israel, sondern hat auch im Iran viele Fans: Die prominente Künstlerin ist Jüdin mit iranischen Wurzeln, hat für ihr neues Elektro-Pop-Album ›Zan‹ heimlich mit Musikern aus dem Iran zusammengearbeitet und singt auf Farsi. »Man könnte es subversive Diplomatie nennen«, urteilte die Deutsche Welle über das riskante Projekt – denn Iranern ist der Kontakt mit Israelis gesetzlich verboten. Diese kulturelle Kollaboration ist ›Underground-Musik‹ im tatsächlichen Wortsinn, denn alles musste im Geheimen aufgenommen werden. Liraz mixt zeitgenössischen Elektropop mit pulsierenden Rhythmen des Nahen Ostens und persischen Retroklängen – und wurde vom einflussreichen britischen ›Songlines Magazine‹ 2021 zur ›Künstlerin des Jahres‹ gekürt.

Beim asphalt Festival gibt es eine Weltpremiere: Liraz wird erstmalig gemeinsam mit Sistanagila auftreten. Die Band gründeten iranische und israelische Musiker in Berlin, weil ihre Heimatländer verfeindet sind. Über die politischen Spannungen hinweg suchen Sistanagila den Dialog – mittels der Universalsprache der Musik. Der Bandname ist eine iranisch-israelische Wortschöpfung: ›Sistan‹ ist der Name einer iranischen Provinz und Nagila ist dem ungemein populären hebräischen Volkslied ›Hava Nagila‹ entlehnt, dessen Titel so viel wie »Kommt zusammen« bedeutet. Sistanagila bedienen sich folkloristischer und religiöser Melodien aus Klezmer, sephardischer und traditionell persischer sowie klassischer und zeitgenössischer Musik. Die unterschiedlichen Melodien und Motive, neu arrangiert mit Einflüssen von Flamenco und Jazz bis hin zu progressivem Metal, verschmelzen zu einer Musik, die sowohl religiöse wie moderne Elemente kultureller Identität zum Ausdruck bringt, eine Brücke zwischen zwei Welten baut und etwas ganz Neues entstehen lässt. Ganz nach der Überzeugung: Unterschiede müssen nicht entzweien, sie können bereichern.

Liraz und Sistanagila werden Stücke aus ihrem jeweils eigenen Repertoire spielen, die extra für dieses asphalt-Konzert teilweise neu arrangiert werden und auch einige neue Songs präsentieren.

Jeden Tag vertrauen tausende Krebskranke in Deutschland ihren Ärzt:innen und Apotheker:innen. In einer groß angelegten Recherche fanden Investigativ-Journalist:innen aber immer wieder Hinweise auf unnötige Chemotherapien sowie abgelaufene und unterdosierte Medikamente. Das gesamte Ausmaß des Skandals scheint sehr viel größer als bisher angenommen. Die Opfer: Patient:innen und das Gesundheitssystem selbst. In einer szenischen Installation stellen Helge Schmidt und Team das systematische Versagen dem Schicksal einzelner Betroffener gegenüber: Wie viel Profitstreben kann das Gesundheitswesen vertragen? Dürfen medizinische Versorgung und Care-Arbeit überhaupt ein Wirtschaftsmarkt sein?.

Beim asphalt Festival waren bereits die preisgekrönte Inszenierung ›Cum-Ex Papers‹ des Teams um Theaterregisseur Helge Schmidt sowie die Folgearbeit ›Tax for free‹ zu sehen. Für die Produktion ›Die Krebsmafia‹, die asphalt koproduziert, arbeitete Schmidt erneut mit dem Investigativ-Journalisten Oliver Schröm vom ARD-Magazin ›Panorama‹ und seinen Kolleg:innen zusammen.

Helge Schmidt (*1983 in Schwerin) war mehrere Spielzeiten am Thalia Theater Hamburg tätig und arbeitet seit einigen Jahren als freier Regisseur. Er ist sowohl in der freien Szene als auch am Stadttheater aktiv und seine Arbeiten wurden mehrfach zu Festivals eingeladen. Seine Arbeit ›Cum-Ex Papers‹ wurde 2019 mit dem Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie Regie Schauspiel ausgezeichnet.

Lesen Sie hier ein Interview mit Helge Schmidt über seine neue Produktion.

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Das sagt die Presse:

»Helge Schmidt hat mit ›Die Krebsmafia‹ einen neuen investigativen Rechercheabend inszeniert, minimalistischer noch als zuvor. Und dennoch zutiefst schockierend.« (nachtkritik.de)

»Die präsentierten Fakten sind gewaltig. Die Relevanz ist für jedermann eindeutig.« (Hamburger Abendblatt)

Sechs musikalische Grenzgänger:innen, zwölf Instrumente, fünf Sprachen und ein Feuerwerk aus Emotionen: RasgaRasga strotzen nur so vor Energie und Lebensfreude. Die Band um die charismatische Sänger Daria Assmus macht Musik zwischen Folk und Pop, Balkan- und Worldbeats. Die fünf Instrumentalisten kennen sich schon seit der Schulzeit und machen bereits jahrelang gemeinsam Musik, 2020 stieß mit Assmus eine neue Sängerin hinzu. Die RasgaRasga-Frontfrau, die den Vergleich mit der französischen Nouvelle-Chanson-Sängerin ZAZ nicht zu scheuen braucht, singt auf Englisch, Deutsch, Spanisch, Französisch oder ihrer ganz eigenen Sprache – mal hoch energetisch, klar und direkt, dann wieder melancholisch-träumerisch.

Durch zahlreiche Auftritte in Clubs, Kulturzentren und auf Festivals haben sich RasgaRasga den Ruf als absolut mitreißende Live-Band erspielt. 2019 gewannen sie den Hauptpreis des creole NRW Wettbewerbs für globale Musik. Die Band hat bereits mehrere Alben veröffentlicht, darunter schaffte es ›Hafen Fleur‹ auf die Longlist des Preises der deutschen Schallplattenkritik. Ihre aktuelle EP ›Aperitif‹ entwickelt mit einem stetig nach vorne treibenden Downtempo-Beat aus Schlagzeug, Bass, Banjo und Geige einen Sog, der unweigerlich auf die Tanzfläche zieht.

»Ausgetüftelte Arrangements mit großer Spielfreude und mitreißender Energie« (Jury-Begründung zur Verleihung des creole NRW Preises)

Rabih Abou-Khalil Group

Rabih Abou-Khalil ist ein Wanderer zwischen den Kulturen. Der im Libanon geborene und nach langem Aufenthalt in Deutschland mittlerweile in Frankreich lebende Oud-Virtuose und Komponist verbindet traditionelle arabische Musik, europäische Klassik und amerikanischen Jazz zu einer hochintelligenten Melange, fernab jeglicher World-Music-Klischees. Unvoreingenommen, mit wachem Geist, hoher spielerischer und kompositorischer Kompetenz und einer guten Portion Humor gelingt es ihm auf außergewöhnliche Weise, die musikalischen Welten miteinander zu verschmelzen. Seine komplexen Kompositionen vereinen arabische Metren und Tonskalen wie auch ausgeprägte Improvisationen. Das Ergebnis ist eine ungemein frische Musik – faszinierend komplex, mitreißend virtuos und hochsinnlich. Rabih Abou-Khalil spielte bereit mit Jazz-Größen wie Charlie Mariano oder Kenny Wheeler, aber auch mit Symphonieorchestern und hochkarätigen Ensembles der Neuen Musik, darunter das Ensemble Modern, das Balanescu Quartett, das Kronos Quartett, das ARTE Quartett und das BBC Symphony Orchestra. Rabih Abou-Khalil ist vielfach preisgekrönt – u. a. wurden ihm allein 1999 fünf German Jazz Awards verliehen und 2002 erhielt er eine Ehrenurkunde zum Preis der deutschen Schallplattenkritik für sein Gesamtwerk. Beim asphalt Festival ist Rabih Abou-Khalil mit seinem gleichnamigen Quartett zu Gast und hat als Special Guest Elina Duni eingeladen. Die fantastische Sängerin mit albanischen Wurzeln vereint in ihrer Musik die Klänge Albaniens mit zeitlosen Jazzballaden, französischen Chansons und amerikanischen Folksongs.

Rabih Abou-Khalil: Oud (arabische Kurzhalslaute)
Elina Duni: Gesang
Mateusz Smoczynski: Violine
Krzysztof Lenczowski: Violoncello
Jarrod Cagwin: Schlagzeug

rabihaboukhalil.com/de
bremme-hohensee.de/kuenstler/elina-duni.html

Noa

Achinoam Nini alias Noa, die im Jemen, in Israel und in den Vereinigten Staaten aufgewachsen ist, ist eine weltweit gefeierte Jazz- und Popsängerin, Musikerin und Komponistin und Israels bekannteste Singer-Songwriterin. Sie singt in sechs verschiedenen Sprachen und ihr Spektrum reicht von Jazz über Blues und Pop bis hin zu Rock. Allein mit ihrem langjährigen musikalischen Partner, dem Gitarristen Gil Dor, hat Noa 15 internationale Alben veröffentlicht. Sie wurde von Pat Metheny und Quincy Jones gefördert und trat mit Legenden wie Stevie Wonder, Carlos Santana und Sting auf. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit gilt Noa als Israels prominenteste kulturelle Fürsprecherin des Dialogs und der Koexistenz, als ›Stimme des Friedens‹. Für ihre Friedensaktivitäten wurde sie vielfach ausgezeichnet, u. a. 1998 mit dem Chrystal Award des Weltwirtschaftsforums. Noa ist Israels erste Botschafterin bei der Welternährungsorganisation der Vereinten Nationen und in einer Reihe von Menschenrechts- und Friedensorganisationen in Israel und im Ausland tätig. Beim asphalt Festival treten Noa und Gil Dor im Quartett mit den hochkarätigen Instrumentalisten Omri und Gadi Seri auf. Sie spielen Jazz- und Popmusik in unorthodoxen Arrangements und Noas eigene Kompositionen.

Achinoam Nini a.k.a. Noa: Gesang, Perkussion
Gil Dor: Gitarre
Omri: Bass, Saxophon 
Gadi Seri: Perkussion

noasmusic.com

Nikitch & Kuna Maze gehören zu einer neuen Generation von Musiker:innen, Produzent:innen und DJs, die in ihrer Musik Jazz und Clubkultur verschmelzen. Der charakteristische Sound des französisch-belgischen Duos verbindet Jazz, Downbeat und Hip-Hop, pulsierende Beats, knackigen Groove und körnige Synthie-Kosmos-Texturen.

Die Zusammenarbeit zwischen dem Musiker Nicolas Morant alias Nikitch und dem Brüsseler Produzenten Edouard Gilbert alias Kuna Maze begann, als sich das Duo am Jazzkonservatorium von Chambery in Frankreich kennenlernte. Vor ihrem Jazzstudium hatten beide eine klassische Musikausbildung genossen. Um etwas Neues auszuprobieren und einen Ausgleich zu den Studieninhalten zu schaffen, begann das Duo gemeinsam elektronische Musik zu machen. Beeinflusst von Künstler:innen wie Flying Lotus, Roy Hargrove, Thundercat, Esbjörn Svensson Trio und Erykah Badu, schnüren Nikitch & Kuna Maze Einflüsse aus Jazz, Broken Beat und einer breiten Palette elektronischer Musik zu einem tanzbaren, clubtauglichen Paket.

Nikitch & Kuna Maze spielen bei hochklassigen Jazzfestivals ebenso wie in kleinen Kellerclubs, haben u. a. ein fulminantes Set auf dem Worldwide Festival hingelegt und sind als Support von ›Machinedrum‹ aufgetreten. Gilles Peterson, Tom Ravenscroft, Nemone, Lauren Laverne und andere einflussreiche DJs und Radiomoderator:innen zeigen sich von dem Duo schlichtweg begeistert. Alle sind überzeugt: Die Zukunft von Nikitch & Kuna Maze sieht rosig aus und der internationale Durchbruch scheint nicht mehr fern.

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Das sagt die Presse:

»Atemberaubender, breaklastiger Rhythmus, gekleidet in eine sanfte Melodie und diese entspannte Atmosphäre, die für die französische Szene des rauchigen Beatmakings typisch ist« (Tsugi Magazine)

»Killer Dancefloor Business vom Label Tru Thoughts, das Fans von House, Broken Beat und den brasilianischen Jazz-Funk-Legenden Azymuth gefallen dürfte.« (Music Is My Sanctuary)

Eine nahezu intime Performance im öffentlichen Raum? Dieses scheinbare Paradoxon ermöglicht das Projekt ›kaleiDANCEscope‹ von Tümay Kılınçel und Cornelius Schaper. Die Tanzwunschmaschine funktioniert wie eine begehbare Jukebox. Im Inneren eines umgebauten Wohnwagens eröffnet sich mitten in der Stadt eine Miniaturbühne, die den Besucher:innen die Programmwahl überlässt: Der Gast entscheidet sich anhand einer Liste für einen Tanz, der dann sofort live und nur für ihn allein getanzt wird. Eine 1:1-Performance dauert je nach Tanzauswahl zwischen drei und sieben Minuten.

›kaleiDANCEscope‹ hinterfragt die Diversität im Tanz: Wer tanzt und was ist der Tanz-Kanon? Welche Körper bekommen im Theater- und Kulturbetrieb eine Bühne und wer wird ausgeschlossen? Welche Tänze werden gezeigt – und welche könnten noch dazu gehören? Das Ensemble besteht aus fünf Performer:innen, sowohl professionellen Tänzer:innen als auch Menschen ohne akademische Ausbildung. Zum Basis-Repertoire der Tanz-Jukebox gehören u. a. zeitgenössischer und klassischer Tanz, Voguing, Mixed Abled Dance, traditionell-koreanischer Tanz, Konzepttanz, Hip-Hop und Latin-Dance, vorgetragen teils mit, teils ohne Musik. Im Vorfeld des asphalt Festivals werden Tümay Kılınçel und Cornelius Schaper aber auch neue Tänze recherchieren und dazu lokale Tanzgruppen aufsuchen: Was gibt es in Düsseldorf vor Ort für besondere Tänze, die in die Tanzliste eingefügt werden könnten? Mittelfristig soll so aus dem Wohnwagen eine ›Tanzsammelmaschine‹ und ein rollendes Archiv werden. ›kaleiDANCEscope‹ wächst mit jedem Auftritt, das Repertoire erweitert sich und lädt ein, neue Perspektiven zu schaffen.

Das Kollektiv should-I-know um Tümay Kılınçel und Cornelius Schaper ist ein Zusammenschluss verschiedener Künstler:innen aus den Bereichen Performance, Bewegung, Medien und Musik. Kılınçel und Schaper leben und arbeiten in Düsseldorf und entwickeln seit 2014 gemeinsame Projekte. Dabei werden vorhandene Strukturen des öffentlichen Raumes neu geordnet, umgedeutet und unterwandert, Wechselwirkungen von Innen und Außen, Privat und Öffentlich, Einschluss und Ausschluss durchleuchtet. Bis 2016 waren sie mit ›DANCE BOX‹ (2014), dem Prequel zu ›kaleiDANCEscope‹, auf Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz. 2020/21 wurden sie mit Jungyun Bae für das Mentoring-Programm des NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste ausgewählt.

Lesen Sie hier ein Interview mit Tümay Kılınçel und Cornelius Schaper über ›kaleiDANCEscope‹.

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Wo immer man Jelena Popržan stilistisch verorten will: Ob Neue und Alte Musik, World Music, Singer-Songwriting, Kabarett, Neues Wienerlied, Folk oder Jazz – die Musikerin und Sängerin saugt sich den Nektar aus all diesen Genres und lässt ihre ureigene Mischung daraus gären.

Vor rund zehn Jahren begann Popržan mit dem Duo ›Catch-Pop String-Strong‹ Wiens Bühnen unsicher zu machen, auch mit den Ensembles ›Madame Baheux‹ und ›Sormeh‹ festigte sie ihren Ruf als einfallsreiche Arrangeurin, expressive Stimmkünstlerin und Entertainerin mit komödiantischem Talent und politischem Engagement. Beim asphalt Festival präsentiert die betörende Sängerin und großartige Bratschistin auf der Seebühne ihr aktuelles Soloprogramm. An Instrumenten und technischem Equipment hat sie unter anderem eine fünfsaitige Bratsche, eine Maulgeige, eine Glasharfe und einen Looper im Gepäck. Zudem ist Jelena Popržan eine wunderbare Geschichtenerzählerin und singt in mehreren Sprachen. Eine abwechslungsreiche Revue darf erwartet werden, mit Songs, Kompositionen, Sounds, Hommagen an vergessene Traditionen und unvergessliches Neues.

Jelena Popržan wurde in Serbien geboren, begann ein Violastudium in Belgrad und setzte es 2002 in Österreich fort, wo sie bis heute lebt und arbeitet. Neben ihren Solo- und Bandprojekten schreibt sie auch Musik für das Theater und arbeitet interdisziplinär mit verschiedenen Künstler:innen. 2020 veröffentlichte sie ihr Soloalbum ›La Folia‹. Popržan ist vielfach preisgekrönt – sie gewann u. a. den Vojin Draškoci Award 2020 der World Music Association von Serbien, den Ersten Niederstätter surPrize 2021 und wurde mehrfach beim österreichischen Nestroy-Theaterpreis und Stella-Preis für ihre Theatermusiken nominiert und ausgezeichnet.

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Das sagt die Presse:

»Eine der vielseitigsten und wandlungsfähigsten Musikerinnen des Landes« (Radio Ö1, Jazz-Magazin)

»Jelena Popržan liefert ein Stück Musik ab, das auf wunderbare Weise zu fesseln vermag und in höchstem Maße mit Stil zu unterhalten weiß.« (MICA-Music Austria über ›La Folia‹)

Wo Desmadre Orkesta auftritt, steigt die Party! Die Band aus Buenos Aires spielt volkstümliche Melodien und Traditionals, überraschend neu und virtuos arrangiert. Gleich drei Blechbläser:innen, ein Akkordeonist und eine Rhythmusgruppe nehmen das Publikum mit auf eine musikalische Reise von Balkan Brass über kolumbianische Cumbias und Swing aus New Orleans bis hin zu argentinischen Milongas. Dass sich das Ensemble vor neun Jahren aus Musiker:innen einer Theaterproduktion zusammenfand, merkt man ihm heute noch an: Bei Desmadre Orkesta ist die Performance mindestens so wichtig wie die Musik. Die Bandmitglieder sind ständig in Bewegung, tanzen, interagieren mit dem Publikum und strotzen nur so vor Energie und guter Laune. Kein Wunder, dass sie ebenso gerne als Marching Band auf der Straße wie auf großen Bühnen auftreten. Jedes Konzert mutiert zu einer fröhlichen, intensiven und dynamischen Show, die die Zuhörer:innen mit einem Lächeln im Gesicht und einem glücklichen Herzen zurücklässt.

Die argentinische Band hat bereits mehrere Tourneen in Europa und Indien absolviert. Ihr Album ›Vendaval‹ war bei den UK Latin America Awards in der Kategorie ›Best Album of the Year 2019‹ nominiert.

Was passiert, wenn Menschen die Rationalität aushebeln, sich einem bewussten Kontrollverlust hingeben und stattdessen einen Zustand des Exzesses zulassen? Welche Kräfte stecken in uns – und wirken diese schöpferisch oder zerstörerisch? Diese Fragen liegen der neuen Komposition von Bojan Vuletić zugrunde. In seinem zeitgenössischen Werk für zwei Klaviere, Trompete, Klarinette, Violoncello und Vibraphon führt Vuletić die Musiker:innen bewusst an ihre Grenzen – und darüber hinaus.

›Visions of Excess – el sueño de la razon produce monstruos‹ ist ein kompromissloses Abenteuer, ein Vabanquespiel mit exzellenten Solist:innen, die über eine besondere Virtuosität und meisterhafte Musikalität verfügen. Sie sind zugleich aber auch bereit loszulassen, ihren Impulsen und Instinkten zu vertrauen und Visionen des Exzesses musikalisch zu erleben. Im Zentrum der Performance begegnen sich mit Alina Bercu und Asagi Nakata zwei herausragende internationale Pianistinnen. Die besondere künstlerische Konstellation von Gegensätzen spiegelt sich auch darin, dass im Ensemble die symphonischen Solist:innen Mariel Roberts und Shelly Ezra auf die beiden musikalischen Grenzgänger Matt Moran und Pablo Gīw treffen. Ob Francisco de Goya mit seinem Satz »el sueño de la razon produce monstruos« (dt. »Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer«) Recht behält, wird nach der Uraufführung von ›Visions of Excess‹ bei asphalt 2022 zu beantworten sein.

Die rumänische Pianistin Alina Bercu gastierte auf vielen wichtigen Musikbühnen Europas, Amerikas und Asiens, darunter der Carnegie Hall New York, der Tonhalle Zürich und der Tonhalle Düsseldorf. Sie arbeitete mit namhaften Orchestern zusammen, darunter den Wiener Philharmonikern, dem Orchestre de chambre Lausanne und der KlassikPhilharmonie Hamburg. Studio- und Live-Aufnahmen von Alina Bercu wurden in die Goldene Phonothek des Rumänischen Rundfunks aufgenommen. Ihre Debüt-CD mit Kammermusikwerken von Schubert und Brahms wurde mit dem ›Golden Label‹ (Benelux) und ›Cle d’or‹ (Frankreich) ausgezeichnet.

Die in Japan geborene und in London lebende Pianistin Asagi Nakata hat eine Vielzahl an ersten internationalen Preisen gewonnen, u. a. bei der Budapest Liszt Ferenc Competition, bei Franz Liszt Weimar und bei der Windsor International Piano Competition. Die international renommierte Solistin tritt regelmäßig auf Konzertbühnen in Europa, Asien und Nordafrika auf und spielt auf BBC Radio 3 live für die ›In Tune‹-Serie, die von Sean Rafferty präsentiert wird.

Der Trompeter und Performer Pablo Gīw lebt in Köln und beschäftigt sich in seiner Musik insbesondere mit Extended Techniques, Perkussion und Noise. Mit seinem Instrument schafft er dichte Klangwände und Grooves, bei denen er auch Stimme, Spoken Word und akustische Mittel einbindet und so völlig neue Klangebenen schafft.

Shelly Ezra genießt einen hervorragenden Ruf als vielseitige Solistin, leidenschaftliche Kammermusikerin und gefragte Interpretin Neuer wie Alter Musik. Sie ist Preisträgerin nationaler und internationaler Wettbewerbe. Als Solistin trat sie u. a. mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Münchener Kammerorchester, der Klassischen Philharmonie Bonn und mit dem Israelischen Kammerorchester auf.

Matt Moran ist ein US-amerikanischer Vibraphonist und Perkussionist und Arrangeur des Modern Creative. Matt Moran spielte mit Joe Maneri und in den Bands von Paul Flaherty, Reuben Radding, Sufjan Stevens, im Claudia Quintet mit John Hollenbeck und in der Band Sideshow, außerdem als Perkussionist mit diversen Balkan-Folkbands.

Die amerikanische Cellistin und Komponistin Mariel Roberts ist als Solistin und Kammermusikerin bereits auf vier Kontinenten aufgetreten und Co-Direktorin des Wet Ink Ensembles, das die New York Times als ›Best Classical Music Ensemble of 2018‹ ausgezeichnet hat. Ihr ungestillter Appetit auf Kollaborationen und Experimente hat zu einer Fülle an Werken geführt, die Brücken schlagen zwischen Avantgarde, zeitgenössischer, klassischer, improvisierter und traditioneller Musik.

Bojan Vuletić ist Komponist, Klangkünstler und Gitarrist. Musikalische Zusammenarbeiten verbinden ihn u. a. mit Markus Stockhausen, Nate Wooley, Bojan Z, dem Mivos Quartet, dem WDR Rundfunkorchester und -chor und den Düsseldorfer Symphonikern. Er hat zudem Theatermusiken für über 50 Produktionen und Kompositionen für einige zeitgenössische Tanzstücke geschrieben. Audio-Realisationen von Ausstellungen in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Danica Dakić waren u. a. auf der documenta 12 Kassel, der Biennale Liverpool und auf der Biennale in Venedig zu erleben. Vuletićs Werke wurden bislang in verschiedenen Ländern Europas, Afrika, Asien und in die USA aufgeführt.

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Marcela Levi, Lucía Russo und Tamires Costa konfrontieren in ›Let it Burn‹ das Publikum mit historischen und aktuellen Klischees über den schwarzen Körper. Was als eine Mischung aus Burlesque und Stand-up beginnt, artet in eine explosive, schwindelerregende Performance aus. Die Tänzerin Tamires Costa unterläuft schwarze Stereotypen, indem sie sie umso exzessiver verkörpert: hervorquellende Augen, frenetische und groteske Tänze, ein bis zur Fratze verzerrtes Lächeln und offensiv zur Schau gestellte weiße Zähne treiben rassistische Blackface-Praktiken auf die Spitze. In ›Let it burn‹ fungiert Costas Körper wie ein Hyperlink zu anderen schwarzen Künstler:innen – zu den hypnotischen und majestätischen Bewegungen einer Nina Simone, zu Michael Jacksons perfekter Technik und Virtuosität, zu Auftritten von Josephine Baker, Dizzy Gillespie oder Valeska Gert. Vor den Augen des Publikums steckt Tamires Costa in ihrem Tanzsolo zu Jazz, Soul und brasilianischem Funk buchstäblich die Bühne in Brand – let it burn!

Die Choreographinnen und Performerinnen Marcela Levi (*1973 Rio de Janeiro, Brasilien) und Lucía Russo (*1975 Patagonien, Argentinien) arbeiten seit 2010 zusammen. Gemeinsam gründeten sie mit ›Improvável Produções‹ ihre eigene Produktionsfirma. Seitdem haben sie mehrere Projekte entwickelt und produziert, die auf großen Festivals und in Theatern in Südamerika und Europa aufgeführt wurden. ›Let it Burn‹ wurde 2017 in Rio de Janeiro uraufgeführt, asphalt 2022 zeigt die Produktion als deutsche Erstaufführung.

Es wird laut auf der Seebühne: Black Mirrors sind Belgiens Antwort auf Anouk, Nirvana und die Queens of the Stone Age. Das Quartett aus Brüssel hat so ziemlich jeden Einfluss aufgesogen, der in den vergangenen Jahrzehnten den Rock ’n’ Roll bestimmt hat und daraus einen ganz eigenen Sound kreiert. Alternative-Garage-Rock trifft auf psychedelischen Blues, groovige Gitarrenriffs bringen im Handumdrehen jedes Publikum zum kollektiven Kopfnicken. Die charismatische Frontsängerin Marcella Di Troia singt, schreit, summt und raunt. Ihr Gesang lässt an Janis Joplin denken, ihre Bühnenpräsenz an die Coolness von The Kills – und doch bleibt sie immer sie selbst. Die Black Mirrors haben bereits mehrere Europatourneen u. a. mit The Night Flight Orchestra und The Vintage Caravan absolviert, noch im Frühling waren sie sechs Wochen zwischen Belgien, Dänemark, Deutschland und Großbritannien als Vorband von The Picturebooks unterwegs. Ihr Debütalbum ›Look Into The Black Mirror‹ ist bei Napalm Records erschienen, die Veröffentlichung des zweiten Albums ist für Herbst 2022 geplant. Mit den Black Mirrors darf man sich auf eine fantastische Live-Band freuen, deren hohes Energielevel einige Schockwellen über den See schicken wird!

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Das sagt die Presse:

»Die Band aus Brüssel hat das nötige Feuer, um eine Art von hartem Rock abzuliefern, der virtuos ist und gleichzeitig tüchtig in den Arsch tritt.« (WDR) 

»Größter Trumpf von Black Mirrors ist zweifelsohne Di Troias rotziger und vor Energie strotzender Gesang. Zusammen mit den wuchtigen und prägnanten Riffs und dem gekonnten Groove der Rhythmusfraktion sorgt dieser dafür, dass jeder Song quasi ins Gedächtnis tätowiert wird.« (plattentests.de)

Der britische Singer-Songwriter Ash Radford ist zweifellos vom »Wanderlust-Syndrom« befallen: Er verbrachte den Großteil seiner Kindheit auf der Insel Jersey, zog dann als junger Mann in die Welt hinaus und lebte in Neuseeland, Südafrika, Australien und auf Ibiza. Radfords rauer, erdiger Sound ist von seinen Reisen geprägt, seine Folksongs leben von seiner gefühlvollen Stimme und seinem puren, perkussiven Gitarrenspiel. Radford trat bereits beim Sziget- und beim Glastonbury-Festival auf, war Support bei den Europatourneen von Singer-Songwriter Jeremy Loops sowie The Beautiful Girls und 2021 einer der Künstler des Musik- und Surffestivals ›Enter The Wave‹ in Spanien, Frankreich und den Niederlanden. Seine Debüt-EP ›How Well Do You Know This Place‹ erschien 2019.

Im Sommer 2022 steht die Veröffentlichung von Radfords zweiter EP ›Terra Santo‹ an, mit frischen, souligen Songs, die geprägt sind von 70er-Jahre-Einflüssen aus Rock, Folk und Surf-Pop. Das Album wurde live in Prag aufgenommen mit Matt Johnson (Jeff Buckley/St Vincent) am Schlagzeug und Rob Calder (Angus & Julia Stone) am Bass. Anschließend experimentierten Radford und Produzent Rohin Brown wochenlang mit einer Fülle von altem, analogen Equipment, mischten Morsecodes und die Klänge einer modifizierten New-Orleans-Orgel aus den 1960er-Jahren in die Musik und nahmen sogar Gesang in den hallenden, unterirdischen Gängen des Studios auf.

Radford führt nach wie vor ein Nomadenleben, wohnt aktuell zwischen Portugal und London und verbrachte das Frühjahr 2022 damit, in seinem Van entlang der europäischen Westküste solo zu touren. Auch bei asphalt tritt Radford nur mit seiner Gitarre auf und das Publikum darf sich auf ein Kopfhörerkonzert von großer Intimität freuen.

Wahrhaft grenzüberschreitend ist diese asphalt-Koproduktion, die auf dem diesjährigen Festival uraufgeführt wird: Street-Culture-Tänzer:innen des Forums Urbane Tanzkunst (FUT) rund um den Choreografen Takao Baba treffen auf Musiker:innen des Babylon ORCHESTRA, einer Big Band mit transkultureller Zusammensetzung unter der Leitung von Mischa Tangian. Urbaner Tanz wie Hip Hop, Krump, Popping, Voguing und Breaking wird kombiniert mit Klängen arabischer Instrumente, klassischer Streicher und elektronischer Beats. Im Zentrum der künstlerischen Annäherung steht die Idee der klassischen Tugenden, die auf ihre Aktualität hin untersucht werden, um herauszufinden, wie ein diverses Zusammenleben mit verschiedenen Kulturen und Wertevorstellungen möglich ist. In enger Kooperation zwischen den Musiker:innen und Tänzer:innen werden die künstlerischen und kulturellen Wurzeln jedes einzelnen ausgelotet und unter dem Motiv der Tugenden in Musik und Tanz übersetzt.

Das Thema Diversität ist eng verknüpft mit den Wertevorstellungen der Gesellschaft. Die Tanz- und Musik-Performance ›LOST‹ hinterfragt, welche Tugenden in einer Gesellschaft wichtig sind, in der Rassismus, kulturelle Aneignung und Machtmissbrauch das Zusammenleben beeinflussen. Welche Rolle spielen Tugenden in der Kunst? Ist die Loyalität zur Leitungsfigur eines Choreografen bzw. einer Choreografin oder Komponist:in noch zeitgemäß? Wie kann diese hinterfragt werden? Was bedeutet Wahrhaftigkeit für Kunstschaffende und welche Bedeutung hat Kunst für die Vermittlung von Werten?

Nach der Premiere von ›2 Legit‹ bei asphalt 2021 sind Takao Baba und Mischa Tangian nun mit einer großen Bühnenproduktion zu Gast, der dritten gemeinsamen Arbeit der beiden Ausnahmekünstler.

Takao Baba ist Choreograf und Tänzer. Die Wurzeln seiner Arbeit liegen im urbanen Tanz, den er mit den Ausdrucksformen des zeitgenössischen Tanzes verbindet. Takao Baba entwickelt mit seiner Tanzkompanie E-Motion regelmäßig Tanztheaterproduktionen und ist Mitbegründer der Plattform Dance Unity, die Deutschlands bedeutendsten urbanen Tanzveranstaltungen ›Funkin’ Stylez‹ und ›Juste Debout‹ ausrichtet. Als Tänzer und Choreograf war er zuletzt u. a. an Produktionen des Düsseldorfer Schauspielhauses beteiligt.

Der aus Moskau stammende Komponist, Geiger und Orchesterleiter Mischa Tangian wurde als Stipendiat und Preisträger zahlreicher Wettbewerbe mehrfach ausgezeichnet. 2016 gründete Tangian das Babylon ORCHESTRA, das Musiker:innen aus dem Mittleren Osten und Europa zusammenführt und neue Musik zwischen moderner Klassik, Jazz und Weltmusik entwickelt. Das Ensemble spielt Konzerte im In- und Ausland und setzt u. a. auch gemeinsame Projekte mit großen Symphonieorchestern um. Das Debütalbum des Babylon ORCHESTRA mit Kompositionen von Mischa Tangian erhielt 2020 den Preis der deutschen Schallplattenkritik für das beste Weltmusikalbum.

Die Sängerin Mary May hat eine fesselnde Bühnenpräsenz und zieht mit ihrer dynamischen Stimme mühelos das Publikum in ihren Bann. Ihre Musik ist beeinflusst von Künstler:innen wie Lauryn Hill, Radiohead und Björk, traditionelle Reggae-, Soul- und afrokubanischen Rhythmen vermischt sie mit ihren kongolesischen Wurzeln. In den letzten Jahren sang sie bei Künstlern wie Roy Ayers, Harrisson Stafford, Naâman und den jamaikanischen Legenden Israel Vibration. 

In einem Dorf mit Saloon, Goldmine, Eisenbahn und Kirche, errichtet auf rotem Lehmboden, drehen sieben südafrikanische Schauspieler:innen einen Western – und entlarven dabei all die gängigen, romantisierenden Klischees des Genres.

Die vielfach preisgekrönte Produktion ›Dark Noon – a western about us‹ entwickelten der dänische Regisseur Tue Biering und der südafrikanische Choreograf Nhlanhla Mahlangu gemeinsam mit Darsteller:innen aus Johannesburg und Pretoria. Das Stück taucht ein in die Zeit, als Millionen verarmte, weiße Europäer:innen über den Atlantik nach Amerika flohen, um sich im Wilden Westen ein neues Leben aufzubauen. Die Einwander:innen kämpften um eine zweite Chance, wollten Land erschließen, nach Gold schürfen und vom amerikanischen Traum zehren. Es ist eine gefährliche, nicht selten tödliche Reise: In »God’s own country« sind Leben nicht viel wert beim gnadenlosen Streben nach Glück.

Lange wurde die Geschichte ausschließlich aus der Perspektive der weißen, männlichen Bevölkerung dargestellt – die Vertreibung der amerikanischen Ureinwohner:innen und der damit einhergehende Völkermord an ihnen spielt in Western keine Rolle. ›Dark Noon‹ analysiert das Genre in einem satirischen Parforceritt durch die gnadenlose amerikanische Eroberungsgeschichte und entlarvt damit umso klarer die historische Fragwürdigkeit von Wildwest-Mythen.

Das Stück beginnt mit einer leeren Bühne. Nach und nach wird das Bühnenbild errichtet, während die Einwander:innen ihre Stadt in dem rauen, unwirtlichen Land aufbauen, in dem nicht alle Träume in Erfüllung gehen. Praktisch aus dem Nichts entwickelt sich ›Dark Noon‹ zu einem großen, visuell und emotional packenden Theaterspektakel mit schnellen Rollenwechseln, mitreißendem Rhythmus, Gesang und Hip-Hop-Musik in der Tradition des südafrikanischen Storytellings. Dabei werden die Europäer:innen von schwarzen Schauspieler:innen verkörpert. Insofern ist ›Dark Noon‹ nicht nur eine aus südafrikanischer Sicht erzählte Allegorie über den Kolonialismus der Weißen in der afrikanischen Welt, sondern hinterfragt auch, wer wen repräsentieren darf – ein kluger Kommentar zu aktuellen Debatten über kulturelle Aneignung.

Die dänische Gruppe Fix & Foxy produziert seit über zehn Jahren Theaterstücke, Performancekunst und immersive Installationen. Dem künstlerischen Leiter Tue Biering und seinem Team gelingt es meisterhaft, komplexe Narrative durch spielerische, unterhaltsame Formate zu erzählen und dabei Vorurteile zu hinterfragen. Oft laden Fix & Foxy dazu Menschen auf die Bühne ein, die nur selten in Theatern gezeigt oder repräsentiert werden. ›Dark Noon‹ wurde u. a. beim Reumert Award 2020, dem nationalen dänischen Theaterpreis, in der Kategorie ›Sonderpreis‹ ausgezeichnet und war für das Bühnenbild des Jahres nominiert. Bei asphalt 2022 ist es zum ersten Mal überhaupt in Deutschland zu sehen.

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Das sagt die Presse:

»Es ist anders und ich wage zu behaupten, dass es brillant ist. ›Dark Noon‹ ist ein hervorragendes Beispiel dafür, was moderne darstellende Kunst bieten kann!« (Ungt Teaterblod)

»›Dark Noon‹ ist eine echte Ensemble-Performance von Anfang bis Ende, ein Füllhorn an Ideen, Energie und Wildheit. Regisseur Tue Biering hat zusammen mit dem südafrikanischen Choreographen Nhlanhla Mahlangu eine wirklich einzigartige Performance mit internationalem Potenzial geschaffen.« (Danish Arts Council)

»›Dark Noon‹ hat mich tief berührt, mir eine Gänsehaut beschert, mich laut lachen lassen und einen Kloß im Hals verursacht.« (Enturikulturland.blogspot.com)

Das könnte ein neuer Stern am Jazzhimmel werden: Triorität spielen sich gerade in die erste Liga der neuen deutschen Jazzbands. Ihr 2020 erschienenes Debütalbum ›ALGO‹ wurde vor allem in England begeistert aufgenommen. Von Gilles Peterson und vielen seiner Worldwide-FM-Kolleg:innen bis zu BBC 6 gab es nichts als Lobeshymnen. Manchen gilt das Trio aus Darmstadt bereits als die deutsche Antwort auf Yussef Kamaal und den explosiven Sound des UK Jazz.

Triorität spielen Dancefloor-Jazz im wahrsten Sinne: Uplifting Drum-Beats, repetitive Rhodes Riffs, die sich im Unterbewusstsein verbohren, und bisweilen fast schon technomäßige Energien machen diese Band vor allem live zu einem Erlebnis. Die drei Musiker lassen sich für ihre ›Organic Dance Music‹ von Fusion-Jazz der 70er-Jahre und Disco ebenso inspirieren wie von modernem House und Hip-Hop. Das Ergebnis sind tanzbare Stücke und stimmungsvolle, raffinierte Jams. Für ihren neuen, modernen Jazzsound wurden Triorität bereits mit dem Darmstädter Musikförderpreis ausgezeichnet.

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Das sagt die Presse:

»Eines der spannendsten Trios des zeitgenössischen Jazz, der gerne über Genregrenzen hinwegsieht.« (Byte FM)

Die Projektserie ›Dramaturgie für eine Konferenz‹ des argentinischen Künstlers Matías Umpierrez schafft Raum für Denker:innen und Künstler:innen, gemeinsam Fragen der Zeit performativ zu untersuchen. Im Auftrag von Umpierrez haben Einat und Eyal Weizman ein Manual mit dem Titel ›Negative Evidenz‹ verfasst, das vier Performerinnen zur Verfügung gestellt wurde, damit sie auf dessen Basis eine Performance entwickeln. Die vier Solo-Performances sollten ursprünglich beim asphalt Festival 2021 präsentiert werden, doch die Reisebeschränkungen während der Pandemie verhinderte dies. Anstatt das Projekt abzusagen, erarbeiteten die Künstler:innen ein neues Konzept für die Dramaturgie einer Konferenz in der erweiterten Realität, die nun bei asphalt 2022 uraufgeführt wird.

Die Performerinnen stellen jeweils eine konkrete Begebenheit ins Zentrum einer künstlerischen Arbeit, die kolonialistische Strukturen in ihren Herkunftsländen entlarvt. Die Inuk-Performerin Laakkuluk Williamson Bathory aus Kanada, die Xhosa-Choreografin Mamela Nyamza aus Südafrika, die indische Performerin Mallika Taneja und die isländische Choreografin Erna Ómarsdóttir folgen dem im Manual vorgegebenen Pfad des ›forensischen Theaters‹

Das Manual ist eine Anleitung, um Dokumentartheater neu zu definieren. Ausgangspunkte liefern aktuelle Dokumente des 21. Jahrhunderts wie Tweets, Blogs, Fotos, Artikel oder Videos. Es wird analysiert, was eine wahre Aussage heute ausmacht und ob Kunst der Wahrheit zu einem neuen, kraftvollen Ausdruck verhelfen kann. Wie findet man die Wahrheit, wenn es keine Beweise gibt? Die Übertragung der Solo-Performances in die erweiterte Realität macht die Beantwortung dieser Frage umso spannender. Der dabei angestoßene Diskurs zur Wahrnehmung von kolonialen Machtstrukturen erhält durch die körperliche Abwesenheit der Performerinnen inhaltlich wie ästhetisch eine besondere Dringlichkeit.

Während der Öffnungszeiten des K21 können kostenlos Tablets und Kopfhörer ausgeliehen werden, um die Solo-Performances als Augmented-Reality-Installation zu erleben. Die Zuschauer:innen können sich dabei sowohl auf dem Außengelände des K21 als auch auf der Piazza bewegen und so eine Verbindung zwischen virtuellem und analogem Raum eingehen.

Laakkuluk Williamson Bathory ist eine kalaaleq (grönländische Inuk) Performance-Künstlerin, Dichterin, Schauspielerin, Geschichtenerzählerin und Schriftstellerin, die in Iqaluit, Nunavut, lebt. Sie ist bekannt für die Aufführung von ›uaajeerneq‹, einem grönländischen Maskentanz, der Geschichten erzählt und drei Elemente in den Mittelpunkt stellt: Angst, Humor und Sexualität. Laakkuluk beschreibt ›uaajeerneq‹ sowohl als politischen und kulturellen Akt als auch als eine eigenwillige Kunstform. Ihr Solo für ›Dramaturgie für eine Konferenz #2‹ realisierte sie zusammen mit ihrem langjährigen Mitarbeiter Jamie Griffiths. Die Filmemacherin, Fotografin, bildende Künstlerin und Performer befasst sich mit Fragen der Identität, des Wohlbefindens, der Transparenz und des Kolonialismus, mit Ausstellungen und Performances in Kanada, Großbritannien, den USA und der EU. Griffiths arbeitet mit Kameras, Ton, Projektionen und Licht und nutzt maßgeschneiderte Software für interaktive Installationen und Performances.

Die Choreografin und Kunstaktivistin Mamela Nyamza aus Südafrika ist ausgebildete Balletttänzerin. In ihrer Arbeit setzt sie sich mit dem klassischen Genre des Tanzes auseinander, indem sie die traditionellen Methoden und die Logik des Balletts und des zeitgenössischen Tanzes dekonstruiert und die Ereignisse ihrer Kindheit in den 1980er Jahren und kulturelle Traditionen sowie aktuelle soziale Missstände wie HIV/Aids, häusliche und sexuelle Gewalt und Drogenmissbrauch erforscht. Auch ihre Biografie als schwarzafrikanische, lesbische Mutter fließt in ihre Arbeit ein.

Mallika Taneja lebt und arbeitet in Neu-Delhi, Indien. In ihren Performances, Installationen und kuratorischen Arbeiten beschäftigt sie sich mit Fragen von Geschlecht, Solidarität und Erinnerung. Ihr besonderes Interesse gilt den politischen Möglichkeiten von performativen Ensembles und der Rolle, die Lieder beim Hinterlassen und Sammeln von Spuren von Menschen, Orten und Dingen spielen. Einige ihrer Werke und kollaborativen Räume sind ›Be Careful‹, ›Allegedly‹, ›Rest of the Struggle‹ und ›Women Walk at Midnight‹. Für ›Be Careful‹ wurde sie 2015 mit dem ZKB Anerkennungspreis und für ›Allegedly‹ 2021 mit dem ZKB Förderungspreis ausgezeichnet.

Erna Ómarsdóttir aus Island ist eine Tänzerin, Choreografin und Rocksängerin, deren mit explosiver Energie geschaffene Werke sich als eine Mischung aus Erzählung, Absurdität und Horror, konzertanten Elementen und poetischen Bildern lesen. Sowohl als unabhängige Künstlerin als auch als künstlerische Leiterin der Iceland Dance Company hat Ómarsdóttir eine Reihe hochgelobter Werke geschaffen und inszeniert, die weltweit gezeigt wurden und große internationale Anerkennung gefunden haben.

Einat Weizman ist Dramatikerin und Regisseurin und befasst sich vor allem mit dokumentarischem Theater. Eyal Weizman ist Architekt, Schriftsteller, Professor für Spatial and Visual Cultures und Direktor des Centre for Research Architecture am Goldsmiths College in London. Seine Forschungsagentur ›Forensic Architecture‹ untersucht Verbrechen gegen die Menschlichkeit.

Matías Umpierrez gilt als einer der innovativsten Theaterregisseure Lateinamerikas, seine Projekte u. a. mit seiner Compagnie Plataforma Fluorescente bewegen sich zumeist an der Grenze zwischen Theater und bildender Kunst. Seine Arbeiten werden weltweit in Theatern und Museen gezeigt, zudem entwickelte er ›site-specific performances‹ u. a. in Fabriken in Sâo Paulo oder auf Berggipfeln in den Pyrenäen.

Die Agentur A4VR mit Sitz in Düsseldorf ist europaweit führend für Konzepte und Anwendungen in der virtuellen und erweiterten Realität. Gemeinsam mit A4VR konnte die erste Dramaturgie für eine virtuelle Konferenz konzipiert werden.

Was bedeutet es, sich auf eine Person einzulassen, die vollkommen andere Voraussetzungen mitbringt als man selbst? In ›SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP‹ vermessen und feiern Lucy Wilke und Paweł Duduś ihre Beziehung als zärtlichen Pas de deux der Berührungen. Dazu spielt und mischt Kim Ramona Ranalter a.k.a. Kim Twiddle live Musik, die zwischen Meditation und Club changiert. Die Inszenierung war zum Theatertreffen Berlin 2021 eingeladen und wurde 2020 mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie Beste Darsteller:in Tanz ausgezeichnet.

Die Schauspielerin und Sängerin Lucy Wilke wurde mit spinaler Muskelatrophie geboren und benutzt einen Rollstuhl, der Tänzer und Performancekünstler Paweł Duduś bezeichnet sich als Queer-Migrant-Feminist. Gemeinsam haben sie ein intimes, utopisch anmutendes Porträt ihrer Freundschaft entwickelt, die Grenzen sprengt. In einem humorvollen, sanften, sehr sinnlichen Tanz erforschen Wilke und Duduś, was der eigene und der andere Körper ist, wie wir ihn sehen, hören und fühlen, und hinterfragen so zugleich die Stereotypen und normativen Wahrnehmungen in der Gesellschaft und der Kultur. In sieben kurzen Kapiteln setzen die Performer*innen sich öffentlichen Blicken und Ohren aus und begegnen dem Publikum mit einer unbedingten Intimität. ›SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP‹ achtet die Verschiedenartigkeit, feiert das Nicht-Normative und bietet Einblicke in eine alternative Lebens- und Seinsform.

Lucy Wilke (*1984) ist Sängerin, Schauspielerin, Tänzerin, Autorin und Regisseurin. Sie schreibt Drehbücher, inszeniert Theaterstücke und führte Regie bei mehreren Kurzfilmen, Mit ihrer Band BLIND AND LAME tritt sie seit 2013 deutschlandweit auf. Seit Herbst 2020 ist sie festes Ensemblemitglied der Münchner Kammerspiele.

Paweł Duduś (*1989) ist in den Bereichen Tanz, Theater und Performance-Kunst tätig und beschäftigt sich in seinen künstlerischen Arbeiten immer wieder intensiv mit dem Thema Sexualität und Intimität, der Korrelation zwischen sexuellem Ausdruck und Identität und wie gewohnte Muster und Prozesse gebrochen werden können.

Kim Ramona Ranalter (*1981) ist Theatermacherin, Musikproduzentin, Musikerin und DJ* Kim Twiddle und arbeitet am liebsten mit Künstler:innen und Ensembles in interdisziplinären Projekten zusammen.

Lesen Sie hier ein Interview mit Lucy Wilke.

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Das sagt die Presse:

»Eine kleine, richtungsweisende Arbeit (…), die auf atmosphärisch dichte Art eine Freundschaft auslotet.« (Nachtkritik)

»Ein zutiefst intimer Abend, gleichsam berührend und voller Lebensfreude.« (Tanznetz)

»Ein Abend über Nähe, Akzeptanz und Hingabe, ein zärtlich-entspannter Pas de deux der Berührungen und Mikrobewegungen, der eher nebenbei auch unser normatives Sehen befragt.« (taz)

Wo fängt Kunst an, wo hört sie auf? Wann wird etwas zum Kunstwerk? Ist es nur die sorgfältig kuratierte und ausgestellte Kunst, die es zu betrachten gilt? Oder ist Kunst vielleicht alles, was uns umgibt – Orte, Geräusche, Gespräche?


Im Festivaljahr 2021 startet eine langfristig angelegte Kooperation von asphalt mit dem Institut für Medien- und Kulturwissenschaft der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf (HHU). Unter der Leitung von Dr. Kathrin Dreckmann und Alexander Gaida begleiten Studierende kulturschaffende und künstlerische Prozesse vor und während des asphalt Festivals und entwickeln – ausgehend von ihren persönlichen Forschungsschwerpunkten – eigene multimediale Arbeiten.

Das Projekt ›Hidden Stories // BackGrounds‹ rückt Perspektiven aus dem Hintergrund in den Vordergrund. Es nimmt ganz aktuell jeden Aspekt in den Fokus, der Kunst möglich und sichtbar macht: vom monotonen Surren der Straßenbahnen, die die Festival-Spielorte verbinden, bis hin zu den Stage Hands und Techniker*innen, ohne die ein Kunst- und Kulturfestival wie asphalt nicht möglich wäre. Die Studierenden fotografieren während des Festivals mit einer Wärmebildkamera, um äußerliche Merkmale auszublenden, aber die Umrisse des Geschehens dennoch zu erhalten. Außerdem erstellen sie Audioaufnahmen von Stimmen und Geräuschen, führen Interviews mit dem Festivalteam und begleiten die Vorstellungen.

Zum Abschluss des Festivals überlässt asphalt 2021 den Studierenden die Seebühne, um in einem Symposium den Weg von der Idee zum fertigen Projekt zu schildern und sowohl Sound-Installationen als auch Visualisierungen zu präsentieren. Damit reiht sich das Projekt als zusätzliches Element in den demokratischen Dialog über ästhetische Ereignisse ein, der das asphalt Festival ausmacht.

von und mit Carolin Baum, Hava Ezgi Idikut, Helena Krause, Sarah Rüß, 
Dr. Kathrin Dreckmann und Alexander Gaida

Ursi Pfennig vereint Nostalgie mit Wagemut. Auch wenn Ursi eine Kunstfigur ist, die divenhaft über den Dingen schwebt, so ist sie spürbar und authentisch. Sie könnte als Freundin von Hildegard Knef durchgehen, nur singender. Ihre Songs bewegen sich zwischen Leichtigkeit und Melancholie, mit einem subtilen ironischen Twist – lässig, nie aufgesetzt und doch selbstbewusst. Ursi Pfennig sucht den Dialog mit dem Publikum und ihren Mitmusikern. So ist sie unterhaltsam und etwas unberechenbar. Wenn Ursi auf der Bühne erscheint – wer weiß, wonach ihr der Sinn steht?

Anikó Kanthak, in Köln lebende Songschreiberin, Sängerin, Produzentin, ist Ursi Pfennig. Nach zwei Jahren auf der Suche nach einem passenden Sound für deutsche Songs folgte Anikó einer Vision und arrangierte im Homestudio Musik im Stil von Songschreibern wie James Taylor und Joni Mitchel. »Mit deutschen Texten diese Anmutung und Stimmung in einem Bandkonzept zu vereinen – das wollte ich.« Schön und atmosphärisch sollte es werden, folkig, nah und deutschsprachig – aber nicht profan oder zu kitschig: »Kurz vor’m Schlager abbiegen«, lautet Anikós Devise.

»Als ich begann die Stücke zu mischen, gab es auf einmal einen Aha-Moment. Es stimmte alles für mich: der Sound, der Gesang, die Haltung, das Tempo. Nur mein Name, der schien nicht mehr zu passen.« So entstand ein Alter Ego mit der Freiheit, das Innerste kunstvoll auszudrücken: Ursi Pfennig!

Ihre Lieder sind getaucht in Nostalgie, mit einer Stimmfarbe, die etwas mehr Vibrato, weniger Soul und etwas tiefere Register verträgt. Die Tempi sind gedrosselt, Schlagzeug und Bass tragen die Stimme, ohne zu pumpen. Dazu weben sich Akustik- und Lap-Steel-Gitarre als Teppich um die atmosphärischen Bilder der Songs.

Anikó Kanthak war bereits 2020 mit ihrem Duo-Projekt Invisible Twins auf der Seebühne zu Gast.

Die Projektserie ›Dramaturgie für eine Konferenz‹ des argentinischen Künstlers Matías Umpierrez schafft Raum für Denker*innen und Künstler*innen, gemeinsam Fragen der Zeit performativ zu untersuchen. Im Auftrag von Umpierrez haben Einat und Eyal Weizman ein Manual mit dem Titel ›Negative Evidenz‹ verfasst, das vier indigenen Performerinnen zur Verfügung gestellt wurde, damit sie auf dessen Basis eine Performance entwickeln. Die Künstlerinnen haben acht Tage Probezeit vor Ort, um sich mit dem Manual und der Piazza im K21 auseinanderzusetzen. Jede kreiert für jeweils einen von vier aufeinanderfolgenden Abenden eine Solo-Performance.

Die Performerinnen stellen jeweils einen konkreten Fall ins Zentrum einer künstlerischen Arbeit, die kolonialistische Strukturen in ihren Herkunftsländen entlarvt. Die Inuk-Performerin Laakkuluk Williamson Bathory aus Kanada, die Xhosa-Choreografin Mamela Nyamza aus Südafrika, die indische Performerin Mallika Taneja und die isländische Choreografin Erna Ómarsdóttir folgen dem im Manual vorgegebenen Pfad ›forensischen Theaters‹. Auf diese Weise wird die Piazza im K21 zum Schauplatz für Wahrheit. Ein Podium am letzten Veranstaltungsabend mit u. a. Umpierrez und den Performerinnen eröffnet schließlich das Gespräch mit der Stadtgesellschaft.

Das Manual ist eine Anleitung, um Dokumentartheater neu zu definieren. Ausgangspunkte liefern Tweets, Blogs, Fotos, Artikel, Videos – Dokumente des 21. Jahrhunderts. Es wird analysiert, was eine wahre Aussage heute ausmacht und ob Kunst der Wahrheit zu einem neuen, kraftvollen Ausdruck verhelfen kann.

Einat Weizman ist Dramatikerin und Regisseurin. Ihr dokumentarisches Theater untersucht ›blinde Flecken‹ der israelischen Realität. Eyal Weizman ist Architekt, Schriftsteller, Professor für Spatial and Visual Cultures und Direktor des Centre for Research Architecture am Goldsmiths College in London. Seine Forschungsagentur ›Forensic Architecture‹ untersucht Verbrechen gegen die Menschlichkeit.

Matías Umpierrez gilt als einer der innovativsten Theaterregisseure Lateinamerikas, seine Projekte u. a. mit seiner Compagnie Plataforma Fluorescente bewegen sich zumeist an der Grenze zwischen Theater und bildender Kunst. Seine Arbeiten werden weltweit in Theatern und Museen gezeigt, zudem entwickelte er ›site-specific performances‹ u. a. in Fabriken in Sâo Paulo oder auf Berggipfeln in den Pyrenäen.

An diesem besonderen Abend begegnen sich mit Helem Nejse und Smoke Mardeljano zwei herausragende Hip-Hop-Acts des Balkans auf der Seebühne – zuerst treten sie in jeweils eigenen Sets auf und performen anschließend gemeinsam.

Das Hip-Hip-Trio Helem Nejse aus Sarajevo hat ein Wirkungskreis weit über Bosnien hinaus. Admir Čular, Amer Čanković und Tihomir Radić sind Musiker, Radio- und Podcast-Redakteure, MCs und Schauspieler. Sie haben drei Studioalben, das Theaterstück ›Sarajevski dani terorizma‹, einen Podcast und die Zeichentrickserien ›Bruca Braca Bruda Brada‹ veröffentlicht. In ihrer eigenen Radioshow, von der bislang mehr als 200 Folgen gesendet wurden, sind einige der faszinierendsten und kontroversesten Figuren des Balkans zu Gast.

Helem Nejse kombinieren in ihrer Musik Rap, Reggae, Rock, Ethno und Dub, ihre oftmals humorvollen Texte handeln von Liebe, sozialem Engagement und nehmen aktuelle gesellschaftliche Ereignisse in den Blick. Ein Konzert von Helem Nejse ist immer ein dynamisches und energiegeladenes Spektakel. Ihre Livequalitäten haben sie bereits bei zahlreichen Konzerten auf dem Balkan unter Beweis gestellt, solo und auf Festivals wie Exit, Seasplash, Mostar Summer Fest oder Ferragosto JAM.

Smoke Mardeljano ist der vielleicht prominenteste MC Serbiens und auf den Straßen von Belgrad aufgewachsen. Nach seiner Kindheit in einem Stadtteil, der im Volksmund ›Vietnam‹ genannt wird, lebte er in einer Besserungsanstalt für Jugendliche. Sein schwieriges Schicksal wurde 2016 in dem prämierten Dokumentarfilm ›Ja repujem‹ einer breiten Öffentlichkeit bekannt. Heute zählt Smoke Mardjeljano zu den wichtigsten und populärsten Rappern auf dem Balkan.

Das sagt die Presse:

»Diese neue Generation von kreativen Musikern aus Sarajevo schafft es, mit ihrem spezifischen musikalischen Ausdruck voller aktueller Club-Rhythmen, mit einem Schwerpunkt auf Hip-Hop/Rap, Trap, Reggae, Dancehall, Dubstep und Rock das Beste zu vereinen, was die Sarajevoer Rockschule in den letzten 40 Jahren hervorgebracht hat.« (Nacional)

In bewährten und zum Teil brandneuen Geschichten geht Frank Goosen auf eine sentimentale Zeitreise. Die Älteren werden sagen: So ist es gewesen! Und die Jüngeren: Habt ihr wirklich so ausgesehen?

Die achtzigerjahre sind bekanntlich das Lieblingsjahrzehnt der Deutschen. Grund genug für Frank Goosen, die Dekade von Schulterpolster, Karottenjeans und Zauberwürfel noch mal speziell zu würdigen. Die Schrecken der Pubertät im Schatten der Mauer sind ebenso ein Thema wie Petting und Pershing, Föhnfrisuren und Pastellfarben, Waldsterben und der ewige Helmut. Wie haben sie geklungen, die Achtziger, wie haben sie ausgesehen, was haben wir erlebt, da draußen in der sogenannten Wirklichkeit, bevor es das Internet gab? 

Frank Goosen hat neben seinen erfolgreichen Büchern, darunter ›Raketenmänner‹, ›Sommerfest‹ und ›Liegen lernen‹, zahlreiche Kurzgeschichten und Kolumnen in überregionalen Publikationen und diversen Anthologien veröffentlicht. Darüber hinaus verarbeitet er seine Texte teilweise zu Soloprogrammen, mit denen er deutschlandweit unterwegs ist. Einige seiner Bücher wurden dramatisiert oder verfilmt. Frank Goosen lebt mit seiner Frau und seinen beiden Söhnen in Bochum. 

Das sagt die Presse:

»Ehrfürchtig, präzise und humorvoll beschreibt Frank Goosen (…) die Jahre, in denen in seiner Heimatstadt Bochum der erste McDonald’s eröffnet und die Hochöfen stillgelegt wurden.« (WDR 5)

»Eine bittersüße Nostalgie« (Westfälischer Anzeiger)

Diese Musik ist purer Groove: Das Trickster Orchestra unter der Leitung der bekannten Jazzsängerin Cymin Samawatie besteht aus hochklassigen Solist*innen vieler verschiedener Nationen. Dem Ensemble aus Berlin gelingt es auf spektakuläre Weise, eine aus vielen Kulturen gespeiste gemeinsame, zeitgenössische Musiksprache zu entwickeln, die Neue Musik, Klassik, Elektronik, Jazz, Pop, Hip-Hop und Improvisation vereint. Das Trickster Orchestra nutzt Traditionen dabei als Werkzeugkästen, um Ideen für musikalische Innovationen freizusetzen. Das Kollektiv, das in wechselnden Besetzungen auftritt, umfasst etwa 50 virtuose Musiker*innen und Sänger*innen aus den unterschiedlichsten Genres – Mitglieder der Berliner Philharmoniker sind ebenso dabei wie beispielsweise der preisgekrönte Instrumentalvirtuose Wu Wei, der meisterlich die traditionelle chinesische Mundorgel Sheng beherrscht. Bei seinem Konzert auf dem asphalt Festival stellt das Trickster Orchestra sein erstes Studioalbum vor, das am 23. April 2021 bei ECM erschienen ist.

Gegründet wurde das Trickster Orchestra 2013 von der Sängerin Cymin Samawatie und dem Perkussionisten Ketan Bhatti, die bereits im namhaften Berliner Jazzquartett Cyminologie zusammenspielen. Laut Cymin Samawatie macht Trickster so besonders, »dass es aus sehr starken und individuellen Persönlichkeiten besteht, die jeder für sich Großes erreicht haben. Für dieses Projekt treten sie aus ihrer individuellen musikalischen Blase heraus und schließen sich zusammen, um eine neue, gemeinsame musikalische Welt zu erschaffen.« Konzerte des Orchesters beschreibt die Presse als »funkensprühende Mischung mit inspirierter Kraft und zu Herzen gehender Musikalität« (Westdeutsche Zeitung).

Das Trickster Orchestra spielte u. a. beim ›Schönes Wochenende‹-Festival für Modernes Hören der Tonhalle Düsseldorf, bei #bebeethoven in der Bundeskunsthalle und Outernational im Berliner Radialsystem, beim Jazzfest Berlin, Silk Road Festival Baku und Modara – Fest für Zeitgenössische Musik in Berlin. Neben Konzerten entwickelt das Ensemble neue Formate mit zeitgenössischem Tanz, Wissenschaftsdiskurs und aktueller Lyrik.

Das sagt die Presse:

»Sie nutzen traditionelle Spieltechniken ihrer Heimat, bedienen sich aus Jazz, Zwölfton- und serieller Musik. Sie improvisieren, suchen, finden und verlieren sich, eine babylonische Sprachverwirrung auf musikalischem Spitzenniveau.« (Die Zeit)

»Man hat selten so wenig klischeehafte Musik in einem solchen Rahmen gehört. Sagenhafte Stimmen und zeitlose Klänge. Die Künstler lassen sich in starker Weise aufeinander ein.« (RBB Kulturradio)

»It’s not a mosaic, but it is a kaleidoscope. Each musician retains her or his own tuning and vocabulary. The various tones, textures and idiomatic accents are overlapped, juxtaposed and filtered through each other, creating something much more interesting than a flavourless fusion. Trickster Orchestra is an impressive example of giving musicians of high skill and inquiring minds the chance to find new paths.« (The Blue Moment)

Das Mivos Quartet widmet sich der Aufführung von Werken zeitgenössischer Komponist*innen und der Präsentation neuer Musik und begeistert damit ein großes Publikum.  Für das asphalt Festival hat das New Yorker Streicherensemble ein spektakuläres Programm zusammengestellt.

Im ersten Teil ›Inspired by …‹ sind ›luminous animal‹ von Michaela Catranis, ›Glance / I don’t Belong Here‹ von Hannah Kendall und ›Mirror Mirror‹ von Peter Kramer zu hören – drei junge, aufstrebende Komponist*innen der zeitgenössischen US-amerikanischen Musikszene. Jedes Stück ist von einem Kunstwerk aus einem anderen Medium inspiriert – Poesie, Fotografie und Prosa. Die Komponist*innen nähern sich den Originalen auf jeweils einzigartige Weise und schaffen Musik, die ihre eigene künstlerische Stimme und Sprache zum Ausdruck bringt.

Das zweite Set ist mit ›Improvisation / Experimentation / Exploration‹ betitelt und präsentiert drei Pioniere der zeitgenössischen Musik. Zu hören ist ›Sixfivetwo‹ von Pulitzer-Preisträger Henry Threadgill, der Improvisation als Schlüsselelement für seine Musik nutzt. Obwohl der größte Teil dieses Stücks ausnotiert ist, wird jedem Mitglied des Quartetts Raum zur Improvisation gegeben. Es folgt ›String Quartet No. 4‹ von Sofia Gubaidulina, die transzendentale Mystik, grafische Notation, experimentelle Perkussion und dramatische Kontraste zu einer der ikonischsten Kompositionssprachen der Neuen Musik verbindet. Ihr viertes Streichquartett fügt vorproduzierte, ätherische Elektronik hinzu, um der Musik noch mehr klangliche Tiefe zu verleihen. Im ›String Quartet 2.5 – Playing With Seeds‹ von George Lewis verwebt der Komponist, Improvisator, Posaunist, Wissenschaftler und Pionier der elektronischen Musik die verschiedenen Fäden seines facettenreichen musikalischen Lebens. Sein kaleidoskopisches Werk behandelt das Streichquartett wie eine vierköpfige Hydra, die sich in allen möglichen Kombinationen auseinander und zusammen bewegt.

Seit seiner Gründung 2008 arbeitet das Mivos Quartet eng mit einer immer größer werdenden Gruppe internationaler Komponist*innen zusammen, die verschiedene Ästhetiken der zeitgenössischen klassischen Komposition repräsentieren. Das Streichquartett trat bei renommierten Konzertreihen wie der New Yorker Phil Biennale, Wien Modern, den Internationalen Ferienkursen für Neue Musik Darmstadt, Shanghai New Music Week (Shanghai, China), Música de Agora na Bahia (Brasilien), Aldeburgh Music (UK) und Lo Spririto della musica di Venezia (Italien) auf. Beim asphalt Festival war Mivos bereits mehrfach zu Gast und spielte zahlreiche Kompositionen von Bojan Vuletic.

Mivos engagiert sich für die Vergabe von Kompositionsaufträgen und die Uraufführung neuer Musik für Streichquartett und strebt eine enge Zusammenarbeit mit Komponist*innen über längere Zeiträume an. Jedes Jahr vergibt das Quartett außerdem den Mivos/Kanter String Quartet Composition Prize, der zur Unterstützung der Arbeit von aufstrebenden Komponist*innen ins Leben gerufen wurde, sowie den I-Creation-Preis, einen Wettbewerb für Komponist*innen chinesischer Abstammung. Neben der Erweiterung des Streichquartett-Repertoires widmet sich Mivos auch der Zusammenarbeit mit Gastkünstler*innen, der Erforschung multimedialer Projekte mit Live-Video und Elektronik sowie der Aufführung improvisierter Musik. Das Quartett ist Preisträger des Dwight and Ursula Mamlok Prize for Interpreters of Contemporary Music 2019.

Die belgische Singer-Songwriterin Meskerem Mees, gerade einmal 21 Jahre jung, verzaubert mit gefühlvollen, von Folk und Soul beeinflussten Balladen. Kraftvoll und sanft zugleich, erinnert ihre Ausstrahlung an Nina Simone und Joni Mitchell.

Um ihre vielschichtigen und sorgsam komponierten Songs zu performen, braucht Meskerem Mees nicht mehr als ihre faszinierende Stimme, ihre Akustikgitarre und ihre Freundin Febe am Cello. Ihre eingängigen Melodien und Refrains haben großes Ohrwurm-Potenzial.

2020 eroberte Meskerem Mees Belgien mit großartigen Cover-Versionen von Nirvana, den Jackson 5, Justin Bieber und anderen, von deren Kultsongs sie sehr persönliche, unglaublich zarte Neuinterpretationen vorlegte. Ihre Debütsingle ›Joe‹, eine bezaubernde Folkballade, lief im belgischen Radio in heavy rotation und ließ auch ausländische Musiksender wie Consequence of Sound (USA) und FIP Radio (Frankreich) auf die junge und talentierte Frau aus Gent aufmerksam werden. Der 1. Platz bei ›Humo’s Rock Rally‹ 2020, einem in Belgien sehr populären und traditionsreichen Musikwettbewerb, bildete einen weiteren Meilenstein in ihrer aufstrebenden Karriere: »Von der Bühnenpräsenz über die Songs bis hin zu Stimme und Gitarrenspiel: ein selten gesehenes Solotalent«, urteilte die Jury.

Ihre erste Clubtour mit mehr als einem Dutzend Konzerten in Belgien, Luxemburg und den Niederlanden fiel dieses Frühjahr weitgehend Corona zum Opfer. Umso mehr Energie steckte Meskerem Mees in die Produktion ihres Debütalbums, das Ende 2021 erscheinen wird.

Gesang, Gitarre: Meskerem Mees

Cello, Background-Gesang: Febe Lazou

maywayrecords.com/artists/meskerem-mees

Wäre die Pandemie nicht dazwischengekommen, hätten FHEELS den Sprung von intimen Clubshows auf die großen Bühnen vermutlich bereits geschafft. Die Band aus Hamburg hat 2021 ihr erstes Studioalbum ›Lotus‹ vorgelegt und spielt im Bereich des anspruchsvollen Alternative Rock international auf Augenhöhe mit Elbow oder Radiohead. Regelmäßige Touraktivitäten in den deutschen Musikmetropolen und Dutzende Liveshows in ausgesuchten Clubs haben die Band mit ihrem im Rollstuhl sitzenden Sänger und Gitarristen Felix Brückner seit fünf Jahren kontinuierlich im Gespräch gehalten.

FHEELS bewegen sich musikalisch durch Rock, Jazz und Psychedelic Prog, bauen Brücken zwischen Rock-Vergangenheit und -Moderne, vereinen Anspruch und Eingängigkeit ebenso wie künstlerischen Wagemut und musikalisches Können.

Frontmann Felix Brückner, der seit einem Snowboarding-Unfall mit 17 Jahren querschnittsgelähmt ist, hat an der Hamburg School of Music Gesang und Gitarre studiert. Bereits seit Studientagen spielt er mit Schlagzeuger Justus Murphy zusammen. Die Band komplettieren Keyboarder Tobias Nitzbon und Bassist Jens Boysen. Auf ›Lotus‹ sind düstere Grungerock-Gitarren und apokalyptische Rock-Hymnen genauso zu entdecken wie lyrische Melodiebögen, tanzbare Leichtigkeit und eine Prise Soul. FHEELS-Sänger Brückner erschließt mit seinem sehr intimen und persönlichen Songwriting und seinen unkonventionellen Stimmfacetten immer wieder überraschende neue Horizonte.

Wie kann eine partizipative Stückentwicklung aussehen, die diverse Sichtweisen vereint und kollaborativ neue Narrative für die Bühne entwickelt? Das Team von ›BITTER (SWEET) HOME‹ stellt sich dieser Herausforderung. Ein sechsköpfiger ›writers’ room‹ mit BPoC-Autorinnen (BPoC = Black and People of Color) arbeitet seit April 2021 an neuen Methoden und Inhalten für Theatertexte mit antirassistischer Haltung. Wie wollen wir miteinander arbeiten? Welche Strukturen brauchen wir? Welche Geschichten wollen wir erzählen und für wen? Mit diesen und mehr Fragen beschäftigen sich die Autorinnen. Bis Juni werden sie kollaborativ ein Theaterstück entwickeln, dessen Narrative aus den unterschiedlichen Kompetenzen, Sichtweisen und Erfahrungsräume der Autorinnen schöpft. Das Ziel: Eine Sprechtheaterproduktion für vier Schauspieler*innen, die flexibel an unterschiedlichen Spielorten gezeigt werden kann. Die entstehende Inszenierung stellt die Ergebnisse des ›writers’ room‹ auf die Probe und soll im August 2021 in Düsseldorf uraufgeführt werden.

Im Rahmen des asphalt Festivals 2021 präsentiert das Ensemble von ›BITTER (SWEET) HOME‹ erste Ausschnitte aus dem Projekt. Wenige Wochen vor Premiere gewährt es bei einer szenischen Lesung Einblicke in die Ergebnisse des ›writers’ room‹ und der gemeinsamen Arbeit. Im Anschluss lädt das Team zum Nachgespräch.

Geleitet wird das Projekt von Julia-Huda Nahas. Sie ist freischaffende Regisseurin, Autorin und Kulturpädagogin mit einem Schwerpunkt auf strukturellem Rassismus und den Auswirkungen einer europäischen Flüchtlingspolitik. Emel Aydoğdu ist Regisseurin, Dramaturgin und Autorin und für ›BITTER (SWEET) HOME‹ als Lektorin Teil des ›writers’ room‹. Neben der Arbeit für städtische Bühnen sind beide verstärkt in der freien Szene tätig.

Autorinnen: Bernice Lysiana Ekoula Akouala, Rosina Kaleab, Fatima Remli, Sarah Claire Wray
Künstlerische Leitung: Julia-Huda Nahas
Lektorat, Dramaturgie: Emel Aydoğdu

Die Besetzung der Inszenierung wird in Kürze bekannt gegeben.

bittersweethome.de

Es ist praktisch unmöglich, nicht an den Lippen von Emy Kaboré zu hängen: Obwohl kaum 21 Jahre alt, gilt die in Paris geborene Belgierin bereits als großes musikalisches Talent. Mit ihrer unverwechselbaren Soul-Stimme drückt sie ihre intimsten Gedanken und Gefühle aus. Sie bewegt und lässt niemanden unberührt.

Umso verblüffender, dass Emy Autodidaktin ist: Erst im Sommer 2015 kaufte sie sich ihre erste Gitarre und begann aus reiner Intuition Musik zu machen – zunächst als Solokünstlerin. Ihre emotionalen, ergreifenden Songs brachten ihr den dritten Platz bei der ›Humo’s Rock Rally‹ 2018 ein, einem in Belgien sehr populären und traditionsreichen Wettbewerb für Rockbands. Damals urteilte die Presse: »Mit nur 18 Jahren vermittelt Emys Stimme mehr Gefühl, Leben und Dringlichkeit als die der letzten acht Hooverphonic-Sänger zusammen.«

Dieser frühe Erfolg zementierte Emys Entschluss, ihre Karriere ernsthaft fortzusetzen, nun allerdings mit Unterstützung einer Band. Mittlerweile erkundet sie in Begleitung von zwei wunderbaren Musikern das Neo-Soul-Genre, die ihrem Repertoire ein grooviges und doch progressives Gefühl hinzufügen und die ihre natürlich-soulige Stimme instrumental ergänzen. Fans von Billie Eilish, Erykah Badu und Hiatus Kaiyote werden EMY lieben. Ihre Debütsingle ›Freestyle‹ (2020) wurde von zahlreichen belgischen und französischen Radiosendern gespielt, der Nachfolger ›Inconvenient‹ (2021) könnte den Auftakt zu einem internationalen Durchbruch markieren. Für 2022 ist das Debütalbum von EMY geplant.

Das sagt die Presse:

»Mit Emy hat Flandern seine eigene Amy Winehouse.« (dansendeberen.be) 

Wer hat da mit Ihnen gesprochen?
War es jemand im Inneren des Fahrrads?
Oder war es das Fahrrad selbst?
Sollten Sie sich ihm nähern?
Moment … – werden Sie beobachtet?
Ist das eine Show?
Wo ist der Darsteller?
Und sollten Sie mitspielen?

In dieser interaktiven Installation erforscht der Puppenspieler und Regisseur Ariel Doron, wie Puppenspiel in Zeiten der Pandemie aussehen kann. Durch die Verwendung verschiedener unbelebter Objekte und einer Kommunikation mit dem Publikum, die keinen agierenden Darsteller erfordert, verschwimmt die Grenze zwischen Performer, Publikum und Performance. Doron konfrontiert Passant*innen damit, sich mit dem eigenen Handeln auseinandersetzen zu müssen, und stellt ganz nebenbei auch Fragen nach Macht, Verantwortung und Vertrauen.

Ariel Dorons absolvierte ein Filmstudium an der Universität Tel Aviv, studierte Figurenspiel u. a. an der School of Visual Theatre in Jerusalem und nahm an zahlreichen Puppenspielkursen und Meisterklassen in Israel und Frankreich teil. Der gebürtige Israeli animiert Puppen für zahlreiche Fernseh- und Kinoproduktionen und spielt den beliebten Charakter ›Elmo‹ in der israelischen ›Sesamstraße‹. Als Dozent und Vortragsredner ist er u. a. an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart, der UQAM Université de Québec à Montréal und der Central School of Speech & Drama, London tätig. Seine Produktionen haben zahlreiche Preise gewonnen und werden regelmäßig zu internationalen Festivals und Theatern in Europa, Asien und Nordamerika eingeladen. 2017 war Doron beim asphalt Festival bereits mit ›Plastic Heroes‹ zu Gast, 2020 mit ›Boxed‹.

Die Tänzer Takao Baba und Patrick ›TwoFace‹ Williams und drei Musiker des transkulturellen Babylon ORCHESTRA setzen sich in der neuen Arbeit ›2 Legit‹ mit Werten und Tugenden der Jugendkultur auseinander. ›Legit‹ ist von ›legitimate‹ entlehnt und ein Slangwort, das vor allem in der Hip-Hop-Szene Verwendung findet – etwa in ›2 Legit 2 Quit‹ (1991), einem der größten Hits von MC Hammer. Wenn etwas ›legit‹ ist, hat es Authentizität und ›Realness‹.

Welche Bedeutung hat es heute für junge Menschen, wahrhaftig, geradlinig und echt zu sein – insbesondere in einer Welt, in der die permanente Selbstdarstellung in den sozialen Medien eine zentrale Rolle spielt? Haben Tugenden wie Aufrichtigkeit und Ehrlichkeit in unterschiedlichen Kulturen den gleichen Stellenwert? Was klingt authentisch, was sieht nach ›fake‹ aus und wie schnell kann man über die Realität hinwegtäuschen?

Die Künstler interpretieren durch Musik und Tanz ihre persönliche Beziehung zu den Tugenden. Dabei treffen Tanzstile wie Popping, Tutting oder Waving auf die Klänge arabischer Instrumente, japanische Harmonien und elektronische Beats. Die Begegnung von Musik und Tanz auf Augenhöhe und die gemeinsame Auseinandersetzung der Künstler mit dem Thema regt völlig neue Formen der Bewegung und des Zusammenspiels an. Tanz und Musik bilden eine spannende Erkundung des Zusammenlebens verschiedener Kulturen und Wertevorstellung in unserer Gesellschaft ab.

›2 Legit‹ ist die zweite gemeinsame Arbeit von Mischa Tangian, Komponist und Gründer des Babylon ORCHESTRA, und dem japanischen Choreografen Takao Baba, der seine künstlerischen Wurzeln im Hip-Hop hat. Tanzsolist Patrick Williams a.k.a. Two Face ist Mitglied der weltbekannten zeitgenössischen Tanzkompanie East Man unter der Leitung von Sidi Larbi Cherkaoui. Als aktiver TikToker hat er mehr als 170.000 Follower.

›Rom‹ heißt in allen Romanes-Dialekten ›Mensch‹. Sinti:zze und Rom:nija sind Teil unserer Gesellschaft. Sie leben und arbeiten – einige erst seit kurzem, andere schon seit Jahrhunderten – mitten in unserer gemeinsamen Welt. Aber was weiß man eigentlich über sie? Die Klischees und Vorurteile sind schnell bei der Hand: wahrsagende Frauen mit langen Röcken, Familien, die in der Fußgängerzone Musik machen, oder Menschen, die in Bussen und Bahnen andere bestehlen. Aber auch die Verheißung von Ungebundenheit und Freiheit umgibt Sinti:zze und Rom:nija. Ob nun aber verachtend oder romantisierend überhöht: All das hat mehr mit denen zu tun, die drauf gucken als mit denen, die gemeint sind. Die Diskriminierung der Sinti:zze und Rom:nija hat eine lange, beschämende Tradition. Dass die Mehrheitsgesellschaft wenig über ihre Kultur und Gebräuche weiß, hat teils schwerwiegende Konsequenzen für den Alltag dieser Menschen in Deutschland.

Vor dem Hintergrund immer noch stark anhaltender Vorurteile und daraus resultierender Diskriminierungserfahrungen beleuchtet Regisseur Stefan Herrmann, der selbst aus einer Sinti-Familie stammt, einige Lebensgeschichten dieser Bevölkerungsgruppe. Zusammen mit Rom:nija aus Düsseldorf hinterfragt er in einer performativen Shuttle-Tour das gemeinsame Zusammenleben. Jeder Mensch hat bestimmte Vorstellungen von Stereotypen und Klischees. Aber wie entstehen diese eigentlich und was macht es mit denen, die damit beschrieben werden? Wie kann Sichtbarkeit in einer Welt voller Vorurteile funktionieren? Wie kann ein Miteinander gleichberechtigt und auf Augenhöhe gestaltet werden? In Zeiten einer zunehmend vehementer argumentierenden Identitätspolitik wird es immer schwieriger sich zu verständigen. Wie kann eine pluralistische Gesellschaft funktionieren? Wie schafft man wirkliche gesellschaftliche Veränderung? ›ROM / MENSCH‹ führt eindrucksvoll vor Augen, wie notwendig respektvolle und menschliche Begegnungen für ein gemeinsames Zusammenleben sind.

Das Publikum begibt sich pro Vorstellungstermin in sechs Gruppen à sieben Zuschauer*innen per Großraumtaxi zu verschiedenen Stationen auf eine Reise durch die Stadt. Auf den Fahrten hört es Lebensgeschichten Düsseldorfer Rom:nija. Die einzelnen Spielorte liegen in Flingern und Lierenfeld und haben für die Düsseldorfer Rom:nija eine historische Bedeutung, aber auch ganz konkret mit ihrem Alltag zu tun. 

Stefan Herrmann, geboren 1976 in Hamburg, hat sein Regiehandwerk u. a. als Assistent bei Zadek, Peymann, Tabori, Langhoff und Lösch gelernt und war an verschiedenen Theatern in Deutschland engagiert, etwa an den Hamburger Kammerspielen, dem Berliner Ensemble und dem Staatstheater Stuttgart. Er bewegt sich als Regisseur zwischen Produktionen mit Profischauspieler:innen an Stadttheatern und freien Produktionen mit den sogenannten ›Expert:innen des Alltags‹, die er meist mit seinem Kollektiv ›The Beautiful Minds‹ realisiert. 2017 gewann seine Inszenierung von ›Michael Kohlhaas‹ den deutschlandweit renommierten Monica-Bleibtreu-Preis. Seit mehr als zehn Jahren entwickelt Hermann partizipatorische und biografische Theaterprojekte zu gesellschaftlich relevanten und brisanten Themen. Er ist außerdem Schauspieldozent und lebt mit seiner Familie in Bonn.

mit Düsseldorfer Rom:nija 

Regie: Stefan Herrmann
Dramaturgie: Juliane Hendes

Siehe da: der Mensch, das soziale Wesen. Isoliert auf der Insel des Frusts. Eingesperrt in den eigenen vier Wänden. Was entdeckt man durch Einsamkeit und Sperren? Was kommt an die Oberfläche? Wie konfrontiert man sich in der Isolation auf seiner Zwangsinsel mit all den unter den Teppich gekehrten Ängsten und Sehnsüchten? Wie zerstört man seine unsichtbaren Wände, wie findet man Verbindung auf Distanz?

Nach ihrem erfolgreichen Debüt bei ›asphalt auf See 2020‹ lassen sich die soMermaids erneut am Schwanenspiegel nieder und entwickeln einen einzigartigen, aberwitzigen, ortsspezifischen Soloabend für die Seebühne. In ›ISLAND OF F*CKED UP HEARTS (ECCE HOMO INSULARIS)‹, so der vollständige Stücktitel, wird die schwimmende Spielfläche zu einer Insel der Einsamkeit, auf der äußerst humorvoll alle Masken fallen.

Das Künstlerduo soMermaids sind die Schauspielerin Adrienn Bazsó und die Regisseurin Panni Néder. Die beiden in Berlin lebenden, ursprünglich aus Ungarn stammenden Theatermacherinnen begreifen sich als multidisziplinäre feministische Künstlerinnen, erforschen die unterschiedlichen Formen des autobiografischen und dokumentarischen Theaters und verflechten diese mit Bewegung, Gesang oder Videokunst. Ihre Bühnenstücke zeichnen sich besonders durch ein ehrliches und berührendes Aufeinandertreffen von Publikum und Akteur*innen aus. 

Das sagt die Presse:

»Eine Mischung aus ehrlicher, zweiflerischer, ironischer Selbsterkundung« (Rheinische Post)

»Kurzweilig, bisweilen humorvoll, häufiger nachdenklich, verbrämt im Mantel der Poesie. Da weiß man oft nicht, ob man lachen, weinen oder in den weiten Himmel hinter der Bühne schauen soll.« (Kulturmagazin O-Ton)

»I’d been running a sort of jazz club near Sendagaya Station. It wasn’t so big, or so small, either. We had a grand piano and just barely enough space to squeeze in a quintet. (…) Most people I knew had predicted that the bar wouldn’t do well. Well, their predictions were totally off.« – Haruki Murakami

Das literarische Werk des japanischen Weltschriftstellers Haruki Murakami liest sich bisweilen wie eine Liebeserklärung an die Musik, zahlreiche musikalische Referenzen durchziehen seine Romane und Erzählungen. Bevor er mit dem Schreiben begann, betrieb Murakami selbst einen Jazzclub in Tokio. Dorthin möchte Pianist Sebastian Gahler das asphalt-Publikum in seinem neuen Konzertprogramm entführen. Es umfasst bislang ungehörte Kompositionen Gahlers, mit denen einige von Murakamis bekanntesten Romanfiguren musikalisch zum Leben erweckt werden, aber auch neue Arrangements von Jazzstandards, die in Murakamis Geschichten eine Rolle spielen. Wie klingen wohl Aomame oder Tengo aus ›1Q84‹, wie hört sich Kafka aus ›Kafka am Strand‹ an? In modernen, jazzigen Portraits werden Murakami-Leser*innen diese und andere Figuren neu entdecken können. ›Invitation to Murakami’s Jazz Club‹ bietet die besondere Gelegenheit, sich dem literarischen Kosmos Murakamis auf einer Konzertbühne zu nähern.

Der Düsseldorfer Sebastian Gahler ist Jazz-Pianist und Komponist. Er leitet mehrere etablierte Konzertreihen in seiner Heimatstadt und trägt großen Anteil daran, dass die hiesige Jazzszene so lebendig ist. Das Sebastian Gahler Trio ist eine etablierte Größe in der deutschen Jazzlandschaft. Gahler erhielt 2011 den Förderpreis der Stadt Düsseldorf für Musik.

Der Saxofonist Denis Gäbel aus Köln zählt in der deutschen Jazzszene zu den stärksten Vertretern seines Fachs. Er trat mit Musikern wie Antonio Faraò, Billy Cobham und Jiggs Whigham auf und spielte auf Festivals wie WDR 3 jazz.cologne, Jazzopen Stuttgart oder Enjoy Jazz. Gäbel ist Dozent für Jazz-Saxofon an der Musikhochschule Mainz.

Das sagt die Presse:

»Sebastian Gahler ist einer der faszinierendsten Jazzpianisten Deutschlands.« (Jazz thing)

Romeo stirbt, weil der Bote mit der rettenden Nachricht wegen der Pest (›plague‹) aufgehalten wird und in Quarantäne muss. In ›Romeo & Julia‹ sterben die jungen Leute, alle jungen Leute, während die Alten überleben.

Die Pest, jedenfalls, ist verschwunden: Keine Spuren hinterlassen, wir spuren schon genug – und spüren nicht genug! Es sind die Seelen, die sich lieben; Körper stoßen zusammen wie Autos. Um als Phönix aus der Asche aufzuerstehen, müssen wir wohl zunächst selbst Asche werden: Wir arbeiten daran. Keine Asche ohne Feuer, keine Liebe ohne Feuer. Keine Angst vor Entzündung und Ansteckungsgefahr?

›Romeos & Julias unplagued‹ ist nach ›Jewrope‹ und ›Solidaritot‹ die dritte Zusammenarbeit von bodytalk (Münster) und der polnischen Tanztheater-Compagnie Polski Teatr Tańca (Poznan). ›Jewrope‹ gewann den Kölner Tanztheater-Preis, ›Solidaritot‹ wurde im Jahrbuch des Magazins ›tanz – Zeitschrift für Ballett, Tanz und Performance‹ als ›Aufführung des Jahres‹ und Yoshiko Waki als ›Choreografin des Jahres‹ benannt, die »Tanz als dionysische Exaltation gegen das Repressive zelebriert«.

bodytalk wurde 2008 von Rolf Baumgart und Yoshiko Waki gegründet und produziert politisches Tanztheater mit starken Bildern und einer schier unerschöpflichen Energie. Ihre Arbeiten werden von der Presse als ›Labor der Darstellenden Künste‹ bezeichnet. Ausgangspunkt jeder Produktion ist die Frage, was passiert, wenn Tanz und Realität zusammenstoßen. Seit Herbst 2016 ist bodytalk Artist in residence im Theater im Pumpenhaus in Münster.

»Wie Olivia Wenzel nach Antworten auf Identitätsfragen sucht, das hat so viel Witz und Intelligenz, dass man die Befindlichkeiten dieser Figur gut nachempfinden kann«, schrieb die ›FAZ‹ über ›1000 Serpentinen Angst‹. Die Autorin Olivia Wenzel (*1985 in Weimar) schreibt Theatertexte und Prosa und macht Musik im Berliner Electronica Duo Otis Foulie. Wenzels Stücke wurden u. a. an den Münchner Kammerspielen, am Hamburger Thalia Theater, am Deutschen Theater Berlin und am Ballhaus Naunynstrasse aufgeführt. In der freien Theaterszene kollaboriert sie als Performerin mit Kollektiven wie vorschlag:hammer. ›1000 Serpentinen Angst‹ ist ihr erster Roman. Wenzel wurde mit dem Literaturpreis der Stadt Fulda 2020 und dem Mörike-Förderpreis der Stadt Fellbach 2021 ausgezeichnet.

»Ich habe mehr Privilegien, als je eine Person in meiner Familie hatte. Und trotzdem bin ich am Arsch. Ich werde von mehr Leuten gehasst, als meine Großmutter es sich vorstellen kann. Am Tag der Bundestagswahl versuche ich ihr mit dieser Behauptung 20 Minuten lang auszureden, eine rechte Partei zu wählen«, schreibt Wenzel in ›1000 Serpentinen Angst‹. In ihrem Roman schildert sie, wie es ist, in einem Theater die einzige schwarze Zuschauerin im Publikum zu sein. Oder wie man sich fühlt, wenn man mit seinem Freund an einem Badesee in Brandenburg sitzt und vier Neonazis kommen sieht. Wütend und leidenschaftlich schaut Wenzel auf unsere sich rasant verändernde Zeit und erzählt dabei auch die Geschichte ihrer Familie: von ihrer Mutter, die Punkerin in der DDR war und nie die Freiheit hatte, von der sie geträumt hat. Von ihrer Großmutter, deren linientreues Leben ihr Wohlstand und Sicherheit brachte. Und von ihrem Zwillingsbruder, der mit siebzehn ums Leben kam. Klug, berührend und mit Humor schreibt Olivia Wenzel über Rassismus und Sexismus, Osten und Westen, Herkunft und Verlust, Angst und Hoffnung.

Das sagt die Presse:

»Für mich eins der krassesten Leseerlebnisse des Jahres. Ganz abgesehen von der Thematik ist es in der literarischen Bauart eines der besten Bücher 2020.« (Denis Ohde, Deutschlandfunk Kultur)

»Literarisch souverän. Olivia Wenzel unterschlägt nichts, das ist der bleibende Eindruck dieses eindrucksvollen, schonungslosen, zärtlichen Romans.« (Frankfurter Allgemeine Zeitung)

LUAH aus Köln – das sind Elsa Johanna Mohr (Gesang, Ukulele, Percussion), Lena-Larissa Senge (Gesang, Sythesizer, Percussion) und Ula Martyn-Ellis (Gesang, Gitarre). Die drei jungen, studierten Musikerinnen haben ihre Wurzeln in der Jazzmusik, ihre Kompositionen verbinden Jazz, Pop, Folk und brasilianische Musik. LUAH singen auf englisch und portugiesisch (›lua‹ ist portugiesisch für ›Mond‹), mixen jazzige Gitarrenlinien mit Percussion, Glockenspiel und Synthesizer-Klängen und schaffen so einen ganz eigenen Folkjazz-Sound zwischen Mainstream und Avantgarde.

Das Trio gewann 2019 den Publikumspreis des Jazztube Festivals in Bonn. Im selben Jahr veröffentlichten LUAH ihr Debütalbum ›Sunlit‹. Im Frühjahr 2021 nahm die Band ihr zweites Studioalbum auf, das voraussichtlich im Herbst erscheint.

Das sagt die Presse:

»LUAH haben sich eine eigene Nische mit sonnigen Vokalsätzen, folkigen Arrangements und jazzigen Harmonien erarbeitet. Dabei lassen sich Verwandtschaften zur frühen Joni Mitchell herauslauschen, eine Prise akustisches Dream-Pop-Feeling kommt hinein, und die Würze entsteht durch Samba- und Bossa-Einstreuungen ins Repertoire.« (Jazz thing)

»Ihre Arrangements wirken in dieser Vielfalt unwiderstehlich, wie der Sog einer Schwingtür, hinein in ein mondänes und vor allem buntes Hotel der Extraklasse.« (Generalanzeiger Bergneustadt)

»Drei sehr unterschiedliche Stimmen, die einzeln interessant, spannend, zusammen betörend schön klingen« (Bonner Generalanzeiger)

Die Joseph Boys sind überzeugt: Die Zukunft, die wir wollen, muss gestaltet werden, sonst bekommen wir eine, die wir nicht wollen. Darum formte sich die Düsseldorfer Band 2014 aus Margarine zu einem menschgewordenen Agglomerat aus Wut, Erneuerung und Kunst. Punk ist ihre Stilrichtung, treibende Beats malen Struktur, Akkorde die Strategie. Die Joseph Boys bezeichnen sich selbst als ›audio-soziale Punkplastik‹, ihr Schaffen als ›durchgegorenen, deutsch getexteten, euphorisierenden Punk-Post-Punk mit einer gewissen Rohheit und kubischer Kühle‹. Seit Monaten werkelt die Band in ihrem Workshopraum an einer atmosphärischen, hyperrealistischen Punk-Installation. Ihr viertes Album soll ein einzigartiger ›Seismograph der Erregungskultur‹ werden und eine ›lautstarke Wortmeldung aus dem Düsselland‹, die Veröffentlichung ist für Ende 2021 geplant. Für das asphalt Festival konzipieren die Joseph Boys ein ›Krachschwan-Konzert‹ auf der Seebühne und laden zum ›audiophilen Liveverschleißen‹. Sie versprechen dem Publikum einen emotionalen Exkurs über Gegenwartsbezug und Transformationsvorgänge und die Antwort auf die Frage, warum es mit Glück erfüllt, Musik zu machen.

Das sagt die Presse:

»Die Joseph Boys sind eine eigentümliche Mischung aus Kunst und Punk, aus dadaesken Texten und Brachialgitarren. Eine Mischung, die ihre Konzertauftritte zu einem intensiven Liveerlebnis werden lassen – musikalisch wie physisch.« (jmc Magazin)

»Angekotztheit trifft auf nörgelige Schwermut, ziviler Ungehorsam auf präzises Riffing, Post-Punk und Dance-Drive heizen zusätzlich an.« (Plattentest.de)

»Hart, groovy, manchmal noisig, druckvoll produziert, irgendwie immer tanzbar – und über allem thront der fantastische Gesang von Sänger Andi, dem man gerne zuhört, wie er Texte vorträgt, die absolut unpeinlich sind. Absoluter Tipp für alle, die gerne gute harte, deutschsprachige Musik hören.« (Ox Fanzine)

26. November 1975. Im Land- und Amtsgericht der Stadt Düsseldorf beginnt der Majdanek-Prozess, Aktennummer 8 Ks 1/75 – einer der längsten und aufwändigsten Gerichtsprozesse der deutschen Nachkriegsgeschichte. Nach 30 Jahren werden ehemalige SS-Wächter und KZ-Aufseherinnen des Konzentrations- und Vernichtungslagers Majdanek in Polen für ihre Taten angeklagt. Mit im Gerichtssaal befinden sich auch Schulklassen. Sie sollen Geschichtsaufarbeitung aus erster Hand erleben. Doch schnell stellen sich Gerrit Niehaus und seinen Klassenkamerad*innen einige Fragen: Wie ist das Verhalten der am Prozess Beteiligten zu bewerten? Wie weit ist die Aufarbeitung der deutschen Geschichte wirklich? Und welches Licht wirft das auf ihre Zukunft, also unsere Gegenwart?

Das Theaterkollektiv Pièrre.Vers setzt die erfolgreiche Arbeit an historischen und in der Stadt Düsseldorf verankerten Stoffen fort. Nach ›Schwarz-helle Nacht‹ und ›Aktion:Aktion!‹ taucht das Team um Regisseur Christof Seeger-Zurmühlen und Autorin Juliane Hendes tief in das größte Verbrechen der Menschheitsgeschichte ein. Eindrückliche Zeug*innenaussagen stehen dem juristischen Aufarbeitungsanspruch gegenüber. Menschen, die nicht vergessen können, treffen auf jene, die sich nicht erinnern wollen. Auf der Basis wahrer Begebenheiten entwickelt sich nach und nach ein Schlaglichtgewitter aus Meinungen und Haltungen, die bis weit in die Gegenwart reichen. Sie verleihen dem heutigen Ringen um die Deutungshoheit über die Geschichte eine jahrzehnteweit reichende Dimension.

Unter Electro-Beats und Rocksounds verwandelt sich das über 100 Jahre alte Mysterienspiel ›Jedermann‹ von Hugo von Hofmannsthal in ein vielstimmiges Sprech-Konzert von heute. Wie ein Rockstar erkämpft sich Philipp Hochmair in einem leidenschaftlichen Kraftakt die ›Geschichte vom Leben und Sterben des reichen Mannes‹. Hochmair schlüpft in alle Rollen, sein Monolog ist ein Zwiegespräch mit zwei Mikrofonen – eines für Jedermann und eines für die anderen. Getrieben von Gitarrenriffs und experimentellen Sounds der Band Die Elektrohand Gottes wird Jedermann als Zeitgenosse erkennbar, der in seiner unstillbaren Gier nach Geld, Liebe und Rausch verglüht. Wie Hochmair den Jedermann vom Protzleben in die graue Gruft treibt, ist ein unvergessliches Erlebnis – zwischen Leben und Tod katapultiert ihn die Musik in eine ungeahnte Ekstase.

Der Hochleistungsschauspieler Philipp Hochmair steht immer unter Strom, gibt immer alles – intensiver lässt sich Theater kaum erleben. Von 2003 bis 2009 war er Ensemblemitglied des Wiener Burgtheaters, seit 2009 ist er am Thalia Theater in Hamburg und auf vielen großen Bühnen zu sehen. Dass Philipp Hochmair die Rolle des ›Jedermann‹ auf dem Leib geschrieben ist, weiß man spätestens seit seinem legendären Einspringer im Sommer 2018 bei den Salzburger Festspielen: Mit nur 30 Stunden Vorbereitungszeit übernahm er die Rolle vom erkrankten Tobias Moretti – furios und unter großem Beifall des Publikums. Seitdem gehört Hochmair neben Klaus Maria Brandauer, Maximilian Schell oder Peter Simonischek zum illustren Kreis der Salzburger ›Jedermann‹-Darsteller. Einem breiteren Publikum ist er durch zahlreiche Film- und Fernsehrollen bekannt, u. a. als blinder Kommissar in den Wien-Krimis ›Blind ermittelt‹, als Gerichtsmediziner in der Serie ›Charité‹ oder als Protagonist der Serie ›Vorstadtweiber‹. Beim asphalt Festival war Hochmair bereits zweimal zu Gast: 2018 mit zwei Kafka-Abenden, 2017 mit dem selbstzerstörerischen Solo ›Werther‹.

Das sagt die Presse:

»Eine sprachlich, musikalisch, elektronisch subversive Achterbahnfahrt durch die Abgründe eines Klassikers – respektlos und doch voller Liebe zu erhabener Dichtung  und durchaus eigener Wahrheit« (Theater heute)

»So hat man den ›Jedermann‹, dieses eigentlich uralte Drama vom Sterben des reichen Mannes, noch nie gehört und gesehen. So rotzfrech und eindringlich, so übermütig und bar jeder falschen Ehrfurcht vor den klassisch-sperrigen Worten des Herrn von Hofmannsthal; so aufbrausend und am Ende erschöpft vom eigenen Tode, betrübt.« (Neue Zürcher Zeitung)

»Philipp Hochmair schafft allein, wofür bei anderen ein ganzes Theater nicht ausreicht: Seelen fangen.« (Salzburger Nachrichten)

mit Philipp Hochmair

Elektrohand Gottes:

Gitarre: Tobias Herzz Hallbauer

Elektroklang: Jörg Schittkowski

Schlagwerk: Bastien Eifler

Sound und Light Design: Hanns Clasen

Produktion: Melika Ramic

jedermann-reloaded.de
philipphochmair.com

2018 deckte eine Investigativ-Recherche zu Cum-Ex-Geschäften den größten Steuerskandal in der Geschichte Europas auf: Mindestens 55 Milliarden Euro ließen sich Investor*innen, Banken und Spekulant*innen durch den Dreieckshandel von Aktien zu Unrecht vom Fiskus erstatten. Zwei Jahre später stehen einige Akteur*innen vor Gericht, die Machenschaften aber längst nicht mehr im Fokus der Öffentlichkeit. Dabei sind nach wie vor viele Fragen offen: Was wusste die Politik? Wurde bewusst weggeschaut? Standen die Reichen gar über der Allgemeinheit?

Beim asphalt Festival 2019 war die preisgekrönte Inszenierung ›Cum-Ex Papers‹ des Teams um Theaterregisseurs Helge Schmidt zu sehen, nun folgt der zweite Streich: In Zusammenarbeit mit dem Investigativ-Journalisten Oliver Schröm vom ARD-Magazin ›Panorama‹ und seinen Kolleg*innen erzählt ›Tax for free – Scholz und Tschentscher geben einen aus und Michael Kohlhaas wundert sich‹ die Chronik eines politischen Skandals: Der Stadtstaat Hamburg fordert im Jahr 2016 von der Privatbank M.M. Warburg & CO 47 Millionen Euro Steuern aus mutmaßlichen Cum-Ex-Geschäften zurück. Dann jedoch trifft sich der Mitinhaber der Bank mit dem Regierenden Bürgermeister Olaf Scholz. Innerhalb weniger Tage entscheidet sich die Finanzbehörde unter Senator Peter Tschentscher dazu, auf die Erstattung zu verzichten … Die Aufarbeitung des Cum-Ex-Skandals beschäftigt inzwischen auch die Hamburger Bürgerschaft, die im Oktober 2020 einen Untersuchungsausschuss zu dem Thema installierte.

Gerahmt von Interviews mit Politiker*innen, Journalist*innen und NGOs beschreibt die Inszenierung anhand dokumentarischen Materials eindrucksvoll die Nähe von Finanzwirtschaft und Politik. Inhaltlich und personell knüpft das Stück dabei an die mit dem deutschen Theaterpreis ›Der Faust‹ ausgezeichneten ›Cum-Ex Papers‹ an, stellt mit Rückgriff auf Heinrich von Kleists tragische Figur Michael Kohlhaas nun aber die Frage: Wann ist ein System so ungerecht, dass Bürger*innen sich wehren müssen? Die Uraufführung von ›Tax for free‹ fand am 3. Juni im Hamburger Lichthof Theater statt, im Juli ist das Stück beim asphalt Festival erstmalig als Gastspiel zu sehen.

Helge Schmidt (*1983 in Schwerin) war mehrere Spielzeiten am Thalia Theater Hamburg tätig und arbeitet seit 2014/15 als freier Regisseur. Seine Produktion ›Weltverbesserungstheater‹ am Theater Erlangen wurde in der Kritikerumfrage der Deutschen Bühne als herausragende Inszenierung der Spielzeit 2017/18 nominiert. Helge Schmidt ist sowohl in der freien Szene als auch am Stadttheater aktiv. Seine Arbeiten wurden mehrfach zu Festivals eingeladen.

Dieses Buch ist ein Feuerwerk des Einfallsreichtums: Nach dem Bestseller ›Das Floß der Medusa‹ begibt sich der österreichische Schriftsteller Franzobel in seinem neuen historischen Roman auf die Spuren eines wilden Amerika-Eroberers während der spanischen Conquista. Der Edelmann Ferdinand Desoto hat Pizarro nach Peru begleitet, dem Inkakönig Schach und Spanisch beigebracht, dessen Schwester geschwängert und mit dem Sklavenhandel ein Vermögen gemacht. Er war bereits berühmt, als er 1538 eine große Expedition nach Florida startete, die eine einzige Spur der Verwüstung durch den Süden Amerikas zog und bis heute als einer der erfolglosesten Eroberungsfeldzüge der Geschichte gilt. Knapp 500 Jahre später klagt ein New Yorker Anwalt im Namen aller indigenen Stämme auf Rückgabe der gesamten USA an die Ureinwohner.


›Die Eroberung Amerikas‹ liest sich wie ein Gleichnis für die von Gier und Egoismus gesteuerte Gesellschaft, die von eitlen und unfähigen Führern in den Untergang gelenkt wird.

Franzobel (*1967 in Vöcklabruck, Österreich) hat zahlreiche Bücher und Theaterstücke veröffentlicht, die vielfach ausgezeichnet wurden. Er erhielt u. a. den Ingeborg-Bachmann-Preis (1995), den Arthur-Schnitzler-Preis (2002), den Nestroy-Theaterpreis (2005) und den Nicolas-Born-Preis (2017). Sein Roman ›Das Floß der Medusa‹ stand auf der Shortlist für den Deutschen Buchpreis und wurde mit dem Bayerischen Buchpreis ausgezeichnet.

Das sagt die Presse:

»Dieser Roman hat mich so begeistert wie kein zweiter in diesem Jahr. Er hat mich grundweg umgehauen.« (Thea Dorn, Literarisches Quartett)

»Statt einfach einen historischen Roman zu ›erzählen‹, wird hier mit unbändiger Fabulierlust ein provozierendes Gemälde entworfen, in dem Faktum und Fiktion sich bis zur Unkenntlichkeit vermischen.« (FAZ)

»Mit Verve und Fabulierlust entwirft Franzobel farbenprächtige Bilder und ein Panoptikum skurriler Figuren. Erkenntnis- und Lesevergnügen zugleich – und preisverdächtig.« (BR2)

»Ein sprachliches Meisterwerk voller ironischer Verweise und eine erschütternde Studie menschlichen Verhaltens.« (Der Standard)

Die deutsche Rapperin Ebow, bürgerlich Ebru Düzgün, ist provokant und politisch. Solo, aber auch als Mitglied der Gaddafi Gals, rappt die gebürtige Kurdin unter anderem gegen Sexismus, Rassismus und Homophobie, für eine offene, solidarische und gleichgestellte Gesellschaft.

Ebow ist eine der relevantesten Rapperinnen des Landes, macht politische Themen hörbar und schafft Hymnen für ganze Communities. Sie gibt denen eine Stimme, die oft nicht gehört werden.

Anfang 2020 hat die in Berlin lebende Künstlerin ihr neues Album ›QUEER AF II‹ veröffentlicht, eine Sammlung queerer Lovesongs. Die vielfältige, kurze EP setzt sich mit dem Thema auf ganz unterschiedliche Weise auseinander: ›Shorty‹ ist eine eingängig-dissonante Uptempo-Nummer mit einer eingängigen Hookline, ›Tunnel‹ ein melancholischer Track mit lässigen Jazz-Anleihen und viel Herzschmerz. Komplettiert wird die EP von dem Song ›Friends‹, der die Freundschaft feiert.

Ebow verknüpft spielend old school, new school, Battlerap und R’n’B. Ihre textliche Palette ist ebenso breit gefächert und reicht von tagebuchartigen Gedanken bis zu politischen Pamphleten. Von der Presse wird Ebow als deutsches Pendant zur britischen Polit-Rapperin M.I.A. gehandelt.

Das sagt die Presse:

»Zwischen Radikalität und Reflektiertheit findet Ebow seit Jahren die passenden Worte, um ihre Erfahrungen mit Diskriminierung zu verarbeiten – als Postmigrantin, als Frau, die Frauen liebt, als Frau. Sie rechnet in ihrer Musik ab, mit strukturellem Rassismus, kultureller Aneignung, Frauenverachtung und Queer-Feindlichkeit.« (Süddeutsche Zeitung)

»Düzgün bricht ihre Aussagen auf Schlüssel-, Schlag- und Stichwortketten herunter, deren Effekt schwindelerregend ist. Sie textet politisch korrekt und grammatisch unkorrekt über Frauenverachtung in ihrer Szene und Fremdenverachtung in ihrem Land.« (Zeit Online)

»Wenn die junge Rapperin auf die Bühne tritt, ist es Zeit für Ansagen.« (Vice)

»Es gibt auch Leute, die Ebow vorwerfen, abgehoben zu sein, weil sie über ihren Master-Abschluss rappt. Ihre Antwort: ›Digga, gönn’ mir doch!‹« (brand eins)

Mehr Herz und Soul geht kaum: Diana Ezerex’ Musik verbindet Urban Pop, HipHop, Soul und Trap. Ihre charismatische Stimme erinnert an die Energie von Rag’n’Bone Man, die Intensität von Bon Iver und die Gelassenheit von Anderson.Paak. Seit mittlerweile vier Jahren spielt die Sängerin ehrenamtlich Konzerte in Gefängnissen. Für ihr soziales Engagement wurde sie bereits mehrfach ausgezeichnet, u. a. beim Wettbewerb ›Aktiv für Demokratie & Toleranz 2020‹ der Bundeszentrale für Politische Bildung, mit dem Heinz-Kappes-Preis 2020 und dem Jugenddiakoniepreis 2019. Beim asphalt Festival wird Diana Ezerex erstmalig Songs ihres Ende Juni erscheinenden Debütalbums ›My Past’s Gravity‹ live spielen. Die Stücke befassen sich mit Themen, die im Zusammenhang mit dem Gefängnis stehen und greifen Tabus, strukturelle Probleme sowie soziale Ungerechtigkeiten auf. Ezerex’ Songtexte haben eine hohe gesellschaftliche Relevanz und Authentizität, stellen Fragen zu mentaler Gesundheit, Suizid, Akzeptanz und Zurechtfinden im Gemeinwesen.

Das sagt die Presse:

»Diana Ezerex ist eine Songwriterin, die nicht nur für Musik brennt, sondern auch für soziales Engagement.« (Bayerischer Rundfunk)

»Ihre tiefe, rauchige Stimme geht durch Mark und Bein, sobald sie eines ihrer selbstgeschriebenen Lieder anstimmt.« (Badische Neueste Nachrichten)

Der Musiker, Radiomoderator und Autor Danko Rabrenović kehrt zurück auf die Bühne. Diesmal allerdings ›Solo & Allein‹. Der Ex-Balkanizer macht ein Experiment und verlässt sich dabei auf sein Improvisationstalent und seine Gitarre. Rabrenović bewegt sich als Geschichtenerzähler und Performer ohne Netz und doppelten Boden in einer Welt, die irgendwo zwischen Konzert, Lesung, Stand-up und Kabarett liegt. Die Form seiner Performances ändert sich, seine Themen bleiben: Sprache, Exil, Identität, Kulturschocks, Heimatgefühle, Nationalismus, Integration, Migrationshintergrund und ähnliche Krankheiten.

Danko Rabrenović wurde in Zagreb geboren, wuchs in Belgrad auf und lebte als Kind mit seinen Eltern drei Jahre in Peking. Kurz nach Ausbruch des Jugoslawienkrieges kam er nach Deutschland. Elf Jahre lang moderierte er die Kultradiosendung ›Balkanizer‹, zur Zeit ist er Moderator bei WDR Cosmo. Bislang sind zwei Bücher von ihm erschienen, ›Der Balkanizer. Ein Jugo in Deutschland‹ und ›Herzlich willkommencić. Heimatgeschichten vom Balkanizer‹ (DuMont). Rabrenović ist zudem Sänger und Gitarrist der Ska-Punk Band Trovači.

Das sagt die Presse:

»Er betrachtet das Leben in Deutschland mit ähnlich wohlwollender Verwunderung wie sein russischer Kollege Wladimir Kaminer. Sei es dem charmanten Akzent geschuldet – Ähnlichkeiten sind nicht von der Hand zu weisen.« (Bonner Generalanzeiger)


»Der Balkanizer erzählt von einem Leben zwischen zwei Heimaten und hält uns charmant den Spiegel vors Gesicht. Russendisko auf balkanesisch – witzig und tiefsinnig.« (Radio Fritz)


»Der Autor und Musiker Danko Rabrenović hat mit der Geschichte seiner Integration in Deutschland eine Lücke gefüllt.« (taz)

Das Babylon ORCHESTRA ist ein junges, urbanes Berliner Fusion-Ensemble, das europäische und nahöstliche Musik mit dem Sound einer Big Band und eines zeitgenössischen Orchesters verbindet. Das Ensemble vereint verschiedene musikalische Traditionen in einer neuen und einzigartigen Klangwelt. Es bringt Menschen mit ihren Geschichten, Liedern, Instrumenten und Rhythmen zusammen und gibt damit kreative Impulse für neue Musikwerke. Durch die Verbindung und Gegenüberstellung von klassischen und traditionellen Instrumenten, wie zum Beispiel Oud und Gitarre, Ney und Flöte, Kamanche und Geige oder anderen spannenden Kombinationen, fördert das Ensemble auch ein tieferes Verständnis für außereuropäische Kulturen. Gegründet wurde das Babylon ORCHESTRA 2016 von dem mehrfach ausgezeichneten Komponisten Mischa Tangian und seiner Partnerin Sofia Surgutschowa.

Das Ensemble spielte bereits in vielen renommierten Sälen in ganz Deutschland, wie der Deutschen Oper Berlin, der Elbphilharmonie, der Komischen Oper Berlin, im HAU1 (Hebbel am Ufer) oder der Volksbühne und ist mit bekannten Künstlern wie Titus Engel, den Grandbrothers, dem Zafraan Ensemble, MAias Alyamani und der Blue Man Group aufgetreten.

Aus vielfältigen Kooperationen in den vergangenen Jahren ist ein eigenes, neues Repertoire entstanden, dessen Essenz im Sommer 2020 auf dem Debütalbum ›Babylon ORCHESTRA‹ erschien. Als Gastmusiker*innen sind darauf außergewöhnliche Solist*innen wie Osama Abdulrasol (Qanoon), Layale Chaker (Violine), Mohannad Nasser (Oud), der syrische Vokalist Rebal Alkhodary und die kurdische Sängerin Hani Mojtahedy zu hören. Das Album gewann den Preis der deutschen Schallplattenkritik 2020 in der Kategorie ›Weltmusik‹.

Das sagt die Presse:

»Wie selbstverständlich überschreitet auch das Orchester von Mischa Tangian mit seinen okzidentalen und orientalen Elementen die Grenze musikalischer Traditionen: Mal scheint man vom Big-Band-Sound in einen Noir-Film versetzt, mal verwandeln die Streicher eine syrische Melodie zur Jazzrock-Ballade.« (Der Tagesspiegel)

»Babylon Orchestra heißt das Wunderwerk der Weltmusik« (Berliner Kurier)

»Das durchbricht alle musikalischen Erwartungen.« (Der Tagesspiegel)

CK und Bianca sind Spezialistinnen für alle großen Ereignisse im Leben. Mit ihrem Kleinstunternehmen IMMER_EINE_GUTE_PARTIE_24.de sind sie stets professionell begleitend zur Stelle, ob auf Hochzeiten, Trauerfeiern, Straßen- und Richtfesten oder Kindergeburtstagen. Ihre Kernkompetenz ist das Erkennen von Problemen und die Umgestaltung der Wirklichkeit. Im Privaten gelingt das leider selten, denn CK ist ja eher Single, Anfang / Mitte 30, äußerst schwer vermittelbar. Bianca, ihre Aszendentin mit einem Herz aus Gold, pflichtbewusst, doch bis aufs Äußerste gelangweilt, befindet sich immer knapp vor dem Nervenzusammenbruch. Kurz und gut, aus Gründen von Einsamkeit und der allseits bekannten Work-Life-Balance wird Hobby zum Beruf …

In ›AMORE. Zeltgeschichten im Campingfachjargon. Eignet sich vielleicht als Überschrift. Nicht als Song.‹ – so der vollständige Stücktitel – geht es um das Spiel mit Erwartungen, das Widersprüchliche, Ambiguität und Ambivalenz, den Kontrast und die Diskrepanz. Es geht um Kitsch – trivial, banal, sentimental –, im Gegensatz zu einer künstlerischen Bemühung um das Wahre, das Schöne. Und um Trash. ›AMORE.‹ ist ein theatraler Liebesbeweis von undBorisundSteffi.

Krieg ist leise geworden. Militärische Ziele liegen jenseits von Grenzen und häufig mitten in zivilen Gebieten. Fronten verschwimmen. Den Abzugsknopf drücken Soldaten auf einer Fernbedienung. Die Tötung wird von Befehlshabern aus cineastischer Gottesperspektive getroffen. Je wertvoller das militärische Ziel, desto mehr Kollateralschäden werden von den Verantwortlichen als akzeptabel angesehen. In den vergangenen Jahren hat sich viel geändert in der Art, wie Kriege geführt und kommuniziert werden. Dies liegt nicht nur an neuen autonomen Waffensystemen und ungeahnten Möglichkeiten in der visuellen Überwachung. Ziel ist es, die Menschen in sicheren Ländern vom Wissen über Kriege und Exekutionen abzuschirmen: ›ALL QUIET ON THE WAR FRONT‹. Es ist leichter geworden, Machtpolitik militärisch umzusetzen, ohne als Aggressor wahrgenommen zu werden und einen Blutzoll zahlen zu müssen. Dagegen müssen die attackierten Gesellschaften nicht nur hohe Opferzahlen in der Zivilgesellschaft ertragen. Sie sind auch traumatisiert von einem unsichtbaren Feind, der in der Luft nur über seinen Drohnenklang zu bemerken ist.

»Weder die Zivilbevölkerung als solche noch einzelne Zivilpersonen dürfen das Ziel von Angriffen sein. Die Anwendung oder Androhung von Gewalt mit dem hauptsächlichen Ziel, Schrecken unter der Zivilbevölkerung zu verbreiten, ist verboten.« (Genfer Konventionen, Zusatzprotokoll vom 8. Juni 1977, Art. 51, 2)

Die neue Komposition ›ALL QUIET ON THE WAR FRONT‹ von Bojan Vuletic verarbeitet klanglich und musikalisch die Perspektiven am Boden und aus der Luft sowie das Ausblenden von Kriegslärm in der sicheren Ferne. Die Musik wird ergänzt durch gesprochene Texte zu Drohnen-Angriffen, etwa internationale Presseartikel oder Passagen aus US-Hearings zur nationalen Sicherheit. Das Werk wird beim asphalt Festival 2021 von einem kammermusikalischen Ensemble herausragender internationaler Solist*innen uraufgeführt.

Egor Grechishnikov, Violine, spielte als Konzertmeister im Kammerorchester Moscovia und bei den Moskauer Virtuosen unter Vladimir Spivakov. 1994 wurde er Solist der Moskauer Philharmonie, Engagements als 2. Konzertmeister des SWR Orchesters in Freiburg und als 1. Konzertmeister des Niederländischen Philharmonischen Orchesters folgten. Seit 2002 ist er 2. Konzertmeister der Düsseldorfer Symphoniker.

Die New Yorker Cellistin und Komponistin Mariel Roberts ist als Solistin und Kammermusikerin bereits bei einer Vielzahl von Konzerten auf vier Kontinenten aufgetreten und schlägt in ihren virtuosen Performances Brücken zwischen Avantgarde, zeitgenössischer, klassischer, improvisierter und traditioneller Musik.

Der in Frankfurt am Mai geborene Klarinettist Christoph Schneider hat bereits mehrere Preise als Solist gewonnen, spielte u. a. im Beethoven Orchester Bonn und im Orchester der Deutschen Oper Berlin und ist seit 2016 Solo-Klarinettist der Duisburger Philharmoniker.

Der Trompeter und Performer Pablo Giw lebt in Köln und beschäftigt sich neben traditioneller Spielweise vor allem mit Extended Techniques, Perkussion und Noise. Mit seinem Instrument schafft er dichte Klangwände und Grooves, bei denen er auch Stimme und Spoken Word einbindet.

Die rumänische Pianistin Alina Bercu gastierte auf vielen wichtigen Musikbühnen Europas, Amerikas und Asiens, darunter der Carnegie Hall New York, der Tonhalle Zürich und der Tonhalle Düsseldorf, und arbeitete mit namhaften Sinfonieorchestern zusammen. Ihre Debüt-CD mit Kammermusikwerken von Schubert und Brahms wurde mit dem ›Golden Label‹ (Benelux) und ›Cle d’or‹ (Frankreich) ausgezeichnet.

Bojan Vuletić ist Komponist, Klangkünstler und Gitarrist. Musikalische Zusammenarbeiten verbinden ihn u. a. mit Markus Stockhausen, Nate Wooley, Bojan Z, dem Mivos Quartet, WDR Rundfunkorchester und -chor und den Düsseldorfer Symphonikern. Audio-Realisation von Ausstellungen in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Danica Dakić waren u. a. auf der documenta 12 Kassel, der Biennale Liverpool und auf der Biennale in Venedig zu sehen.

»Sie ist keine, die aufhört, wenn es wehtut«, schrieb ›Die Zeit‹ über Florentina Holzinger, die aktuell als eine der aufregendsten Performerinnen gilt. Die Wienerin bereichert die internationale Performanceszene mit schwindelerregender Akrobatik, muskulösen Frauenkörpern und Martial-Arts-Kampfszenen – popkulturelle Referenzen und ein Faible für Trash kommen dabei nicht zu kurz. Ihre Performances haben Kultstatus, sie geht an die Grenzen – des guten Geschmacks und ihres eigenen Körpers. Im Zentrum von Holzingers Arbeit steht der weibliche Körper, den sie als Experimentierfeld begreift, mit dem man alles machen kann.

In ihrer neuen Arbeit ›TANZ‹ befasst sie sich mit der Disziplinierung des Körpers durch das Ballett. Dazu bedient sie sich eines Ensembles von elf starken Frauen zwischen 20 und 80 Jahren, die weitgehend splitternackt agieren und aus ganz unterschiedlichen Bereichen kommen: Tanz, Ballett, aber auch Theater und Zirkus. Protagonistin ist die 80-jährige Beatrice Cordua, die lange John Neumeiers Primaballerina war und weltweite Berühmtheit erlangte, als sie 1972 erstmalig ›Le sacre du printemps‹ nackt tanzte. In ›TANZ‹ studiert Cordua mit einer Ballettklasse ›La Sylphide‹ ein – ein Ballettstück von 1832 mit schwebenden Luftgeistern und Feenwesen (Sylphiden), das als Geburtsstunde von Tutu und Spitzentanz gilt und bis heute das Image von Ballett prägt. Doch Holzinger blickt aus heutiger, feministischer Perspektive auf das Thema, holt die verklärte Welt des romantischen Balletts radikal, tabulos und schockierend ins 21. Jahrhundert und macht daraus einen wahren Höllenritt. In einem opernhaften Setting zwischen Märchenwald und Hexensabbat entstehen brutale Parodien auf Bilder, wie man sie aus Ballett, Komödien und Pornografie kennt – inklusive spektakulärer Einlagen wie Stunts auf hängenden Motorrädern.

›TANZ‹ ist eine Koproduktion des asphalt Festivals und eines der meistprämierten Stücke im deutschsprachigen Raum 2020: Es wurde u. a. zum Theatertreffen eingeladen, in der Kritikerumfrage von ›Theater heute‹ zur Inszenierung des Jahres gekürt und war für den deutschen Theaterpreis ›Der Faust‹ nominiert. Zudem erhielt Holzinger den Nestroypreis für die beste Regie.

Florentina Holzinger (*1986 in Wien) hat Choreografie an der School for New Dance Development (SNDO) in Amsterdam studiert. Gemeinsame Arbeiten mit Vincent Riebeek wie ›Kein Applaus für Scheiße‹ (2011), ›Spirit‹ (2012) oder ›Wellness‹ (2012) brachten ihr den Ruf als ›provokanteste Nachwuchschoreografin‹ ein. Ihre Arbeiten werden auf zahlreichen Festivals und in Produktionshäusern im In- und Ausland gezeigt. Holzinger lebt in Wien und Amsterdam und wird ab der Spielzeit 2021/22 im Team von René Pollesch an der Berliner Volksbühne arbeiten.

Das sagt die Presse:

»In der Wut liegt die Kraft liegt die Liebe: Wer einen Abend von Florentina Holzinger sieht, spürt die Zukunft.» (SZ-Magazin)

»Die österreichische Performancekünstlerin und Choreografin beherrscht die Kunst, Sachen, die Menschen normalerweise nicht sehen wollen, so auf die Bühne zu bringen, dass man trotzdem gerne hinschaut.« (Der Falter)