Kategorie: Sommerfestival

Kultregisseur Thorsten Lensing ist zurück! Bislang machte er mit erfolgreichen Romanbearbeitungen von sich reden, wie David Foster Wallaces ›Unendlicher Spaß‹, das zum Berliner Theatertreffen eingeladen und bei asphalt 2021 zu Gast war. Nun hat Lensing zum ersten Mal ein eigenes Stück für das Theater geschrieben, genauer gesagt für die Star-Schauspieler:innen Sebastian Blomberg, André Jung, Ursina Lardi und Devid Striesow, mit denen er teilweise schon seit 20 Jahren zusammenarbeitet. 

»Verrückt nach Trost«, uraufgeführt bei den Salzburger Festspielen 2022, wurde vom asphalt Festival koproduziert und kommt im Sommer 2023 endlich nach Düsseldorf!

Die Kinder Charlotte und Felix kommen aus dem Meer und spielen am Strand ihre toten Eltern. Ein Ritual, das die beiden seit Jahren pflegen. In Erinnerung an die wilde Ausgelassenheit ihrer Eltern cremen sie sich den Rücken ein und kitzeln einander, bis sie kaum noch Luft bekommen. Für kurze Augenblicke fällt alle Trauer von ihnen ab. Immer wieder jedoch brechen die unterschiedlichen Bedürfnisse der zehn- und elfjährigen Geschwister in das Spiel ein.

Während ihre ungebändigte Fantasie den ersten Teil der Inszenierung bestimmt, steht im zweiten Teil das Erwachsenendasein im Vordergrund und die Geschwister gehen getrennte Wege.

Das Publikum begleitet die Figuren über mehrere Jahrzehnte hinweg. Das Ensemble aus vier herausragenden Theater-, Film- und TV-Schauspieler:innen verkörpert Menschen von der Kindheit bis ins hohe Alter ebenso grandios wie Tierrollen. An diesem Theaterabend, der einem »Schauspielfeuerwerk« (ORF) gleicht, begegnen uns hungrige Babys auf riesigen Parkplätzen, verletzte Stabhochspringerinnen, sprechende Oktopusse, todessehnsüchtige Taucher, Menschen, die ihren eigenen Körper nicht spüren, Kühe am Schlachttag, Pflegeroboter und Sterbende, die in einem Altenheim auf ihren Tod warten. Sie alle sind getrieben von der Angst, ihren Weg verloren zu haben, und der großen Sehnsucht nach dem Gefühl, richtig am Leben zu sein: ein Fest der Schauspielkunst voll herzzerreißender Komik.

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Das sagt die Presse:

»Eine Sternstunde des Theaters« (taz)

»Das schönste, tröstlichste und lebensklügste SchauspielerInnen-Theater, das man momentan sehen kann. Es gibt keinen Regisseur, der die Schauspieler so frei sein lässt wie Thorsten Lensing. Dreieinhalb Stunden Theater und keine vergeudete Minute.« (RBB)

»Das Star-Ensemble spielt Tiere und Kinder – und das ganz grandios.« (Süddeutsche Zeitung)

»Hinreißendes Schauspieltheater« (FAZ)

»Lensing und seine vier grandiosen Darsteller sind getrieben von dem Wunsch, in schlichtweg alles, jedes Tier und jeden Menschen, ja sogar in die Dinge hineinzufahren, so wie ein Geist oder ein Fluch in etwas fährt.« (DIE ZEIT)

»Ein eher leises Wundertheater zwischen Alltag und Überhöhung, zwischen gut situiertem Situations- und Dialogwitz und melancholischen Abstürzen, hintergründig getarnt als Burleske.« (nachtkritik)

Lesen Sie hier einen Text von Dramaturg Dan Kolber über seine Erlebnisse und Beobachtungen bei den Proben zu »Verrückt nach Trost«.

27. Juli 2000, 15:03 Uhr, Düsseldorf: Eine Bombe explodiert am S-Bahnhof Wehrhahn und verletzt zehn Menschen zum Teil schwer. Ein ungeborenes Kind stirbt. Die Opfer waren gerade erst ins Land gekommen, als Aussiedler:innen und sogenannte Kontingentflüchtlinge, viele von ihnen jüdischen Glaubens. Von einem Tag auf den anderen verloren sie durch diesen brutalen Gewaltakt ihre Hoffnungen, Perspektiven und das Gefühl von Sicherheit – bis heute. Seit dem verheerenden Anschlag vor mittlerweile 23 Jahren haben zwei große Ermittlungsphasen, ein Untersuchungsausschuss, ein Gerichtsverfahren und unzählige Diskussionen in der Stadtgesellschaft nur zu weiteren Fragen geführt. Wo bleibt die Gerechtigkeit?

Das Theaterkollektiv Pièrre.Vers bringt Akteur:innen der Stadtgesellschaft, die auf verschiedene Weise an der Aufarbeitung des Anschlags beteiligt waren und sind, in einem Kammerspiel zusammen. Vertreter:innen von Polizei, Presse, Antifa und Betroffenen werfen in einem Prozess kollektiven Erinnerns noch einmal Fragen auf: Warum konnte die Tat nie aufgeklärt werden? War die Polizei auf dem rechten Auge blind oder hat die Presse mit ihrem medialen Feuer die Ermittlungen behindert? Machte es sich die Antifa zu einfach mit ihrem Fingerzeig nach rechts? Oder waren die Sachlage ebenso wie die Profile von Opfern und möglichen Täter:innen von Anfang an klar? Die Betroffenen schweigen, aber das beutetet nicht, dass sie keine Anliegen haben. Wer muss sich vor wem rechtfertigen? Wer darf wem Schuld zuweisen? Wer trägt Verantwortung? Warum vergessen, wann erinnern wir?

Nach ihrem erfolgreichen, vierteiligen Zyklus »Historification« und der Auseinandersetzung mit NS-Verbrechen in Düsseldorf begeben sich der Regisseur Christof Seeger-Zurmühlen und die Autorin Juliane Hendes mit »Dunkeldorf« nun auf die Spuren der jüngeren Geschichte der Landeshauptstadt und fragen: Was erzählt es über unsere Erinnerungskultur, wenn das Vergessen schon nach zwanzig Jahren einsetzt?

Das Theaterkollektiv Pièrre.Vers wird sich in den kommenden Jahren künstlerisch mit Ereignissen rechter Gewalt in der jüngeren Geschichte der Bundesrepublik Deutschland befassen und erhält hierfür u. a. die Spitzenförderung des Landes NRW.

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Das sagt die Presse:

»Der Abend bestürzt und bereichert. Erneut beweist er eine gewichtige Dimension und das gewaltige Potential von Theater: Geschichte hautnah heranzuholen, Erinnerungen mit Lebendigkeit zu versehen, deren Halbwertszeit offenbar immer rascher verfällt.« (nachtkritik)

»Dokumentation und Deutung werden bei ›Dunkeldorf‹ kunstvoll im Gleichgewicht gehalten. Das ist eine Stärke des Theaterkollektivs, die auch schon in anderen Produktionen sichtbar wurde.« (Rheinische Post)

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Lesen Sie hier ein Essay der Dramaturgin Juliane Hendes über die Hintergründe der Produktion.

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mit Julia Dillmann, Azizè Flittner, Daniel Fries, Jonathan Schimmer, Alexander Steindorf sowie Julia Franken und Barbara Schröer

Regie und Konzept: Christof Seeger-Zurmühlen
Raum und Kostüm: Simone Grieshaber
Text und Dramaturgie: Juliane Hendes
Komposition: Bojan Vuletić
Video: Julia Franken & Barbara Schroer
Produktionsmitarbeit: Nastasia Radtke
Raum- und Kostümmitarbeit: Leonie Ohlow
Technische Koordination: Philippe Waldecker
Sounddesign: Philipp Kaminsky, Avelina Ost, Sandra Zawada
Produktionsleitung: Melissa Müller

Angela Aux befindet sich seit Jahren auf einer Mission zwischen Pop und Underground, Anti-Folk und Experimental-Pop. Das künstlerische Alter Ego des Münchner Sängers, Gitarristen und Autors Florian Kreier lässt sich in keine Genre-Schublade stecken. Ihre Songs sind eine Mischung aus Indie-Pop, Folk und experimenteller Musik, mit wechselnden Referenzen von Beck über Velvet Underground und Mac DeMarco bis hin zu den Beatles.

Angela Aux hat bislang vier Alben veröffentlicht, die sich zu Kritiker-Lieblingen mauserten. Spätestens mit der letzten LP »In Love with the Demons« (2019) hat sich der Singer-Songwriter eine große Fangemeinde erobert. Seine verspielten, reduzierten Lo-fi-Folk-Songs sammeln inzwischen Millionen von Streams, rotieren in weltweiten Playlisten, laufen im Radio zwischen Feuilleton, Indie und Mainstream und untermalen Netflix-Serien (»Biohackers«) und Kinofilme (»Mein Sohn«).

Angela Aux ist bekannt für ihre intensiven Live-Auftritte und hat bereits auf zahlreichen Festivals in Deutschland und Europa gespielt. Flo Kreier ist seit vielen Jahren auf der Bühne in Kleid und Perücke unterwegs und seit Neuestem als Alien verkleidet – ein Künstler der Gegensätze, der mit Identitäten und Geschlechternormen spielt und zwischen Wu-Tang-Shirt und Mädchen-Perücke, Haiku und Dostojewski balanciert. Er gehört zu den Mitgründern der »New Weird Bavaria«-Bewegung.

Die Veröffentlichung seines nächsten Albums »Instinctive Travels on the Paths of Space and Time« ist für April geplant. Das Werk ist als Teil einer Trilogie konzipiert, für die Kreier eine Sci-Fi-Novel schrieb und ein Theaterstück inszenierte. Hier wird die Zukunft der Zivilisation in hybriden Folksongs zwischen Neil Young und J Dilla verhandelt. Im Frühjahr 2023 geht Angela Aux als Support von Die Sterne auf eine große Tournee durch Deutschland und die Schweiz.

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Das sagt die Presse:

»Angela Aux schreibt Songs, die so wohltuend sind, dass man sie gerne dauerhaft als Soundtrack in seinem Leben verankert hätte.« (MunichMag)

»Angela Aux bezirzt mit langen blonden Haaren, Bart und sanften Songs am Rande des Nervenzusammenbruchs die Münchner Szene mit einer Eigenwilligkeit, der man sich schwer entziehen kann.« (Süddeutsche Zeitung)

»Äußerlich fast schon ein Ziggy Stardust der ›New Weird Bavaria‹-Bewegung. Inhaltlich genauso weird.« (PULS, Bayerischer Rundfunk)

»Mit zarter Stimme schlängelt er sich durch zauberhafte Melodien und lässt seinen facettenreichen Songs dabei immer genug Raum zum Atmen, Träumen und Nachdenken.« (br.de) 

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Indie-Pop und Bossa Nova, Jazz und Ska, Bardenpop und Klezmer, Folk und Wienerlied: Die österreichische Band Buntspecht befindet sich in einem stetigen Prozess, der immer wieder neue musikalische Seiten ans Licht bringt. Filmmusik für Filme, die es nicht gibt, Kinderlieder für Erwachsene, Atmosphäre und Ballade: alles darf, alles soll, alles muss! Die Stücke der sechsköpfigen Gruppe aus Wien bewegen sich zwischen Ekstase und Melancholie, Trauer und schelmischem Grinsen, Perspektivlosigkeit und Utopie, Lebensbejahung und immer wieder nagenden Zweifeln. Buntspecht sind vor allem für die ausgelassene Energie ihrer Shows bekannt, die niemanden stillstehen lässt. Ihr Auftreten ist charmant, ihr Sound mitreißend. Beschwingt und brachial, traumwandlerisch und staunend, spöttisch und verträumt kreierte sich die Band in den letzten Jahren immer wieder aufs Neue ihren eigenen Sound – und mit »Unter den Masken« zufällig auch einen Pandemie-Hit. Zur Zeit arbeiten Buntspecht an ihrem vierten Studioalbum, die erste Singleauskoppelung »Majorelika« ist bereits Ende 2022 erschienen.

In Österreich sind Buntspecht dem Status des Geheimtipps schon lange entwachsen. Bereits mit ihrem zweiten Album schafften sie den Sprung in die Top Ten der österreichischen Charts. Das erste Livekonzert der Band nach Corona im März 2022 in der Arena Wien war restlos ausverkauft. Nur wenige Tage später spielten Buntspecht gemeinsam mit Wanda, Conchita Wurst, Cari Cari und anderen Größen der österreichischen Kunst- und Kulturszene ein Ukraine-Benefizkonzert am Wiener Heldenplatz vor zehntausenden Zuschauer:innen. In Deutschland begeisterten Buntspecht im vergangenen Jahr u. a. auf Festivals wie Haldern Pop, c/o Pop und Watt en Schlick. Ab Mai 2023 steht eine große Tournee durch den gesamten deutschsprachigen Raum an.

Bei Stefanie Sargnagels Theaterstück »HEIL« sind Buntspecht für die Livemusik zuständig (27. und 28. Juni im Weltkunstzimmer), und wir freuen uns sehr, dass wir die smarten Musiker aus Wien für ein zusätzliches Konzert auf der schwimmenden Seebühne gewinnen konnten!

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Das sagt die Presse:

»Das Eigensinnige und Eigenwillige wird bei Buntspecht zum Leitthema erhoben; die Songminiaturen zeigen sich verspielt und leichtfüßig – und entziehen sich klassischer (Indie-)Popklischees.« (profil.at)

»Buntspecht verwandeln Kammermusik (Gitarre, Cello, Kontrabass) in einen irren Mix aus Folk und Bossa Nova und erweisen sich auch bei der Kleiderwahl vielen Stilen zugewandt.« (musikblog.de)

»Zwischen Manie und romantischer Melancholie zaubern die sechs Multiinstrumentalisten eine Mischung aus Unbeschwertheit und Weltschmerz.« (The Postie)

»Eine verspielte Palette von subversivem Nonsense bis hin zum sinnlich Absurden.« (ORF.at)

Düster und scharfkantig sind die Klänge von Dalila Kayros. Die sardische Sängerin und Komponistin ist eine der wichtigsten Protagonistinnen der experimentellen italienischen Musikszene. Ihre avantgardistischen, elektronischen Indie-Songs lassen Erinnerungen an Björk wach werden. Die ausgebildete Jazzsängerin nutzt ihre Stimme auf beeindruckende Weise und kreiert surrealistische Bilder voller Symbolismus und dystopischer Ästhetik.

Dalila Kairos arbeitet mit dem Elektronikmusiker Danilo Casto zusammen. Auf ihrem aktuellen Konzeptalbum »Animami« begeben sich die beiden auf eine Reise ins Unbewusste, durch unerforschte musikalische Gefilde. Mal bauen sie bedrohliche Dark-Ambient-Klangkulissen auf, dann lassen sie die experimentelle Musik wieder in eingängigen Elektropop münden – stets alle Facetten ihrer kompositorischen und stimmlichen Kreativität auslotend. Konzerte von Dalila Kairos lassen die Zuhörer:innen auf emotionale Weise teilhaben am Innenleben einer bemerkenswerten Künstlerin.

Die Liste der Soloarbeiten und Kollaborationen von Dalila Kayros ist nahezu endlos und reicht von Filmsoundtracks über Theaterarbeiten und Livesoundtracks, mit denen sie u. a. David-Lynch-Lesungen begleitete, bis hin zu ihrer Arbeit mit der Avantgarde-Metal-Band SYK. Ihre Alben erzeugen in der weltweiten Underground-Szene große Aufmerksamkeit. Dalila Kayros stand bei zahlreichen Festivals in ganz Europa auf der Bühne und spielte als Support der US-amerikanischen Sängerin und Dichterin Lydia Lunch und der britischen Heavy-Metal-Band Godflesh.

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Das sagt die Presse:

»›Animami‹ ist vielleicht nicht das einfachste Album auf dem Markt, aber sicherlich eines der faszinierendsten.« (Rockit Magazin)

»›Animami‹ ist eine Reise entlang der Grenze von Raum und Zeit. Das Album verhält sich nicht wie etwas, das in drei Dimensionen eingesperrt werden kann, wenn überhaupt, schafft es weitere Dimensionen.« (Impatto Sonoro Webzine)

Luft anhalten, untertauchen, losschwimmen! Stell dir vor, mitten in der Stadt, in einem unscheinbaren See, gäbe es eine verborgene Welt, in der alles anders wäre. Und du wärst eine Meerjungfrau, ein Delfin oder einfach ein kleiner schwarzer Fisch. Die Sonne wäre von hier aus eine wabernde Kugel, der Wind eine Maschine für Seifenblasen und der Straßenlärm eine dumpfe Schallwelle aus einer fernen Galaxie. Und irgendwo weit da draußen unter dem Wasser gäbe es etwas, das nach dir ruft. Wie weit traust du dich ins Unbekannte zu tauchen? Welche Geschichten begegnen dir auf dem Weg? Und was spielt sich unter der Wasseroberfläche ab, im selben Moment, in dem woanders die Erde bebt? Oder während wir hier oben sitzen und lauschen?


Die Schauspielerin Anke Retzlaff und die Musiker Peter Florian Berndt (Gitarre, Elektronik) und Dominik Tremel (Tasten, Elektronik) drehen die Perspektiven um. Sie entwickeln speziell für die schwimmende Seebühne und ein generationsübergreifendes Publikum eine musikalische Lesung mit Ambient- und Technoklängen. Ausgestattet mit einem Unterwassermikrofon, ihren Instrumenten und einer Sammlung bekannter und unbekannter Geschichten, die sich um das Wasser drehen, begeben sie sich auf einen musikalischen Tauchgang hinab in den Schwanenspiegel und bis zum anderen Ende des Ozeans. Wir landen im Bauch eines Wals und müssen uns mit den Sirenen herumschlagen, begegnen einem Kreuzfahrtschiff und geraten in einen teuflischen Sturm. Die Zuschauerinnen und Zuschauer tragen Kopfhörer und sind dadurch akustisch ganz nah an der Produktion – die akustische Reise über das Meer findet vor allem im Ohr und in der Fantasie statt. 

Anke Retzlaff ist Schauspielerin, Musikerin und Regisseurin. Für ihre Rolle im Kinofilm »Puppe« wurde sie 2013 für den New Faces Award als beste Nachwuchsschauspielerin nominiert und 2021 von »Theater heute« als beste Nachwuchskünstlerin gekürt. Ihre Performance »Dream Machine«, bei der auch Berndt und Hoffmann mitwirkten, wurde 2021 beim Festival »Theater der Welt« in Düsseldorf uraufgeführt und tourt seitdem international. 2022 entwickelten die drei gemeinsam mit Paul Jumin Hoffmann die musikalische Performance »Wofür es sich zu kämpfen lohnt – Aufzeichnungen eines Hamsters«, die beim asphalt Festival 2022 Premiere feierte.

Peter Florian Berndt ist Musiker, Liedtexter und Performer. Als Komponist und Bühnenmusiker war er bereits an verschiedenen Theatern in Deutschland tätig. Er ist aktives Mitglied des professionellen Improtheaterensembles »Ernst von Leben« und E-Gitarrist bei »Los Pistoleros Güeros«.

Dominik Tremel ist als freiberuflicher Musiker an Theatern und im Bereich experimenteller elektroakustischer Musik tätig und wie Berndt Mitglied des Ensembles »Ernst von Leben«. Außerdem entwickelt er Hörspiele und Filme: »TRAUMfactory« lief 2020 beim Filmfestival Max Ophüls Preis, das Hörspiel »Was wirklich geschah« gewann beim Berliner Hörspielfestival 2021 einen ersten Preis.

Eine energiegeladene Reise durch Rock, Jazz und Psychedelic Prog: FHEELS sind talentierte Brückenbauer zwischen Rock-Vergangenheit und -Moderne, zwischen Anspruch und Eingängigkeit, zwischen künstlerischem Wagemut und handwerklichen Skills – eine Mischung, wie man sie auf internationaler Ebene von Bands wie Elbow, Interpol oder Radiohead kennt. Die Hamburger Band hat 2022 ihr erstes Studioalbum »Lotus« vorgelegt, dem die EP »Traveller« und professionelle Videoproduktionen vorausgingen. Der Bandname ist eine Wort-Neuschöpfung aus den englischen Begriffen »wheels« und »feelings« – schließlich ist Frontmann Felix Brücker auf vier Rädern unterwegs, seit er durch einen Snowboard-Unfall mit 17 Jahren auf einen Rollstuhl angewiesen ist.

Der Sänger mit dem beeindruckenden stimmlichen Spektrum befasst sich in seinem sehr intimen und persönlichen Songwriting auch immer wieder mit dem Thema Behinderung. Für Aufmerksamkeit weit über die Musikpresse hinaus sorgte etwa das explizite Video zur Single »Sharp Dressed Animals«, in dem Brückner mit Schauspielerin Laura Ehrich zu sehen ist und das Lust und Sexualität aus der Perspektive eines Mannes mit Querschnittlähmung thematisiert. FHEELS verstehen sich nicht nur in musikalischer Hinsicht als Brückenbauer, sondern auch beim Thema Inklusion.

FHEELS spielen regelmäßig auf Festivals und geben Liveshows in intimen Clubs, werden aber höchstwahrscheinlich nicht mehr lange für den Weg auf die großen Bühnen brauchen. Die Band war bereits 2021 bei asphalt Festival zu Gast und hat die Seebühne mit ihrem anspruchsvollen Alternative Rock derart gerockt, dass eine Wiedereinladung quasi unausweichlich war.

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Das sagt die Presse:

»Die Weite des Post-Rock und des Stadions. Die Enge des Jamkellers und der Bluesbar. Den Horizon der ganzen Rocklandschaft – FHEELS denken groß. Felix Brückner ist einer der variabelsten, charismatischsten, einnehmendsten und schlichtweg besten Sänger, die wir in diesem Land haben.« (VISIONS)

»Brückners Stimme, die in einer Leichtigkeit von einer zerbrechlich zarten Kopfstimme in volle, rauhe Tiefen wechselt, trifft mitten ins Herz.« (Independent-Musikmagazin Vinyl-keks.eu)

»No need to run when the sun is coming« – Kim Churchills Lebensmotto verrät viel über seine Art Musik zu machen. Der Australier mit den langen, sonnenblonden Haaren reiste jahrelang in seinem Wohnmobil als Straßenmusiker durch die Welt, das Surfbrett immer an Bord. In seinen Songs, in denen es regelmäßig auch ums Wellenreiten geht, verarbeitet der Singer-Songwriter die Erfahrungen seiner Reisen. Mit seinem leidenschaftlichen Gesang, den er solo mit Gitarre, Mundharmonika, Tamburin und Standschlagzeug begleitet, lässt er ganze Landschaften im Kopf der Zuhörer:innen entstehen, die er mit seiner magnetischen Bühnenpräsenz mühelos in den Bann zieht.

2009 gewann Kim Churchill den australischen Straßenmusiker-Wettbewerb Byron Bay Bluesfest und wurde als National Youth Folk Artist of the Year ausgezeichnet. Schon mehrfach war er für die APRA Music Awards nominiert, dem australischen Gegenstück zu den Grammys. Mittlerweile ist Churchill international ebenso anerkannt wie in seinem Heimatland Australien und hat schon nahezu weltweit Konzerte gegeben. Tourneen führten ihn u. a. nach Kanada, Europa, Südafrika und in die Vereinigten Staaten. Er spielte u. a. beim Glastonbury Music Festival, dem Internationalen Jazzfestival Montreal und bei South By South West und war Support von Milky Chance, Billy Bragg und Michael Franti.

2020 hat Kim Churchill eine Sammlung von EPs mit dem Titel »I Am Forgetting The End Again« veröffentlicht. Jede EP wurde in einem anderen Teil der Welt mit einem anderen Produzenten aufgenommen, u. a. in Berlin, auf Vancouver Island und in den australischen Blue Mountains. Anfang 2023 ist »Dawn Sounds« erschienen, sein mittlerweile siebtes Studioalbum, das er im Frühling und Sommer auf einer großen Tournee durch Australien und Europa live präsentieren wird.

»Das Album ist eine Sammlung von Songs, die ich an 100 Morgen bei Sonnenaufgang geschrieben habe – eine wunderbare, ruhige Zeit in der Welt und in meinem Kopf«, sagt Kim Churchill. Produziert und aufgenommen wurde »Dawn Sounds« in einem Studio im Hinterland von Byron, ebenfalls in einer ganz besonderen Atmosphäre: »Wir öffneten die Türen weit und hängten Mikrofone an die Bäume.«

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Das sagt die Presse:

»Kim Churchills Musik findet die brillante Balance zwischen der Wärme des Sommers und des Lebens.« (The AU Review)

»Man kann sich vorstellen, diese Musik beim Wandern auf einem Berggipfel in Nepal zu hören, während man an einem australischen Strand die Sonne genießt oder in einer gemütlichen Kneipe in Europa den Schneefall beobachtet.« (Life Without Andy)

Die Bandmitglieder von La Chiva Gantiva stammen aus Kolumbien, Chile, Belgien und Vietnam und haben sich in Brüssel kennengelernt, wo sie auch leben. Sie sind Entdeckungsreisende, die den musikalischen Reichtum ihrer eigenen Wurzeln weitergeben und transformieren und damit Brücken schlagen zwischen den folkloristischen Klängen alter Völker und den modernen und kämpferischen Rhythmen von Punk und Ska. Dadurch entsteht ein eigener Stil, den die Band »Punklore« nennt. Live fegen La Chiva Gantiva mit einer kraftvollen Show über die Bühne. So schrieb unter anderem The Times über eines ihrer Konzerte: »Sie veranstalten eine Karnevalsparty, die wie ein Molotow-Cocktail aus Rock, Rap, Soul und wilden, funky Latin-Rhythmen explodiert.« Die Band hat alle fünf Kontinente bereist und ist mittlerweile eine Referenz für rebellische New Roots Music.

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Das sagt die Presse:

»La Chiva Gantiva verbinden die Klänge der kolumbianischen Karibik und des Pazifiks mit den Einflüssen der Musik aus Mitteleuropa und dem Balkan.« (Radio National de Colombia)

»Die kolumbianischste aller Brüsseler Bands« (Radio Télévision Belge)

Los Pipos verbinden die lebendigen Klänge Lateinamerikas mit raffinierten Jazzelementen, einem Hauch von klassischer Musik und Einflüssen europäischer Musik wie dem spanischen Flamenco. Das sechsköpfige Latin-Jazz-Ensemble gründete sich im Jahr 2016 und vereint Freunde aus verschiedenen Teilen der Welt, darunter Peru, Kuba, Mexiko, Deutschland, Chile und Holland. Die Mission der Musiker:innen ist, ihre Leidenschaft für traditionelles lateinamerikanisches Liedgut zu teilen und es mit einem einzigartigen und erfrischenden, modernen Twist zu versehen.

Die Musik von Los Pipos ist geprägt von Improvisation, dem Erzählen von Geschichten und emotionalem Ausdruck, wie es für die lateinamerikanische Musik charakteristisch ist. Da jedes Mitglied seine eigenen kulturellen Einflüsse und Erfahrungen mitbringt, mischen Los Pipos nahtlos eine Vielzahl von Klängen und Stilen aus verschiedenen lateinamerikanischen Ländern.

Bei Los Pipos geht es nicht nur um die Musik, sondern auch um Lebensfreude. Die Energie der Band ist ansteckend, und die Musiker:innen lieben es zu singen, zu lachen – und natürlich zu tanzen! Sie traten bei großen Festivals wie dem North Sea Jazz und den Hildener Jazztagen auf und gewannen 2021 den Dias Latinos Award im niederländischen Amersfoort.

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Das sagt die Presse:

»Buntes Latin-Feuerwerk« (WAZ)

»Sie brauchen keine Überredungskünste, keine Aufwärmphase. ›Los Pipos‹ sind mit dem ersten Ton mittendrin. Kaum haben sie die Bühne betreten, schleudern sie ihre Energie und ihre Lebenslust, ihre Rhythmen und Emotionen ins Publikum.« (Rheinische Post)

Maria Basel

Melancholische Harmonien, flimmernde Loops und ausgefeilte Arrangements bilden die Basis ihres Sounds, der die vielfältige Begabung der Künstlerin abbildet: Maria Basel ist Sängerin, Komponistin, Produzentin und DJane. In ihren Songs bringt sie ihre Stärken als klassisch ausgebildete Musikerin und ihre Vorliebe für elektronische Klänge, Jazz und R’n’B zusammen.

Geboren in der Ukraine als Tochter einer Pianistin und eines Cellisten ist sie seit vielen Jahren als Wuppertalerin in der Musikszene NRWs tief verwurzelt, komponiert, spielt und singt in verschiedenen Elektro-, Pop-, Hip-Hop- und Jazz-Formationen (u. a. für das Pina Bausch Ensemble, Samy Deluxe, Jonas David und Golow). 2020 startet sie ihr Soloprojekt Maria Basel und veröffentlichte ein Jahr später die EP »Layers«, über die das britische Independent-Musikmagazin »Nothing But Hope And Passion« schrieb: »Maria Basel verschmilzt elektronische Vibes mit einem Hauch von Jazz und R’n‘B und bahnt sich hier einen Weg zu einem Solo-Abenteuer, das bemerkenswert und vielversprechend ist.« Aktuell arbeitet die Musikerin an ihrem Debütalbum.

Fundament ihrer Kompositionen, die die Musikerin komplett autark schreibt und produziert, sind Klavier und Rhodes. In ihren Songs spannt sie einen weiten Bogen von fragilen, nachdenklichen, natürlichen Klängen bis hin zu kraftvollen, beat-lastigen und elektronischen Elementen, nutzt u. a. Effekte und loopt ihre Stimme. Ihre Stücke sind voller klanglicher Kontraste und melodischer Harmonien – ganz zu schweigen von ihrem atemberaubenden Gesang, der alles durchdringt.

Im September 2018 wurde Maria Basel als Gewinnerin des Künstlerförderpreises Lalla:Labor für Popularmusikförderung auf Landesebene ausgewählt und wird seit 2020 durch das deutsche Förder- und Exportbüro Initiative Musik gefördert. 2021 wurde sie für den popNRW Newcomer Preis nominiert und erhielt 2022 den Von der Heydt-Förderpreis sowie das Pop Stipendium.

Maria Basel: Gesang, Keyboards, Loops

mariabasel.de

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Bloodflowers

Knallbunter Surf-Psychedelic, etwas Indie-Nostalgie und unüberhörbare 70s-Vibes: Die Düsseldorfer Band um Sängerin und Gitarristin Nadia Wardi nimmt ihr Konzertpublikum gefangen mit »geradezu hypnotischen Klanglandschaften, die sich Khruangbin nicht schöner würde ausmalen können« (gaesteliste.de). Einflüsse dieser US-amerikanischen Funk- und Psychedelic-Band sind in der Musik der Bloodflowers ebenso unüberhörbar wie solche von Pink Floyd, Tame Impala oder My Morning Jacket. Auch die indonesischen Wurzeln Nadia Wardis und ihr Interesse an Meditation und Spiritualität hinterlassen Spuren in den verträumten und atmosphärischen Songs.

Erst seit 2022 existieren die Bloodflowers in der aktuellen Besetzung und noch im gleichen Jahr räumte die Band den Förderpreis Musik der Landeshauptstadt Düsseldorf ab. Mit zahlreichen Live-Auftritten, die sie mittlerweile weit über die Grenzen der Region hinausführen, erspielen sich die Düsseldorfer Psych-Rock-Hoffnungsträger eine stetig wachsende Fangemeinde und sind dem Status eines Geheimtipps bereits längst entwachsen. 2023 haben die Bloodflowers ihr Debütalbum »Nebula« veröffentlicht, das sie im zweiten Set des Doppelkonzerts mit Maria Basel live auf der Seebühne präsentieren.

Nadia Wardi: Gesang, Gitarre
Tim Dierich: Bass
Gereon Gründer: Synthesizer, Keyboard
Matthias Köhnen: Schlagzeug

bloodflowers.de

Der Multiinstrumentalist Miroca Paris von den Kapverdischen Inseln begeistert weltweit mit seinem mitreißenden Drums- und Percussion-Sound und seinem einzigartigen, rhythmisch treibenden Gitarrenspiel. Mit seiner rauen, markanten Stimme bringt er die berühmte lusophone »Saudade«-Sehnsuchtsmusik auf die Bühnen der Welt.

In seiner Heimat wird Miroca Paris auch »Island Rhythm Innovator« genannt. Der Sänger, Perkussionist und Gitarrist gehört zu einer neuen Generation kapverdischer Künstler, die in Portugal ihre zweite Heimat gefunden haben. Er teilte die Bühne mit Popikone Madonna und tourte über zehn Jahre in der Band von Cesária Évora, der legendären, 2011 verstorbenen Königin der kapverdischen Musikrichtung Morna, einer musikalischen Schwester des Fado. Sein Debütalbum »D’Alma«, das Miroca Paris mit renommierten Musiker:innen von Brasilien bis Kuba aufgenommen hat, bietet mitreißende Interpretationen der von kreolischen portugiesisch-afrikanischen Kulturen und vielen Rhythmen beeinflussten Musik der Kapverden. Lebensfreude und groovende Rhythmen machen die Konzerte von Miroca Paris zu einem Erlebnis!

Miroca Paris ist der jüngste Sproß einer bekannten Musikerfamilie der Kapverden. Bereits mit sieben Jahren begann er Schlagzeug zu spielen. In seiner langjährigen Musikkarriere hat Miroca Paris auch mit namhaften Künstler:innen wie Sara Tavares, Angélique Kidjo, Bonga, Mariza oder seinem Onkel Tito Paris zusammengearbeitet. 2022 war Miroca Paris bei den International Portuguese Music Awards für die beste Performance nominiert.

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Das sagt die Presse:

»Ein Meister präziser, mitreißender Grooves.« (WOXX Magazine)

»Ein Mann mit vielen Talenten – Singer-Songwriter, begnadeter Gitarrist und Perkussionist.« (PRI The World)

»Wir haben uns wieder in Rhythmus verliebt!« (El Pais)

»Bei dieser Musik muss man einfach tanzen.« (kultur-kritik.net)

Eine berauschende, verführerische Mischung aus Elektro, Hip-Hop, Soul und Funk: Pink Oculus, das Alter Ego der niederländisch-surinamischen Sängerin und Produzentin Esperanza Denswil, lässt einen in der einen Minute entspannt mitwippen, in der nächsten ausgelassen tanzen. Sie strahlt durch ihre Musik und ihr Auftreten eine kraftvolle weibliche Energie aus, wie sie nur wenige Künstlerinnen haben. Ihre Stimme hat eine unfassbare Bandbreite, mühelos wechselt sie von wütenden Flows zu lieblich-sanftem Gesang.

2016 veröffentlichte Pink Oculus mehrere Singles und ihre Debüt-EP »Delicious«, trat auf großen europäischen Festivals wie Glastonbury, The Great Escape und North Sea Jazz auf und spielte 2017 im Vorprogramm von Anderson .Paak. Wie die Musikerin aus Rotterdam experimentellen Hip-Hop, Soul und Jazz verschmelzen lässt, ist zukunftsweisend. Die Musikpresse prophezeite, sie sei in der Lage, »in den kommenden Jahren genrebestimmende Musik zu produzieren«. Ihr aktuelles Album »Before Wisdom« ist 2022 erschienen. Pink Oculus war Support bei D’Angelo und Stromae, arbeitete mit Musiker:innen wie George Clinton, Sabrina Starke und Berget Lewis und dem Rotterdams Philharmonisch Orkest, einem der größten Sinfonieorchester der Niederlande.

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Das asphalt Festival 2023 richtet mit der Reihe »Ukrainian Voices« sein Augenmerk auf ukrainische Künstler:innen, die auf die russische Invasion reagieren. Die prominente ukrainische Dichterin Halyna Kruk wird die diesjährige Festivalrede halten und sich ebenfalls diesem Thema widmen. Für Halyna Kruk ist Poesie ohne die unmittelbare Wirklichkeit, die uns umgibt, undenkbar. Es sei ihr nicht möglich, »über Sterne am Himmel zu schreiben, wenn es etwas Wichtigeres, Zeitnahes und Aktuelles gibt.«

Halyna Kruk wurde 1974 in Lwiw geboren. Die mehrfach preisgekrönte Lyrikerin, Schriftstellerin und Literaturwissenschaftlerin ist Autorin von fünf Gedichtbänden, »An Adult Woman« (2017), »Co(an)existence« (2013), »The Face beyond the Photograph« (2005), »Footprints on Sand« und »Journeys in Search of a Home« (beide 1997), einer Sammlung von Kurzgeschichten »Anyone but me« (2021) und mehreren Kinderbüchern. Ihre Werke wurden in mehr als dreißig Sprachen übersetzt und in verschiedenen Gedichtbänden, Zeitschriften und Anthologien in vielen Ländern veröffentlicht. Kruk war von 2017 bis 2019 Vizepräsidentin des ukrainischen PEN und hält eine Professur für Literaturwissenschaft an der Universität von Lwiw, wo sie europäische und ukrainische Barockliteratur lehrt.

Sie gewann zahlreiche Literaturpreise, darunter den Women in Arts Award 2023, den Kovaliv Fund Award 2022, den Best Book Award des BookForum 2021, den Smoloskyp Poetry Award, den Bohdan-Ihor Antonych Award, den Granoslov Award und den internationalen Wettbewerb Step by Step für Kinderbücher. Halyna Kruk nahm an zahlreichen Literaturfestivals in der Ukraine und im Ausland teil. In Reaktion auf die Interventionen und Invasion Russlands hat sie verschiedene Multimediaprojekte mitgestaltet, darunter »The BookWar« in Zusammenarbeit mit dem Elektronikmusiker Yurko Yefremov und der Sängerin Halyna Breslavets, sowie »The Resistance of Matter«, ein auf ihren Gedichten basierendes Poesie- und Musikprojekt. Ihre fulminante Rede beim Poesiefestival Berlin 2022 über den Krieg in ihrem Heimatland hat hohe Wellen geschlagen und wurde u. a. in der ZEIT veröffentlicht.

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Wie die ersten Sonnenstrahlen des Tages oder ein zarter Flügelschlag kommen die Lieder der von Rosa Butsi daher – jedes Stück ist eine kleine Wunderkammer. Mit ihrer warmen, gefühlsvollen Stimme, die sie auf der Gitarre begleitet, bietet die belgische Musikerin eine ganz eigene Mischung aus Jazz und Singer-Songwriter.

Rosa Butsi, die mit bürgerlichem Namen Roos Denayer heißt, hat ihr musikalisches Talent von ihrer ungarischen Großmutter geerbt und verwendet deren Namen daher auch für ihr musikalisches Alter Ego. 2020 gewann sie die Brabanter Ausgabe des in Belgien sehr populären Musikwettbewerbs »SoundTrack«. Für ihre Debüt-EP »Circle One« (2020) ließ sie sich für jeden Song von anderen Musiker:innen aus ihrem Freundeskreis inspirieren und begleiten. Aktuell ist sie Artist in Residence des Konzertsaals »Het Depot« im belgischen Leuven.

Die Künstlerin tritt sowohl solo als auch mit Band auf. 2023 steht die Veröffentlichung ihres Debüt-Albums mit Trui Amerlinck am Bass und Jordi Geuens am Schlagzeug an – in dieser Trio-Besetzung wird sie auch auf der Seebühne zu erleben sein.

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Das sagt die Presse:

»Rosa Butsi lässt uns erschaudern mit ihrem jazzversetzten Country-Blues-Gitarrensound, mit ihren eingängigen, gewundenen, sanften und schönen Melodien.« (Le Soir)

»Sehr schöne, mäandernde, jazzige Gitarrenkompositionen, die in den richtigen Momenten überraschen und gegen den Strom schwimmen. Roses sanfte Stimme vervollständigen sie.« (Radio 1, Belgien)

»Denayers Songs sind auf einem so hohen Niveau, dass sie in die Nähe von Rickie Lee Jones und Joni Mitchell rücken.« (Muziekblog Luminous Dash)

Der ursprünglich von der nationalistischen Rechten in den USA verwendete Satz »Sorry I can’t hear you over the sound of my freedom« verspottet auf zynische Weise die Meinungen anderer. Die Redewendung spiegelt einen Niedergang demokratischer Streitkultur und des respektvollen Umgangs. Bojan Vuletićs neues Werk »sorry I can‘t hear you over the sound of my freedom« gibt darauf eine entwaffnende Antwort. Aus den demagogischen Texten der kleinen und großen Diktatoren dieser Welt werden Elemente akustisch und visuell herausgetrennt, bis aus der sprachlichen Brutalität eine neue Poesie entsteht. Ausgrenzung wird zu Offenheit, unmenschliche Gesetze verwandeln sich in zarte Lyrik – durchwirbelt von einer zeitgenössischen Musik, die neue künstlerische Dialoge entfacht. Die raumgreifende Konzertinstallation ist über viele im Saal verteilte Lautsprecher zu erleben, so dass das Publikum seine Position im Raum frei wählen kann.

Das neue Werk wird von drei herausragenden Solist:innen internationalen Rangs aufgeführt: der rumänischen und in Deutschland lebenden Pianistin Alina Bercu, dem New Yorker Trompeter Nate Wooley und dem polnischen Bratschisten Rafal Zalech. Komponist Bojan Vuletić ist an der Live-Performance selbst mit einem ungewöhnlichen Schrift-Electronics-Instrumentarium beteiligt.

Die Künstler:innen

Der US-amerikanische Trompeter Nate Wooley gilt als einer der führenden Köpfe der amerikanischen Bewegung zur Neudefinition der physischen Grenzen seines Instruments und hat für seine eigenwillige Trompetensprache internationale Anerkennung gefunden. Nicht nur in New York gilt er als einer der gefragtesten Trompeter in der Jazz-, Improvisations-, Noise- und Neue-Musik-Szene. 2019 gab er sein Debüt als Solist mit den New Yorker Philharmonikern. Wooley hat Werke für Trompete von Christian Wolff, Michael Pisaro, Annea Lockwood, Ash Fure, Wadada Leo Smith, Sarah Hennies und Eva-Maria Houben uraufgeführt. Er erhielt 2016 den Foundation for Contemporary Arts Grants to Artists Award, 2020 den Instant Award for Improvised Music und den Spencer Glendon First Principles Award. 2022 war er NYSCA/NYFA Fellow.

Die rumänische Pianistin Alina Bercu gastierte auf vielen wichtigen Musikbühnen Europas, Amerikas und Asiens, darunter der Carnegie Hall New York, der Tonhalle Zürich und der Tonhalle Düsseldorf. Sie arbeitete mit namhaften Orchestern zusammen, darunter den Wiener Philharmonikern, dem Orchestre de chambre Lausanne und der KlassikPhilharmonie Hamburg. Studio- und Live-Aufnahmen von Alina Bercu wurden in die Goldene Phonothek des Rumänischen Rundfunks aufgenommen. Ihre Debüt-CD mit Kammermusikwerken von Schubert und Brahms wurde mit dem »Golden Label« (Benelux) und »Cle d’or« (Frankreich) ausgezeichnet.

Die breit gefächerten künstlerischen Aktivitäten von Rafal Zalech bewegen sich zwischen Performance, Komposition und Entwicklung von IoT-Geräten für Musiker. Als Bratschist spielte er auf Festivals für Neue Musik auf fünf Kontinenten und als Solist mit Orchestern wie dem Webern Symphony Orchestra, Sinfonia Varsovia und Divertimento. Zalech ist Mitglied des Black Page Orchestra, des Duo-Kollektivs Nimikry und CEO des Smart-Instruments Startup DigitAize. Zwischen 2010 und 2021 arbeitete Zalech intensiv mit dem Klangforum Wien, einem der anerkanntesten Ensembles für Neue Musik, mit dem er über 100 Konzerte spielte. Im Jahr 2022 erhielt Zalech den renommierten Erste Bank Kompositionspreis für sein künstlerisches Lebenswerk.

Bojan Vuletić ist Komponist, Klangkünstler und Gitarrist. Musikalische Zusammenarbeiten verbinden ihn u. a. mit Markus Stockhausen, Nate Wooley, Bojan Z, dem Mivos Quartet, dem WDR Rundfunkorchester und -chor und den Düsseldorfer Symphonikern. Er hat zudem Theatermusiken für über 50 Produktionen und Kompositionen für einige zeitgenössische Tanzstücke geschrieben. Audio-Realisationen von Ausstellungen in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Danica Dakić waren u. a. auf der documenta 12 Kassel, der Biennale Liverpool und auf der Biennale in Venedig zu erleben. Vuletićs konzertanten und interdisziplinären Kompositionen wurden bislang in verschiedenen Ländern Europas, Afrikas, Asiens und in die USA aufgeführt.

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Sehen Sie hier das Video eines Interviews, das Komponist und Festivalleiter Bojan Vuletic mit Nate Wooley in seinem Studio geführt hat.

Stefanie Sargnagel schreibt radikal subjektiv und sehr weise über das sogenannte einfache Leben, über Feminismus, Aussichtslosigkeit und Depression. Sie gibt sich wortkarg, gerät aber doch immer wieder ins Erzählen, sprengt alle Genregrenzen und erreicht auf nie betretenen Pfaden etwas, das man nicht Roman nennen muss, um davon gefesselt zu sein. Das ist oft zum Brüllen komisch und manchmal tragisch.

Sargnagel gewann 2016 beim Ingeborg-Bachmann-Preis den Publikumspreis mit einem Text, auf dessen Basis sie später das Theaterstück »JA, EH!« entwickelte, das 2019 das asphalt Festival eröffnete. Dieses Jahr zeigen wir am 27. und 28. Juni im Weltkunstzimmer ihr neues Stück »HEIL. Eine energetische Reinigung«, am Vorabend ist die Wiener Autorin mit einer Lesung von humoristischen Kurztexten auf die Seebühne zu erleben.

Mit ihren kühlen und doch radikalen Alltagsbeobachtungen, irrwitzigen Reportagen, Illustrationen und Facebook-Postings trifft Stefanie Sargnagel auf einzigartige Weise einen Nerv. Schonungslos entlarvt sie online, was in ihren Augen verlogen, fake, unzulänglich oder einfach nur saukomisch ist.

Die Süddeutsche Zeitung hält sie für die erste deutschsprachige Autorin, die im Netz eine Form gefunden hat, die als Literatur funktioniert. Bei ihrem Auftritt auf der Seebühne bietet Sargnagel ein »Best of« ihrer Karriere als »Social-Media-Heldin« und liest ungemein unterhaltsam aus ihren zahlreichen Facebook-Postings.

Stefanie Sargnagel (bürgerlich Stefanie Sprengnagel, *1986) studierte Malerei an der Akademie der Bildenden Künste Wien, u. a. in der Klasse Daniel Richter. Sie verbrachte aber mehr Zeit bei ihrem Brotjob im Call-Center, denn: »Immer wenn mein Professor Daniel Richter auf Kunststudentenpartys auftaucht, verhalten sich plötzlich alle so, als würde Gott zu seinen Jüngern sprechen. Ich weiß nie, wie ich damit umgehen soll, weil ich ja Gott bin.« 2020 erschien Sargnagels erster Roman »Dicht. Aufzeichnungen einer Tagediebin«. 2022 hatte sie am Grinnell College in Iowa eine Gastprofessur für kreatives Schreiben inne. Sargnagels pointierten Kommentare und Beobachtungen werden regelmäßig im deutschsprachigen Feuilleton publiziert.

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Das sagt die Presse:

»Ihre Alltagsbeobachtungen, Aphorismen und Adoleszenz-Raps treffen einen Nerv.« (taz)


»Man könnte vielleicht sogar sagen, dass sie mit Ausnahme von Rainald Goetz und seinem Online-Tagebuch ›Abfall für alle‹ die erste deutschsprachige Autorin ist, die im Netz die Form für sich gefunden hat, die passt, die nicht nervt, die als Literatur funktioniert.« (Süddeutsche Zeitung)


»Die Einträge wirken jedes Mal wie hingerotzt, sind sie vielleicht auch – und trotzdem sitzen die Worte und jedes nicht vorhandene Satzzeichen perfekt.« (DIE ZEIT)

Tofa Jaxx ist ein aufstrebender Singer-Songwriter und bemerkenswerter Live-Performer aus Tansania. Seine Musik vereint R’n‘B, Neo Soul, Jazz, nostalgischen Elektro-Pop, Afro-Fusion und Reggae, seine rauchige, einzigartige und geheimnisvolle Stimme ist sein Markenzeichen – wer Tofa Jaxx einmal live gehört hat, wird ihn so bald nicht mehr vergessen. Sein honigartiger, gefühlvoller Tenor in Kombination mit seinen ehrlichen, poetischen Texten fühlt sich an, als würde man mit einem alten Freund sprechen oder sich in seine Lieblingsdecke einwickeln.

2016 war Tofa Jaxx Vorband der Grammy-Gewinnerin Joss Stone bei einem ihrer »The Total World Tour«-Konzerte in Sansibar. Außerdem trat er mit der Band der Dhow Countries Music Academy bei einem der größten kulturellen Events in Ostafrika auf, dem »Zanzibar Film Festival«. Gemeinsam mit sieben weiteren Künstler:innen aus aller Welt wurde Tofa Jaxx vom Goethe-Institut ausgewählt, um an einem »Musician’s Bootcamp« in Berlin teilzunehmen.

Seine erste Veröffentlichung »I Want You« wurde 2017 als bester R’n’B- und Soul-Song eines ostafrikanischen Künstlers für die All Africa Music Awards nominiert. Während eines mehrmonatigen Aufenthalts in London arbeitete Tofa Jaxx u. a. mit dem Dance-Electronic-Produzentenduo Tru Fonix, der Singer-Songwriterin Tara Priya und dem Musiker D.Knights zusammen, die seine Single »Go Away« produzierten.

Neben seinen Studioaufnahmen und zahlreichen Liveauftritten in Afrika und Europa – seine Tournee im Sommer 2022 führte ihn zuletzt in Länder wie Deutschland, Estland, Lettland, Österreich und die Schweiz – komponiert Tofa Jaxx auch Filmmusik, etwa den Soundtrack für den preisgekrönten Animationsfilm »Mozizi« des tansanischen Filmriesen Kijiweni Productions.

Tofa Jaxx, der mit bürgerlichem Namen Christopher Dominic Kihwele heißt, lebt und arbeitet aktuell in Daressalam, Tansania und singt sowohl auf Englisch als auch auf Swahili. Für die Zukunft plant er sein Spektrum noch auszuweiten und auch Stammessprachen in seiner Musik zu verwenden.

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Der Krieg in der Ukraine und seine Auswirkungen auf die Menschen vor Ort und in den Nachbarländern bilden einen Schwerpunkt im künstlerischen Programm von asphalt 2023. Auch die Abschlussveranstaltung der diesjährigen Festivalausgabe widmet sich diesem Thema. »Erzähl mir von mir« ist ein Gipfeltreffen von wichtigen Stimmen aus der Ukraine und Deutschland, bei dem prominente Autor:innen aus beiden Ländern miteinander in den Dialog treten.

Der Dichter, Schriftsteller und Essayist Serhij Zhadan, der 2022 den Friedenspreis des Deutschen Buchhandels erhielt, die Ingeborg-Bachmann-Preisträgerin Tanja Maljartschuk, der Autor und Übersetzer Juri Durkot, der mit dem Preis der Leipziger Buchmesse 2018 ausgezeichnet wurde, die Übersetzerin Beatrix Kersten, die zuletzt eine große Selenskyi-Biografie ins Deutsche übertrug, die Schriftstellerin und Ärztin Iryna Fingerova und der ZEIT-Online-Journalist und preisgekrönte Reporter Steffen Dobbert werden miteinander über die ukrainisch-deutschen Beziehungen sprechen und wie sich diese seit dem Kriegsausbruch am 24. Februar 2022 entwickelt haben.

Mehr als eine Millionen Menschen sind seit der russischen Invasion nach Deutschland geflüchtet. Ukrainische Einwander:innen, die bereits länger hier leben, treffen auf Neuankömmlinge. Es gibt kontroverse Diskussionen über Waffenlieferungen, humanitäre Hilfe und die zukünftige Unterstützung des ukrainischen Staates. Wie können die Ukrainer:innen ihren Platz in Deutschland und vor allem in der EU finden? Wie kann Deutschland die Ukraine besser verstehen? Was wird die Zukunft bringen?

Die Moderation des Abends übernimmt der Musiker, DJ und Autor Yuriy Gurzhy. Zwischen den Gesprächen wird er Musiktitel spielen, die nach Kriegsbeginn entstanden sind und die er in Abstimmung mit den Gästen zu einer Playlist zusammengestellt hat. Die ukrainische Publizistin Oksana Shchur hat die Veranstaltung gemeinsam mit Yuriy Gurzhy kuratiert.

Die Autor:innen

Serhij Zhadan, geboren 1974 in Starobilsk in der Ukraine, ist Dichter, Schriftsteller, Essayist und Übersetzer und lebt in Charkiw. 2022 wurde er in Deutschland mit dem Hannah-Arendt-Preis für politisches Denken, dem Friedenspreis des Deutschen Buchhandels und dem Freiheitspreis der Frank-Schirrmacher-Stiftung ausgezeichnet. Zhadan ist auch als Sänger und Songschreiber tätig. Seine Band Zhadan and Sobaky hat an vielen Musik- und Literaturfestivals in der Ukraine und weltweit teilgenommen. 2021 nahm er zusammen mit Yuriy Gurzhy das Album »Fokstroty« auf, das auf den Gedichten ukrainischer Autoren basiert, die vor 100 Jahren in Charkiw lebten. Zuletzt erschien in Deutschland sein Buch »Himmel über Charkiw. Nachrichten vom Überleben im Krieg« (2022, Suhrkamp).

Tanja Maljartschuk, 1983 in Iwano-Frankiwsk in der Ukraine geboren, arbeitete nach ihrem Philologie-Studium zunächst als Journalistin in Kiew. Ihre jüngsten Veröffentlichungen in deutscher Sprache sind der Roman »Blauwal der Erinnerung« (2019) und der Essayband »Gleich geht die Geschichte weiter, wir atmen nur aus« (2022, beide Kiepenheuer & Witsch). 2018 erhielt Tanja Maljartschuk den Ingeborg-Bachmann-Preis, 2022 den Usedomer Literaturpreis. Sie schreibt regelmäßig Kolumnen u. a. für ZEIT Online und die Deutsche Welle Ukraine und lebt seit 2011 in Wien.

Juri Durkot, geboren 1965 in Lwiw, studierte Germanistik an den Universitäten Lemberg und Wien. Derzeit lebt er als Autor und Übersetzer in Lwiw. Für die Übersetzung des Romans »Internat« von Serhij Zhadan wurde er 2018 gemeinsam mit der Übersetzerin Sabine Stöhr mit dem Preis der Leipziger Buchmesse ausgezeichnet. 2022 ist in der Übersetzung von Durkot und Stöhr »Himmel über Charkiw« von Serhij Zhadan erschienen. Seit dem 24. Februar 2022 veröffentlicht die WELT Juri Durkots Kriegstagebuch.

Beatrix Kersten arbeitet seit vielen Jahren als freie Texterin und Übersetzerin. Sie übersetzte Gedichte, Songtexte und Prosa ukrainischer Autor:innen u. a. für Literaturfestivals, Zeitschriften, Anthologien im In- und Ausland. Erschienen sind in ihrer Übersetzung zuletzt u. a. Serhij Rudenkos politische Biografie »Selenskyj« (2022, Hanser), aber auch ukrainische Avantgarde-Lyrik aus der Zeit des Ersten Weltkrieges (»Ein Hauch von Grauen und verborgene Hoffnung«, 2023, Arco) und der historische Roman »Das Zeitalter der roten Ameisen« von Tanya Pyankova (2022, Ecco). Kersten lebt und arbeitet in Amsterdam und in Frankreich.

Iryna Fingerova, geboren im ukrainischen Odessa, ist Schriftstellerin, Essayistin und Ärztin. Seit 2018 lebt sie in Dresden. In der Ukraine veröffentlichte sie zwei Kurzgeschichtensammlungen, die Romane »Placebo« (2018) und »Zamki« (2020) sowie das Kinderbuch »Trink Wasser« (2022). Seit Kriegsausbruch schrieb sie mehrere Essays über ukrainische Flüchtlinge in Deutschland und wie sie als Ärztin ehrenamtlich medizinische und psychologische Unterstützung leistet. Ihre Texte wurden in mehreren deutschsprachigen Magazinen veröffentlicht.

Steffen Dobbert, geboren 1982 in Wismar, lebte als Stipendiat des Internationalen Journalistenprogramms (IJP) in Odessa und Kiew. Der Journalist, der seit 2014 der Redaktion von ZEIT Online angehört, ist spezialisiert auf die Themen Ukraine, EU, Russland und Osteuropa. Mehr als 50 Recherchereisen führten ihn in verschiedene Teile der Ukraine. 2014 erschien sein Reportageband »Euromaidan: Protest und Zivilcourage in der Ukraine«, 2020 »Heimatsuche: In 80 Tagen durch Mecklenburg-Vorpommern« und 2022 »Ukraine verstehen: Geschichte, Politik und Freiheitskampf«. 2017 erhielt Dobbert den Deutschen Reporterpreis.

Musik und Produktion

Yuriy Gurzhy, geboren in Charkiw, kam im Alter von 20 Jahren mit seiner Familie nach Potsdam und lebt heute in Berlin. Der bekannte Musiker, DJ, Produzent und Radiomoderator gründete gemeinsam mit dem Schriftsteller Wladimir Kaminer die legendäre Partyreihe »Russendisko«. Gurzhy kuratierte zehn Compilations auf verschiedenen europäischen Plattenlabels, darunter »Russendisko Hits«, »Shtetl Superstars« und »Borsh Division – Future Sound of Ukraine«. Zu seinen neuesten Produktionen gehören »Misto 2Go – New Donbass Symphony« (2021), »Fokstroty« (mit Serhiy Zhadan, 2021) und »Ukrainian Songs of Love and Hate« (mit Irena Karpa, Lyuba Yakimchuk und Grigory Semenchuk, 2022). In seinem Buch »Richard Wagner & Die Klezmerband« (2022) begibt er sich auf die Suche nach dem aktuellen jüdischen Sound Deutschlands.

Oksana Shchur ist eine ukrainische Kuratorin, Literaturkritikerin und Publizistin. Seit 2022 lebt sie in Berlin. Von 2016 bis 2022 war sie Kuratorin des International Book Arsenal Festivals in Kiew, der wichtigsten Literaturveranstaltung in der Ukraine, und verantwortete dort als Kuratorin die internationalen Projekte und das Hauptprogramm. Davor arbeitete sie als Chefredakteurin bei Komora und Osnovy Publishing. Sie ist Kuratorin und Produzentin von » Fokstroty« (2021), »Ukrainian Songs of Love and Hate« (2022) und Mitherausgeberin der Anthologie »Stimmen gegen Krieg« (Österreich-Ukraine, 2022). Shchur ist Autorin zahlreicher Literaturkritiken, Kolumnen und Interviews für ukrainische Medien wie Ukrainska Pravda, Ukrainskyi Tyzhden, LB.ua, Chytomo und Gender in Details.

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Totem Celestial ist ein einmaliges, ganz besonderes musikalisches Zusammentreffen: Das Alexander Hawkins Trio und der Elektronikmusiker Matthew Wright präsentieren mit ihrer Musik zwei sich ergänzende und doch verblüffend unterschiedliche Visionen. Das Quartett, das eigens für das asphalt Festival zusammengestellt wird, spielt auf der Seebühne zwei Sets: Das erste ist eine elektronische Version der Kompositionen auf Hawkins‘ Album »Carnival Celestial«, das im April 2023 bei Intakt Records erscheint. Das zweite Set ist die neueste Folge von Matthew Wrights fortlaufendem Projekt »Spheric Totemic«.

Pianist Alexander Hawkins ist weithin als einer der innovativsten und einfallsreichsten Musiker seiner Generation anerkannt. Er ist nicht nur als Solist und mit seinen eigenen Ensembles gefragt, sondern hat auch mit einer Vielzahl von Künstler:innen zusammengearbeitet, darunter Anthony Braxton, Mulatu Astatke, Shabaka Hutchings, Tomeka Reid, Nicole Mitchell und Sofia Jernberg.

Matthew Wrights Schaffen reicht von Partituren für Ensembles für Alte Musik und zeitgenössische Kammermusikgruppen bis hin zu digitaler Improvisation, experimentellem Turntablism und Website-Installationen sowie Arbeiten für Tanz, Theater und Film. Sein aktuelles Projekt »Spheric Totemic« erschafft ein Kunstwerk aus zersplitterten Rhythmen, Bässen und Surround-Sound-Texturen, in dem Einflüsse von DJ Premier, Konono No. 1 und der freien Improvisationsszene Großbritanniens verschmelzen.

Hawkins und Wright haben bereits bei Projekten wie »Sunnosphere« für das Jazzfest Berlin und einem Auftragswerk für den Pierre-Boulez-Saal zusammengearbeitet. Ihre künstlerischen Kollaborationen sind auch auf verschiedenen Aufnahmen zu hören, darunter Hawkins‘ »Togetherness Music« (Intakt Records, 2021), laut Presse »ein Meisterwerk, das neben den besten Werken von Mitchell, Braxton oder Parker bestehen kann«.

Auch die Triokollegen von Alexander Hawkins sind großartige Musiker: Nick Duston, laut New York Times ein »junger Bassist mit hungrigen Ohren und einem souveränen, breit gefächerten Stil« und ein »unverzichtbarer Akteur der New Yorker Avantgarde«, ist Komponist, Improvisator und Multiinstrumentalist und trat bereits bei zahlreichen Konzerten und auf Festivals in den USA und Europa auf. Schlagzeuger Stephen Davis aus Belfast spielt u. a. auch im britischen Free-Jazz-Trios Bourne Davis Kane und arbeitete schon mit Mark Ribot, Evan Parker, Ralph Alessi, Kris Davis, John Taylor, Rufus Reid, Paul Dunmall, Django Bates, Van Morrison und vielen anderen. Das Magazin Jazzwise hält ihn für den »musikalischsten aller Schlagzeuger, immer einfühlsam und sensibel«.

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Das sagt die Presse:

»Die Musik des britischen Pianisten Alexander Hawkins ist zugleich zugänglich wie abenteuerlich, pendelt zwischen komponierten Strukturen und hoch spannenden improvisatorischen Ausarbeitungen der Freiräume darin.« (NRW Jazz)

»Hawkins zählt er zu den vieldiskutierten und auffallenden Persönlichkeiten der jüngeren Jazzgeneration. Er destilliert mit Präzision wie auch intuitiver Lässigkeit aus der Jazzpiano-Historie seinen ganz eigenen Ansatz, markiert durch Transparenz, Fragilität, Kontrast und Polytonalität« (Concerto)

»Wenn man es zulässt, können Klänge wie diese den Horizont erweitern, Möglichkeiten eröffnen und die Sinne anregen.« (»Jazz and Beyond« über Matthew Wright)

Trio oder Quartett? Beides trifft zu bei Accordion Affairs. Akkordeonist und Pianist Jörg Siebenhaar, Bassist Konstantin Wienstroer und Schlagzeuger Peter Baumgärtner sind zwar drei Musiker, spielen aber vier Instrumente. Auf dem Pianohocker sitzend, betätigt Siebenhaar meistens mit der rechten Hand das Akkordeon und mit der linken simultan die Klaviertasten. Dies beschert der Band einen ganz eigenen, besonderen Sound und erweitert die Möglichkeiten von Arrangements und Improvisation erheblich – Akkordeon und Piano werden eins! Das Ensemble entwickelt eine außerordentliche Dynamik von fast gehauchten bis hin zu extrem voluminösen Klängen, expressiv oder ultracool. Stilistisch offen, reicht das Programm von World Music verschiedenster Kulturen über Eigenkompositionen bis hin zu Interpretationen von Stücken des großen Akkordeonisten Richard Galliano oder des Gitarristen John Scofield, von Bach bis zu den Beatles. Accordion Affairs spielen mit lässiger Virtuosität und voller Lebensfreude.

Der blinde Pianist und Akkordeonist Jörg Siebenhaar ist ein gefragter Komponist, Bühnen- und Studiomusiker, der bei zahlreichen Theater- und Fernsehproduktionen mitwirkte. Er arbeitete auf nationalen und internationalen Bühnen mit namhaften Künstler:innen wie z. B. Greetje Kauffeld, Bobby Hebb, Inga Lühning oder Desirée Nick.

Konstantin Wienstroer ist Folkwang-Preisträger in der Sparte Jazz. Bei der Zusammenarbeit mit Musikern wie Lulo Reinhardt, Bobby Hebb, Ziroli Winterstein, Hazy Osterwald und Stefan Krachten stellte er immer wieder seine musikalische Vielseitigkeit unter Beweis. Er spielte zahlreiche Tourneen u. a. in den USA, Japan, Schweiz und Großbritannien.

Der erfahrene Jazzmusiker Peter Baumgärtner arbeitete bereits mit vielen namhaften Musiker:innen wie Silvia Droste, Klaus Osterloh, John Goldsby, Jon Davis, Axel Fischbacher und Ensemblemitgliedern der WDR Big Band und war Teil zahlreicher Studio-, Radio- und TV-Produktionen. Er ist Gründungsmitglied des Vereins »Jazz in Düsseldorf e.V.« (Jazz Schmiede) sowie Gründer, Organisator und künstlerischer Leiter der Hildener Jazztage.

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Das sagt die Presse:

»Die Musiker spielen mit herrlicher Dezenz. Siebenhaars Multitasking ist sagenhaft, Wienstroers Bass klingt wie der allerbeste Freund, der da ist, wenn man ihn braucht. Und Baumgärtner lässt sein Schlagzeug nicht nur herrlich klingen, sondern sogar duften.« (Rheinische Post)

Im Eröffnungskonzert des asphalt Festivals 2023 trifft der weltweit gefeierte Jazzpianist Omer Klein auf das Aris Quartett, das in der Klassikszene als »eines der aufsehenerregendsten Ensembles der jungen Generation« (ARTE) gilt und mit seiner unverwechselbaren Klangsprache längst zur Top-Riege der Kammermusik zählt. Das besondere Konzert umfasst Eigenkompositionen von Omer Klein, seine Arrangements von Stücken von Jazzgrößen wie Wayne Shorter und Sidney Bechet, aber auch klassische Stücke für Streichquartett – sowohl im Original als auch als Basis für jazzige Improvisationen. Das Programm »Shake it!« ist ein eindrucksvolles Beispiel, was aus der Verbindung von Klassik und Jazz, Tradition und Neuem entstehen kann. Für sein Arrangement von Wayne Shorters »Oriental Folk Song« für Klavier und Streichquartett war Omer Klein für den Deutschen Jazzpreis 2023 nominiert.

Die Musik des Pianisten und Komponisten Omer Klein ist »grenzenlos« (New York Times). Seit 2017 bei Warner Music unter Vertrag, erhielt er 2018 den ECHO Jazz Award für sein Album »Sleepwalkers«. Im März 2023 erscheint mit dem Album »Life & Fire« sein 10. Album, mit dem sein Trio auch sein 10-jähriges Band-Jubiläum feiert. Klein spielt international auf renommierten Festivals und in Konzerthäusern, u. a. bei North Sea Jazz, Jazz at Lincoln Center, in der Elbphilharmonie, Alte Oper Frankfurt, Berliner Philharmonie und im Wiener Konzerthaus. Er konzertiert regelmäßig mit dem Mandolinen-Star Avi Avital, der NDR Big Band und dem Klassik-Perkussionisten Alexej Gerassimez. Geboren 1982 in Israel, studierte Omer Klein Jazz- und Klassisches Piano in Boston und New York. Seit 2009 lebt er in Deutschland, nach einigen Düsseldorfer Jahren aktuell in Frankfurt.

Das Aris Quartett zählt zu den jungen Himmelsstürmern im Konzertgeschehen. 2009 in Frankfurt am Main gegründet, spielen sich die Musiker:innen seit einigen Jahren beständig auf die ersten Bühnen – darunter das Konzerthaus Wien, das Konzerthaus Berlin, die Alte Oper Frankfurt und wiederholt das Schleswig-Holstein Musik Festival. Neben künstlerischer Exzellenz beeindrucken die Musiker:innen besonders durch ihre Leidenschaft und Emotionalität. Der Erfolg des Ensembles spiegelt sich auch in seinen Auszeichnungen wider: Mit zahlreichen Ersten Preisen bei renommierten Wettbewerben gelang dem Aris Quartett schnell der internationale Durchbruch. Die Musiker:innen sind in der Saison 2022/23 »Rising Stars« des ECHO-Netzwerks der großen Konzerthäuser Europas, zählen zu den »New Generation Artists« der BBC und erspielten sich beim Internationalen Musikwettbewerb der ARD in München gleich fünf Preise. Neben regelmäßigen Auftritten in Radio und TV hat das Aris Quartett mittlerweile schon sechs von der Fachpresse vielbeachtete CD-Produktionen vorgelegt. Zuletzt erschien eine Aufnahme mit Werken von Beethoven und des zeitgenössischen Komponisten Gerald Resch.

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Die Ausstellung »Zero Tolerance« besteht aus vier Videoarbeiten, die sich mit der russischen Invasion in der Ukraine befassen. Der Zeichentrickfilm »MARIUPOL. A HUNDRED NIGHTS« der Illustratorin Sofiya Melnyk erzählt von den schrecklichen Ereignissen, die sich im Frühjahr 2022 in Mariupol abspielten, und ist den Kindern gewidmet, die in Folge des Krieges starben. Die Videoarbeiten »WAR« des Fotografen Olexandr Glyadyelov und »UKRAINE 2022« des Fotografen Maksym Dondyuk dokumentieren in einzigartigen Aufnahmen russische Verbrechen in der Ukraine und zeigen u. a. die Evakuierung von Zivilisten aus der Region Kiew und grausame Funde nach der Besetzung und Zerstörung. »#WAR_DIARY« ist ein Dokumentarfilm, der von Schauspieler:innen des Centre of Contemporary Arts DAKH in Kiew gedreht wurde. Sie führten ein Videotagebuch, um ihre Ängste und Hoffnungen während der ersten Woche, des ersten Monats und Jahres der Invasion in der Ukraine auszudrücken.

Die ukrainische Illustratorin und Trickfilmzeichnerin Sofiya Melnyk ist Absolventin des Animationsinstituts an der Filmakademie Baden-Württemberg. Sie hat mehrere Bücher und Albumcover illustriert, als Trickfilmzeichnerin, Animation Supervisor und Designerin an Kurzfilmen sowie an animierten Spiel- und Dokumentarfilmen für Fernsehen und Kino gearbeitet. Seit dem Beginn der russischen Invasion in der Ukraine widmet sie sich in ihren Projekten fast ausschließlich diesem Thema und der Förderung ukrainischer Kunst.

Der ukrainische Dokumentarfotograf und Fotojournalist Olexandr Glyadyelov hat über die bewaffneten Konflikte in Moldawien, Bergkarabach, Tschetschenien und der Ukraine berichtet und wurde bei seiner Arbeit mehrfach verwundet. Seit 1996 konzentriert sich Glyadyelov auf fotografische Langzeitprojekte, u. a. über misshandelte Kinder, die HIV/Aids-Epidemie bei Drogenkonsumenten und post-sowjetische Gefängnisse. Glyadyelovs Fotografien wurden von internationalen Organisationen wie The Global Fund, WHO und UNICEF verwendet und waren bislang in mehr als 30 Einzelausstellungen zu sehen. Seine Werke befinden sich in privaten Sammlungen in den USA und Europa. Olexandr Glyadyelov hat die Ukraine seit dem 24. Februar 2022 nicht mehr verlassen und dokumentiert die russische Invasion in verschiedenen Regionen der Ukraine.

Der ukrainische Künstler Maksym Dondyuk nutzt in seinen Werken Fotografie, Video, Text und Archivmaterial und setzt sich häufig mit Fragen zu Geschichte, Erinnerung, Konflikten und deren Folgen auseinander. Seit 2014 fotografiert er den Krieg in der Ukraine und führt ein »visuelles Tagebuch« über die dortigen Geschehnisse. Dondyuks Fotos werden von führenden westlichen Magazinen wie Der Spiegel, Paris Match, Time, Stern u. a. veröffentlicht.

Andrii Palatnyi, Kurator der Installation und des »#WAR_DIARY«, ist seit 2010 Schauspieler und Projektmanager am Zentrum für zeitgenössische Kunst DAKH in Kiew und seit 2016 Kurator für Theater und Performing Arts, für das Residenzprogramm und internationale Beziehungen beim Internationalen multidisziplinären Festival für zeitgenössische Kunst »GOGOLFEST« in Kiew. 2019 und 2020 war Palatnyi ehrenamtlicher Berater des Ministers für Kultur, Jugend und Sport der Ukraine in Theaterfragen, 2021 Kurator des Festivallabors des zeitgenössischen Theaters iStage und des Marathons der internationalen Residenzen im Rahmen der Kulturhauptstadt 2021 Mariupol. Seit Beginn der russischen Invasion konzentriert sich Palatnyi in seiner künstlerischen Arbeit nahezu ausschließlich darauf, die ukrainische Kultur in Europa zu fördern und die Ukraine zu unterstützen.

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Ein programmatischer Schwerpunkt von asphalt 2023 sind Arbeiten ukrainischer Künstler:innen, die sich mit dem russischen Angriffskrieg auf die Ukraine beschäftigen. Vor diesem Hintergrund wurde die ukrainische Künstlerin Alisa Gots zu einer sechswöchigen Residenz eingeladen. Die Grafikkünstlerin aus Kiew wird bereits einen Monat vor Festivalbeginn im Weltkunstzimmer wohnen und arbeiten und während des Festivals im Backraum eine Ausstellung mit früheren und neuen, während der Residenz entstandenen Arbeiten zeigen.

Für die Künstlerin sind ihre Projekte und Werkserien ein Weg, sich an persönliche Erfahrungen zu erinnern und deren Essenz zu entschlüsseln. Die meisten Werke realisiert sie in Lithografie-Technik. Aufgrund der Besonderheiten des Druckverfahrens führen die Arbeiten manchmal ein Eigenleben und können ein unvorhersehbares endgültiges Aussehen haben.

Alisa Gots (*1988) schloss 2012 ihr Masterstudium mit Schwerpunkt Grafik am Institut für Druck und Verlagswesen der Nationalen Technischen Universität der Ukraine in Kiew ab. 2013 gründete sie zusammen mit Nina Savenko und Taras Kobljuk die unabhängige Druckwerkstatt Lithography30, in der die drei Künstler:innen hauptsächlich mit Lithografie-Druckverfahren arbeiten. Heute ist Lithography30 die einzige unabhängige lithografische Werkstatt in der Ukraine, die als künstlerische Vereinigung und als offene Bildungsplattform fungiert, an der Menschen diese Technik erlernen können. Alisa Gots Werke waren bereits in zahlreichen Gruppenausstellungen in Europa und in den USA zu sehen.

Die fulminante ukrainische Musik- und Performancegruppe Dakh Daughters aus Kiew ist spätestens seit den Euromaidan-Protesten 2013/2014 international bekannt. In ihrer aktuellen Performance »Danse Macabre«, die kurz nach dem Beginn des russischen Angriffskrieges auf die Ukraine entstand, erzählen die sechs Schauspielerinnen und Sängerinnen die Geschichten von Frauen aus der Ukraine: Geschichten über den Krieg in ihrem Alltag und ihren Familien und wie er ihre Beziehung zum Leben verändert hat. Ausgehend von den Versen des Buches Hiob, verwoben mit Shakespeare-Sonetten, Liedern und Zeugnissen über den Krieg, ist »Danse Macabre« Anklage, Bericht und Revue. Die Dakh Daughters vermischen ihre virtuosen Cross-Genre-Kompositionen zwischen Ethno, Punk, ukrainischen Volksweisen, Cabaret und Vaudeville mit persönlichen Erzählungen – und stellen nicht nur die Gewalt eines Konfliktes auf sehr eindringliche Weise dar, sondern appellieren auch an Menschlichkeit und Solidarität. »Danse Macabre« ist als ein Akt des Widerstands konzipiert, als eine Art »Fronttheater«, um Zeugnis von dem abzulegen, was tausende Kilometer entfernt in der ukrainischen Heimat geschieht. Eindringlich führt das Stück vor Augen, was Kunst in diesen Zeiten leisten kann: Die Bühne wird zu einem wertvollen, geschützten Raum, um sich zu versammeln, zu teilen, anzuprangern und vielleicht sogar zu heilen.

Die Dakh Daughters gründeten sich 2012 am Center of Contemporary Art DAKH in Kiew, einem freien Theater und Zentrum für experimentelle zeitgenössische Kunst. Im März 2022 flohen die Künstlerinnen gemeinsam mit Regisseur und Theatergründer Vlad Troitksy aus der Ukraine und fanden Zuflucht im Centre Dramatique National de Normandie im französischen Vire, wo sie weiterhin künstlerisch arbeiten können. In ihren musikalischen Performances singen die Dakh Daughters in verschiedenen Sprachen und Dialekten, die Mitglieder der reinen Frauenband spielen insgesamt 15 Instrumente. Gründer Vlad Troitskyi bezeichnet die Gruppe als »intellektuelles Freak-Kabarett«.

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Das sagt die Presse:

»Ein ergreifendes Dokument des Widerstands« (Tagesspiegel)

»Angst, Wut, Schmerz und eine unglaubliche Kraft stecken in diesem Abend.« (NDR)

»Die Wut-Oper der Dakh Daughters ist nichts für schwache Nerven.« (Hamburger Abendblatt)

»Die Dakh Daughters gehören zu den wichtigsten Kulturbotschafterinnen der Ukraine.« (3sat)

Was sind die Ursprünge und Auswirkungen von Gewalt? Die international renommierte Compagnie La Re-sentida aus Santiago de Chile beschäftigt sich in »Oasis de la Impunidad« mit Gewalt, die Menschen im Kontext von Protesten und Demonstrationen durch den Polizeiapparat widerfährt. Ausgangspunkt der Stückentwicklung war die gewaltsame Unterdrückung der Massenproteste 2019 in Chile, der »Oase der Straffreiheit« – einem Land mit extremer sozialer Ungleichheit, das die Pinochet-Diktatur bis heute nicht aufgearbeitet hat. Doch weist dieses bildgewaltige Tanztheater weit über ein einzelnes Land hinaus und stellt allgemeingültige Fragen nach der legitimen und angemessenen Anwendung von Gewalt in einer Demokratie: Wie wird Macht in Strategien von Überwachung und Unterdrückung umgewandelt, die den menschlichen Körper verletzen, verstümmeln und entwürdigen? Was sind systemische und individuelle Beweggründe für Gewalt? Wer nutzt und wer kontrolliert das Gewaltmonopol des Staates?

»Oasis de la Impunidad« ist eine präzise choreografierte Mischung aus Tanz und Performance und benötigt kaum Text. Die teilweise drastischen Szenen dieses pantomimischen Bildertheaters entfalten eine Wucht, der man sich kaum entziehen kann. Bisweilen wirken die acht Performer:innen auf der Bühne wie perfekt synchronisierte Marionetten, wobei unklar bleibt, wer die Fäden zieht. Die Inszenierung kreiert große Bilder, die einem lange nicht aus dem Kopf gehen: mal fantastisch, karnevalesk und poetisch, mal schaurig, schockierend und schmerzhaft – aber immer brillant.

Der chilenische Regisseur, Schauspieler und Autor Marco Layera (*1978) gründete 2008 die Compagnie La Re-sentida, deren künstlerischer Leiter er ist. Das Kollektiv gilt als Ausnahmeerscheinung der lateinamerikanischen Theaterlandschaft, sein zentrales Thema sind die Wut auf politische Missstände und die Gewalt in der chilenischen Heimat. Die vielfach ausgezeichneten Produktionen der Theatergruppe wurden bereits zu zahlreichen internationalen Festivals eingeladen.

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Das sagt die Presse:

»Zähnefletschende Albtraumbilder« (Berliner Zeitung)

»Bravourös erobert sich das Ensemble hier ein Terrain des politischen Tanztheaters. Dermaßen deutlich radikal war in Deutschland zuletzt nur Johann Kresnik.« (tanz.at)

»An manchen Stellen (…) fühlt sich das Stück an, als sei man in einem Karneval der Folter und Brutalität gefangen, der sowohl die Darsteller als auch die Zuschauer zutiefst beunruhigt.« (The New York Times)

Lesen Sie hier einen Text des Schriftstellers Dr. Joseph Pearson über die Uraufführung von »Oasis de la Impunidad« an der Schaubühne Berlin.

In den vergangenen drei Jahren erlebte man in Österreich und vielen anderen Ländern einen regen Zulauf in der sogenannten Querdenker-Szene, der vor allem bei den regelmäßigen »Corona-Demos« sichtbar wurde. Sie waren schon immer da, doch während der Pandemie marschierten sie plötzlich in Massen durch die Straßen: Esoteriker:innen, Seite an Seite mit Verschwörungstheoretiker:innen, bekannten Neonazis, aber auch mit Linken und Hippies. Vereint unter dem Credo der Wissenschaftsfeindlichkeit wurden Pferde-Entwurmungsmittel geschnupft, »belebtes Wasser« gegurgelt und energetische Impftransformationen durchgeführt. Die sogenannte Alternativ-Medizin und all ihre Auswüchse waren plötzlich nicht mehr nur ein schrulliges Hobby der exzentrischen Nachbarin, sondern ein gesellschaftliches Problem mit konkreten Auswirkungen auf das Gesundheitssystem.

Stefanie Sargnagel taucht in ihrem neuen Theaterstück ein in die Welt der Schamanen, Energetiker und »Nippies«. Zu Recherchezwecken begab sie sich selbst in die Yoga-Höhle des Löwen, besuchte u. a. ein Aura-Lesungsseminar im 14. Wiener Bezirk und wirft in »HEIL. Eine energetische Reinigung« einen kritisch-satirischen Blick auf diese bizarre Szene.

Nach der Erfolgsshow »JA, EH! – Beisl, Bier und Bachmannpreis«, die beim asphalt Festival 2019 zu Gast war, hat Stefanie Sargnagel einen neuen Text für das Rabenhof Theater entwickelt – auch diesmal wieder in einer Inszenierung von Regie-Shooting-Star Christina Tscharyiski und mit einem fulminanten Schauspieler:innen-Ensemble. Für die Live-Musik sorgt die Band der Stunde: Buntspecht.

Die Schriftstellerin Stefanie Sargnagel gewann 2016 beim Ingeborg-Bachmann-Preis den Publikumspreis mit einem Text, auf dessen Basis sie später das Theaterstück »JA, EH!« entwickelte. 2020 erschien ihr erster Roman »Dicht. Aufzeichnungen einer Tagediebin«, in dem sie sich mit ihrer eigenen Jugendzeit auseinandersetzte. Im Frühjahr 2022 wurde sie zu einer Gastprofessur am Grinnell College in Iowa eingeladen, um kreatives Schreiben zu unterrichten. Die pointierten Kommentare und Beobachtungen der Wienerin werden regelmäßig im deutschsprachigen Feuilleton publiziert.

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Das sagt die Presse:

»Tatsächlich hat auch eine virtuose Spötterin wie Stefanie Sargnagel Mühe, den Irrsinn noch satirisch zu überhöhen. Aber natürlich gelingt es ihr dann doch immer wieder.« (Süddeutsche Zeitung)

»Das vierköpfige Ensemble spielt famos, die Pointen schnurren.« (Theater heute)

»Vielmehr ist dieser Abend außen arg und innen drin empathisch und vielleicht gerade deshalb genau das, was man in diesen rauen Zeiten braucht.« (Der Standard)

»Erschreckend echt!« (Kronen Zeitung)

»Stefanie Sargnagel ätzt gegen Esoterik« (Deutschlandfunk)

Drei Westafrikaner, die in Belgien leben, versuchen das Migrations- und Integrationsdebakel zu lösen. Ihre Antwort? Ein neues Land für afrikanische Europäer und europäische Afrikaner, in dem sie selbst bestimmen, wie sie leben wollen. Bevor dieser utopische Staat errichtet werden kann, müssen die Regeln festgelegt werden, und das Publikum darf per Stimmkarten mitmischen. Welche Regierungsform und welche Staatsreligion soll er haben? Wie und vor allem wo soll dieses gelobte Land sein? Im Nordwesten Frankreichs oder doch besser im rohstoffreichen Zentralafrika? In einer Art Wahldebatte, die Regisseur Ahilan Ratnamohan selbst moderiert, werden den Zuschauer:innen die verschiedenen gesellschaftspolitischen Entwürfe präsentiert und nach einer nicht selten streitbaren Diskussion wird abgestimmt.

Anlass für die Stückentwicklung von »Reverse Colonialism!« war die ernüchternde Lebenssituation des aus ehemaligen Fußballern bestehenden Star Boy Collective. Ihr Traum, Profifußballer in Belgien zu werden, hat sich nicht erfüllt. Nach einigen Jahren der Unsicherheit leben sie nun alle legal in Belgien, haben jedoch kaum Aussicht auf mehr als Hilfsarbeiterjobs. Mit ihrer einzigartigen, explosiven Energie bringen die Star Boys eine ungehörte Stimme auf die Bühne und analysieren unsere Gesellschaft messerscharf. In dieser politisch aufgeladenen Performance drehen sie den Spieß um und schauen selbstbewusst, unzensiert und provokant auf eine mögliche Zukunft.

Der australische Theatermacher Ahilan Ratnamohan lässt bei seinen Stückentwicklungen gerne atypische Methoden wie Fußball und Sprachlernprozesse einfließen. Er arbeitet fast ausschließlich mit Menschen ohne klassische Schauspielausbildung. Nachdem er 2005 ein Filmstudium an der University of Technology in Sydney abgeschlossen hatte, versuchte er zunächst eine Karriere als Profifußballer in den Niederlanden, Schweden und Deutschland zu starten. 2007 wandte er sich der Bühne zu und kreiert seitdem Live-Performance-Stücke mit sozialpolitischem Schwerpunkt. Seit 2013 arbeitet er in Europa, vorzugsweise an der Monty Kultuurfaktorij in Antwerpen. Seine Uraufführung »Michael Essien, I want to play as you« führte zur Gründung von The Star Boy Collective, einer zwölfköpfigen Performance-Gruppe ehemaliger Fußballer aus Westafrika.

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Das sagt die Presse:

»In ›Reverse Colonialism!‹ konfrontiert uns der Theatermacher Ahilan Ratnamohan auf seltene und kämpferische Weise mit unserer Beziehung zu Afrika und afrikanischen Migranten. Eine Beziehung, die durch unsere koloniale Vergangenheit und Gegenwart belastet ist und derer wir uns leider nur selten bewusst sind.« (Theaterkrant)

»Ein Abend mit einigen rhetorischen Finessen, der die richtigen Fragen zu Migration und Integration aufwirft.« (Hamburger Abendblatt)

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Lesen Sie hier eine Reportage über die drei Schauspieler Etuwe Bright Junior, Lateef Babatunde und Aloys Kwaakum, die eigentlich nach Europa kamen, um Profifußball zu spielen und nun auf der Theaterbühne stehen.

Wie setzt sich ein Körper in Bewegung, dessen Verhältnis zu seiner Umgebung grundsätzlich instabil und verletzlich ist? Im Zentrum von »Precarious Moves«, einem biografischen Solo des Choreografen und Performers Michael Turinsky, steht die Befragung sowohl ganz persönlicher als auch kollektiver Bedürfnisse und Notwendigkeiten. Turinsky arbeitet dabei mit dem Konzept der »Crip Time«: Wer im Rollstuhl sitzt, erfährt Raum und Zeit anders als nichtbehinderte Menschen. Turinsky wendet sich gegen den Imperativ der Integration von behinderten Körpern in die herrschenden Mobilitätskonzepte. Schließlich hat Langsamkeit auch eine Qualität, die man nicht aus den Augen verlieren sollte in einer Gesellschaft, die ständig auf der Überholspur ist. »Precarious Moves« ist eine ironische und humorvolle Performance, die die Verbindung des Körpers mit der Welt erforscht, durch die er sich bewegt. Turinsky führt dem Publikum Grenzen und Begrenzungen, aber auch Möglichkeiten für eine Veränderung des Status Quo einfühlsam vor Augen. Das Stück wurde 2021 mit dem wichtigsten österreichischen Theaterpreis »Nestroy« ausgezeichnet. »Turinskys ebenso kluge wie sinnliche Soloperformance ist im besten Sinne utopisch«, hieß es in der Jurybegründung.

Michael Turinsky lebt und arbeitet als Choreograf, Performer und Theoretiker in Wien. Sein Interesse gilt einerseits einer umfassenden Auseinandersetzung mit der spezifischen Phänomenologie des als »behindert« etikettierten Körpers, seinem Verhältnis zu Zeitlichkeit und Rhythmus, Geschlecht und Sexualität, Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit. Andererseits setzt er sich intensiv mit Diskursen um die produktive Spannung zwischen Politik und Ästhetik auseinander. Turinsky leidet seit seiner Geburt am Zerebralparese, er sitzt im Rollstuhl. Von 1998 bis 2005 studierte Turinsky Philosophie an der Universität Wien. Als Performer arbeitete er u. a. mit Bert Gstettner, Barbara Kraus, Legitimate Bodies/Robin Dingemans/Mick Bryson oder Teresa Vittucci. Die Performance »Ravemachine« von Turinsky und Choreografin Doris Uhlich wurde 2017 mit dem »Nestroy« ausgezeichnet. Michael Turinsky hielt Vorträge und Workshops u. a. an den Universitäten Linz und Salzburg, an der College Art Association in New York, am Tanzquartier Wien sowie im Rahmen des ImPulsTanz-Festivals und publizierte in verschiedenen Fachzeitschriften.

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Das sagt die Presse:

»Turinsky ist ironisch, intellektuell, verspielt. Sein Schicksal führt der studierte Philosoph derart unsentimental und plastisch vor, dass man unbändig lachen muss und an anderen Stellen weint, weil man begreift, was für ein Kampf kleinste Alltagsverrichtungen sind oder Aufgaben, die Vierjährige in der halben Zeit lösen – geschweige denn, so ein fantastisches Solo körperlich durchzuhalten. Turinskys Zeitmaß ist eigentlich das schönere.« (FAZ)

»Turinskys Aktionen auf der Bühne haben eine Sinnlichkeit und Zartheit, die ergreifend ist. Und so kompliziert viele Bewegungen für ihn scheinen, so leicht ist sein Denken.« (Kölner Stadtanzeiger)

»Michael Turinsky zeigt in ›Precarious Moves‹, dass seine vergleichsweise Immobilität nur eine Art der Mobilität ist, die wir einfach noch nicht gewohnt sind.« (Süddeutsche Zeitung)

»Michael Turinsky ist Tänzer, Performer und Schauspieler und trifft mit seinen Bewegungen die Zuschauerin ins Mark.« (Tanzschrift)

Die Stadt Rom war und ist ein europäischer Sehnsuchtsort. Wie kann eine künstlerische Reise in die »ewige Stadt« heute gedacht werden? Welche Handlungs- und Imaginationsräume können angesichts der heutigen globalen Herausforderungen dabei erkundet werden?

Aus Anlass des 250-jährigen Jubiläums der Kunstakademie Düsseldorf erarbeitet die Klasse für Film und Video zwischen Düsseldorf und Rom das mehrteilige Ausstellungsprojekt »ROM. ROM? ROM!«, das sich über das ganze Jahr erstreckt. Durch die Schnittpunkte mit der Vergangenheit werden wichtige Perspektiven für die Gegenwart und die Zukunft aufgezeigt. An verschiedenen Orten, in unterschiedlichen künstlerischen Formen und Medien, einzeln und/oder in Gruppen setzen sich die Studierenden mit den im Projekt angerissenen Themen auseinander.

Die Ausstellung »ROM. ROM? ROM! Teil I« wird in Kooperation mit dem asphalt Festival für dessen neuen Spielort 34OST entwickelt und dort gezeigt.

Die Klasse für Film und Video an der Kunstakademie Düsseldorf wird seit Oktober 2022 von der Künstlerin und Professorin Danica Dakić geleitet.

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Am 24. Juni 2022 findet in Düsseldorf das große, international besetzte Symposium ALL IN statt. In Vorträgen, Workshops und Gesprächsrunden geht es darum, wie der Theaterbetrieb inklusiver werden und Menschen mit Behinderung besseren Zugang erhalten können. Das asphalt Festival veranstaltet das Abendprogramm des Symposiums auf dem Gelände der Alten Farbwerke.

Wir begrüßen die Symposium-Teilnehmer:innen und alle asphalt-Besucher:innen herzlich an der Cubit-Festivalbar. Bei freiem Eintritt unter freiem Himmel finden vor und nach der Vorstellung von SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP Konzerte des Jazz-Trios open excess und des Elektro-Pop-Duos Unfall! statt. Das musikalische Programm wird durch ALL YOUR BASE reaktiv visualisiert, ein taktiles Tool des Künstlerduos CYLVESTER für audiovisuelle Medienkunst im urbanen Raum, das neue, interaktive Zugänge zu Musik und Kunst schafft.

Um 19:30 Uhr spielt das Jazz-Trio open excess. Pianist Lucca Keller, Bassist Torben Schug und Schlagzeuger Till Menzer teilen eine gemeinsame Faszination für Musik, die spontan im Moment entsteht. Dabei ist die überbordende und mit viel Witz gepaarte Spielfreude das Markenzeichen der Combo. Gespielt werden Stücke von Miles Davis, Wayne Shorter, Roy Hargrove und Eigenkompositionen. Für ihre Konzerte laden open excess auch immer wieder unterschiedliche Gastmusiker ein.

Pianist und Komponist Lucca Keller ist ein bunter Hund der NRW-Jazzszene und stilvoller Grenzgänger, der sich gerne aus harmonischen Vorgaben löst, was er auch auf seiner aktuellen Solo-CD ›mood of regrowing‹ beweist. Die Liste seiner musikalischen Kollaborationen scheint endlos. Bassist Torben Schug studierte in Enschede, Amsterdam und Köln Jazz und Popularmusik. Als Bassist des Ricciotti Ensemble in Amsterdam engagiert er sich dafür, Musik an Orte zu bringen, die sonst oft keinen direkter Zugang dazu haben – etwa in Krankenhäuser, Gefängnisse, Asylzentren, Kindergärten und auf öffentliche Plätze. Mit dem Orchester tourte er durch die Niederlande, die Türkei und Russland. Till Menzer ist ein umtriebiger Schlagzeuger der Kölner Szene. Er studierte an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar und an der ITÜ-Istanbul Jazz und traditionelle orientalische Perkussion. Mit seinen Bandprojekten – u. a. Horst Hansen Trio, FL!M, Naheli und Isaac Vacuum – tourt er durch ganz Europa.

Um 21:30 Uhr findet das Konzert von Unfall! statt. Das Elektro-Pop-Duo von Max Schweder und Martin Widyanata bewegt sich zwischen reduzierten 4/4-Takten und schmerzhaften Dissonanzen und macht daraus Deep-Porn-Pop. Live-Elektronik-Saxophon sowie hart modulierte Vocoder spielen dabei genauso eine Rolle wie klassisches Sampling und Looping.

Max Schweder ist Musiker, Performer und Multimedia-Artist und hat am ArtEZ Conservatorium in Arnhem und an der Hochschule für Musik und Tanz Köln Jazz-Saxofon und Musikproduktion studiert. Neben seiner Musik realisiert er reaktive audiovisuelle Kunstprojekte. An der KHM Köln absolvierte Max Schweder 2020/2021 ein Fellowship und ist zudem als künstlerischer Forscher am Royal Conservatoire Antwerp (Belgien) tätig und Alumni der Akademie für Theater und Digitalität Dortmund. Martin Widyanata studierte Medieninformatik an der FH-Bonn-Rhein-Sieg, Musikinformatik an der HfM Karlsruhe und macht derzeit seinen Master am Institut für populäre Musik (IfPOM) der Folkwang Universität der Künste. Er ist DJ, Produzent elektronischer Musik und Co-Produzent diverser Künstler:innen aus verschiedenen Genres. Zudem wirkt er in Theaterproduktionen mit und agiert dort als Komponist, Musiker und Performer.

Am vorletzten Tag von asphalt 2022 machen wir die Nacht zum Tage. Der Performancekünstler und DJ Hanny Kayali, der im zakk die Partyreihe ›Deine Mama ist auch Techno‹ verantwortet, stellt die Jubiläumsparty für asphalt N° 10 auf die Beine. Musikalisch ist eine wilde, tanzbare Mischung zu erwarten, ausgelassene Feierstimmung garantiert.

Markus Stockhausen gilt als einer der profiliertesten Trompeter weltweit. Im Schnittfeld von Jazz, Klassik, Neuer Musik und elektronischen Experimenten forscht er unablässig nach neuen Ausdrucksmöglichkeiten. In der nach ihm benannten Group finden sich vier improvisierende Musiker zusammen, die zu den Besten ihres Fachs gehören. Bei asphalt präsentiert Markus Stockhausen eine neue Besetzung mit dem Pianisten Jeroen van Vliet. Das Quartett stellt sein aktuelles Dreifach-Album ›Tales‹ vor.

Spielfreude paart sich mit meisterlichem Können, farbenreiche Kompositionen und inspirierte Improvisationen fügen sich zu einem harmonischen Ganzen. Die vier Musiker, die auch elektronische Erweiterungen ihrer Instrumente benutzen, sind sowohl im klassischen Fach wie auch im Jazz virtuos zuhause. Sie stellen einen hohen Anspruch an ihre Tonkultur, immer auf der Suche nach dem ›magischen Augenblick‹ auf der Bühne. Durch ihr intuitives Zusammenspiel bringen sie mit musikalischem Feingefühl innere Welten zum Klingen. Sie werfen sich die Themen wie Bälle zu, mitunter komplexe, virtuose Ton- oder Akkordfolgen, lebhaft und jazzig, dann wieder harmonisch-melodiös, ruhig und innerlich. Ein fesselndes musikalisches Erlebnis!

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Das sagt die Presse:

»Der Trompeter Markus Stockhausen und seine drei Ensemblepartner erschaffen schöne, unaufgeregte und dennoch spannende und von Melodien und langen Bögen getragene Klangwelten.« (Rondo Magazin)

»Das aktuelle Dreifach-Album ›Tales‹ ist eine wunderbare Demonstration der erzählerischen Fähigkeiten des Musikers und Komponisten.« (jazzandrock.com)

»Ein Meisterwerk« (NDR)

Die bildenden Künstler Marcos Castro und Mauro Giaconi aus Mexiko-Stadt entwickeln im Weltkunstzimmer exklusiv für das asphalt Festival mehrere Site-Specific-Installationen.

Marcos Castro entfaltet an den Wänden und im Raum eine Art Bühnenbild, inspiriert von der traditionellen mexikanischen Wandmalerei. Er reflektiert über das mexikanische postrevolutionäre Gedankengut, indem er Elemente der offiziellen Geschichtsschreibung neu interpretiert, aus der erweiterten Malerei hybride grafische Beziehungen schafft und Symbole verschiedener Kulturen entlehnt – von der mexikanischen Tradition bis hin zur mexikanischen Punkkultur.

Mauro Giaconi breitet im Raum eine Installation aus, die auf Anekdoten über die mexikanische Revolution und den Einsatz von Illusionen als Strategie zur Veränderung der Realitätswahrnehmung im Kampf beruht. Mit Holzpflöcken, Mehl, Wasser und Hitze besetzt er den Raum wie in einer Schlachtordnung und provoziert ein Szenario symbolischer und historischer Überschneidungen, das in einer surrealen Landschaft hybrider Beziehungen zwischen Revolutionen, Anarchie und Brot präsentiert wird.

Marcos Castro (*1981 in Mexiko-Stadt) studierte Bildende Kunst an der Nationalen Schule für Malerei, Bildhauerei und Grafik ›La Esmeralda‹ in Mexiko-Stadt. Er hatte bereits mehrere Einzelausstellungen in Mexiko, den USA und Europa und war international in zahlreichen Gruppenausstellungen vertreten. Seine Arbeiten sind Bestandteil verschiedener renommierter Sammlungen in Mexiko und den USA, u. a. des Museum of Modern Art in Mexiko-Stadt. 2007 und 2014 erhielt Castro das Stipendium für junge Künstler des Nationalen Fonds für Kultur und Kunst (FONCA) der mexikanischen Regierung. 2008 nahm er am 18th Street Arts Center in Los Angeles teil, 2014 wurde er für die Omi-Residence in New York ausgewählt. 2016 hatte er eine Künstlerresidenz in Skowhegan, Maine, USA inne, 2018 die Dedazo-Residenz im Ejido Felipe Carrillo Puerto im mexikanischen Chiapas. Castros Werk ist stark geprägt von traditionellen mexikanischen Wandmalereien, zeigt aber auch Einflüsse des Neo-Expressionismus sowie eine zeitgenössische Gothic- oder Punk-Ästhetik. Seine Malerei, Zeichnungen und Skulpturen greifen eine Vielzahl von symbolischen Elementen und ästhetischen Codes der mexikanischen Identität auf. Durch die Dekonstruktion patriotischer Symbole oder die Neuinterpretation verschiedener historischer Ereignisse, von der prähispanischen Geschichte bis zur 68er-Bewegung, gelingt es Marcos Castro, tief verwurzelte Mythen sowie offizielle historische und nationalistische Diskurse in Frage zu stellen.

Mauro Giaconi (*1977 in Buenos Aires, Argentinien) absolvierte sein Kunststudium an der Nationalen Kunstschule Prilidiano Pueyrredón in Buenos Aires. Seit 2011 lebt und arbeitet er in Mexiko. Giaconi war Stipendiat des Buenos Aires Artistic Research Center (CIA), Stipendiat des Bemis Center for Contemporary Art (Omaha, USA), der Skowhegan School of Painting and Sculpture (Maine, USA), des Omi International Art Center (New York, USA) und der Solentiname Art Residency (Solentiname, Nicaragua). Seine Werke wurden bereits in Einzelausstellungen in Lateinamerika, den USA und Europa gezeigt, außerdem war er international in Gruppenausstellungen vertreten. Arbeiten von Giaconi befinden sich in Sammlungen wie der SPACE Collection (USA), dem Museum für Moderne Kunst in Buenos Aires (Argentinien) oder dem Miami Art Museum (USA). Er erhielt u. a. 2001 den ersten Preis beim argentinischen Philips Award for Young Talents und 2004 und 2006 eine lobende Erwähnung beim Salon of Drawing and Engraving in Buenos Aires. Ausgangspunkt der künstlerischen Arbeiten von Mauro Giaconi sind vor allem Graphitzeichnungen, die sich auf andere Disziplinen wie Skulptur und Installation ausweiten. Seine räumlichen Interventionen und Bilder erkunden formale, historische und kulturelle Merkmale und Besonderheiten von Alltagsgegenständen, wobei er sich auf die Materialität dieser Elemente konzentriert, um sie prozessual zu untersuchen und zu transformieren. Giaconi arbeitet dabei vorwiegend mit ausgemusterten oder weggeworfenen Objekten. Architektur, Struktur, Erinnerung und Umwelt sind Schlüsselelemente im Werk des argentinischen Künstlers.

Der Lyriker, Musiker und bildende Künstler Marlon Bösherz zieht während des asphalt Festivals in das Weltkunstzimmers ein und lebt und arbeitet in einem offenen Atelier. Die Besucher:innen erhalten Einblick in künstlerische Entstehungsprozesse und können hautnah verfolgen, wie Bösherz zeichnet und liest, schreibt und denkt – ein purer, unmittelbarer Schulterblick in das Künstlerdasein. Bösherz legt seine Skizzenhefte offen, publiziert unter Beobachtung und wird spontane Lecture Performances seiner neuen Texte abhalten, die zum Teil auch unter dem Einfluss von Gesprächen mit Gästen entstehen.

Nach einem Philosophie- und Geschichtsstudium an der Universität Duisburg-Essen und zahlreichen Ausstellungen und Performances in Wohnateliers ist Marlon Bösherz seit 2015 Student an der Kunstakademie Düsseldorf. Aktuell ist er in der Klasse John Morgan und Assistent von Durs Grünbein. Dank eines Stipendiums lebte er 2019/2020 in einem Wohnatelier an der Cité International des arts in Paris und schloss seinen Aufenthalt mit einer Ausstellung und der Buchveröffentlichung ›Rattenzählen an der Pont Marie‹ ab. Bösherz’ Ausstellungen verbinden genreübergreifend Malerei, Zeichnung, Objektkunst, Installation und Skulptur und werden stets von performativen Aktionen und Poesie begleitet. Seit 2012 ist Bösherz zudem Sänger und Bassist der Band Botticelli Baby, die europaweit Konzerte spielt und bislang drei Alben veröffentlichte. Bösherz blickt bereits auf mehrere Solo- und Gruppenausstellungen zurück und veröffentlicht regelmäßig Musik und Poesie in limitierten Editionen. 2022 gründete er gemeinsam mit der Künstlerin Josefine Henning das Kunstkollektiv ›DJOundBO – TRÄNEN, SEX und ALKOHOL‹.

Lesen Sie hier ein Interview mit Marlon Bösherz.

Eine fantastische Stimme, eine groovende Band und großartiges Songwriting – von diesem aufstrebenden R’n’B-Künstler wird man in Zukunft sicher noch viel hören. Giovanni Jano, besser bekannt als JAEL, ist ein 28-jähriger Musiker, Sänger, DJ und Produzent aus Den Haag mit indonesischen Wurzeln. In seiner Kindheit war er ständig von indonesischen Volksliedern, Gospel und japanischem Funk umgeben, seine Eltern infizierten ihn schon früh mit ihrer Leidenschaft für Soul und R’n’B. Nach seinen heutigen Lieblingskünstler:innen gefragt, nennt der niederländische Musiker unter anderem D’Angelo, Anderson .Paak, H.E.R. und Pino Palladino. All diese Inspirationen sind aus JAELS eigenem, charakteristischen Sound herauszuhören: Souligen R’n’B, Funk und basslastige Hip-Hop-Beats vermengt er zu einem neuen, frischen Stil.

Nach den EPs ›Time‹ und ›Unworthy‹ hat Multitalent JAEL unlängst sein Debütalbum ›Half As Much‹ veröffentlicht, auf dem unter anderem Alex Isley, Grammy-Gewinner Rae Khalil, Jayla Darden, Phabo und The Kount zu hören sind. 

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Das sagt die Presse:

»Der unglaubliche JAEL lässt sich nicht auf eine Musikrichtung reduzieren. Seine Talente als Künstler, DJ, Multiinstrumentalist, Sänger und Produzent verschmelzen nahtlos in seiner frischen und zeitlosen Musik.« (The Blues Project)

Das asphalt-Konzert von Carsten ›Erobique‹ Meyer vor 2.000 Menschen im Malkasten-Park 2019 ist vielen Festivalgästen in nachhaltiger Erinnerung geblieben. Mit einer grandiosen Vorstellung beglückte der selbst ernannte ›letzte Discopunk Deutschlands‹ die tanzende Menge und bekannte gegen Ende des Konzerts: »Es ist so schön, dass ich weinen muss.« Kein Wunder, dass sich Erobique nicht lange bitten ließ, als er die Anfrage bekam, ob er zum 10-jährigen Festivaljubiläum nach Düsseldorf zurückkehren würde. Die Location seines diesjährigen Konzerts bildet dabei den größtmöglichen Kontrast zu ›Erobique im Park‹ vor drei Jahren: Diesmal spielt die »lebende Discokugel« (FAZ) auf dem Gelände der Alten Farbwerke in Flingern. Das wird eine ausufernde Tanzparty auf Kopfsteinpflaster, mit alten Fabrikgebäuden als charmante, rough-rotzige Kulisse.

Erobique muss man live erlebt haben. Mit seiner unkonventionellen Discomusik bricht er die Monotonie der beat-gemixten Laptop-DJ-Kultur auf und begeistert seine Fans mit schweißtreibenden Tanzmarathons, spontanen Balladen-Einlagen und wüst zitierten Hochzeits-Oldies. Veröffentlichungen sind rar, Erobiques Hits wie ›Urlaub in Italien‹, ›Easy Mobeasy‹ oder ›Überdosis Freude‹ wollen live und in Farbe genossen werden. Auf seinen Konzerten schleift er aus den Fossilien der Tanzmusik der letzten 50 Jahre feinste Discodiamanten und reißt das Publikum mit spontanen Ansagen und improvisiertem Sprechgesang immer wieder zu Begeisterungsstürmen hin.

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Das sagt die Presse:

»Carsten Meyer alias Erobique ist der Mensch gewordene Laternenumzug. Seine Lieder bringen Liebe ins Leben.« (DIE WELT)

»Der vielseitigste Entertainer der Republik« (taz)

»Erobique mischt alles von den Siebzigern bis in die Hochzeit der 12-Inch-Singles mit ihren Extended Dance Mixes und bringt somit das Beste aus den zwei Welten ›tanzbar‹ und ›eingängig‹ zusammen.« (Stuttgarter Zeitung)

»Erobique – die Endorphinmaschine« (rbb)

Ein Rad, ein paar Körner und Wasser. Ist das alles, worum die Gedanken eines Hamsters kreisen, wenn er in seinem Käfig umherläuft? Oder träumt er in Wahrheit von seinem Ausbruch, vom Leben jenseits der Gitterstäbe und unbekannten Abenteuern? Was würden wir in seinem Tagebuch lesen? In einem musikalischen Theaterstück verleihen die Schauspielerin Anke Retzlaff und der Multiinstrumentalist Peter Florian Berndt einem kleinen Hamster Stimme und Körper. Gemeinsam suchen sie mit ihm nach Auswegen aus der Einsamkeit, finden Verbündete, zetteln einen Hungerstreik an, verlieben und streiten sich und versuchen, einander auf engstem Raum zu entkommen.

Wofür lohnt es sich zu kämpfen? Was bedeutet Freiheit und wo finden wir sie? Und was passiert, wenn das Hamsterrad plötzlich stillsteht und alles möglich erscheint? Ist die Welt bereit für solche Veränderungen? Auf der Suche nach Antworten auf die großen Fragen eines so kleinen Wesens werden auch die Geschichten von Menschen aus der Stadt miteinbezogen. Begleitend zur Inszenierung stellt die Produktion an verschiedenen Stellen der Stadt eine mobile Telefonzelle auf, an der Passant:innen persönliche Geschichten, Gedanken und Gefühle zum Thema Freiheit hinterlassen können. Indem sich Anke Retzlaff und Peter Florian Berndt dem Leben eines Hamsters annehmen, tauschen sie groß gegen klein, ein Hamsterrad gegen die Freiheit, Chansons gegen Protestlieder, und die Aufzeichnungen eines Einzelnen gegen die Erinnerungen einer ganzen Stadt.

Anke Retzlaff ist Schauspielerin, Musikerin und Regisseurin. Für ihre Rolle im Kinofilm ›Puppe‹ wurde sie 2013 für den New Faces Award als beste Nachwuchsschauspielerin nominiert und 2021 als Beste Nachwuchskünstlerin in ›Theater heute‹ genannt. Beim Festival ›Theater der Welt‹ in Düsseldorf wurde 2021 ihre Performance ›Dream Machine‹ uraufgeführt, an der auch Berndt und Hoffmann mitwirkten.

Peter Florian Berndt ist Musiker, Liedtexter und Performer. Als Komponist und Bühnenmusiker war er bereits an verschiedenen Theatern in Deutschland tätig. Er ist aktives Mitglied des professionellen Improtheaterensembles ›Ernst von Leben‹ und E-Gitarrist bei ›Los Pistoleros Güeros‹.

Paul Jumin Hoffmann ist Schauspieler und war vier Jahre lang festes Ensemblemitglied des Jungen Schauspiels Düsseldorf. Er ist nicht nur regelmäßig auf Theaterbühnen, sondern auch in TV-Serien wie ›SoKo Köln‹ oder ›Polizeiruf‹ zu sehen. Hoffmann führte bereits bei verschiedenen Theaterproduktionen gemeinsam mit Anke Retzlaff Regie.

Lesen Sie hier ein Interview mit Anke Retzlaff, Peter Florian Berndt und Paul Jumin Hoffmann über die Produktion.

Die israelische Schauspielerin, Sängerin und Tänzerin Liraz Charhi ist nicht nur ein Superstar in Israel, sondern hat auch im Iran viele Fans: Die prominente Künstlerin ist Jüdin mit iranischen Wurzeln, hat für ihr neues Elektro-Pop-Album ›Zan‹ heimlich mit Musikern aus dem Iran zusammengearbeitet und singt auf Farsi. »Man könnte es subversive Diplomatie nennen«, urteilte die Deutsche Welle über das riskante Projekt – denn Iranern ist der Kontakt mit Israelis gesetzlich verboten. Diese kulturelle Kollaboration ist ›Underground-Musik‹ im tatsächlichen Wortsinn, denn alles musste im Geheimen aufgenommen werden. Liraz mixt zeitgenössischen Elektropop mit pulsierenden Rhythmen des Nahen Ostens und persischen Retroklängen – und wurde vom einflussreichen britischen ›Songlines Magazine‹ 2021 zur ›Künstlerin des Jahres‹ gekürt.

Beim asphalt Festival gibt es eine Weltpremiere: Liraz wird erstmalig gemeinsam mit Sistanagila auftreten. Die Band gründeten iranische und israelische Musiker in Berlin, weil ihre Heimatländer verfeindet sind. Über die politischen Spannungen hinweg suchen Sistanagila den Dialog – mittels der Universalsprache der Musik. Der Bandname ist eine iranisch-israelische Wortschöpfung: ›Sistan‹ ist der Name einer iranischen Provinz und Nagila ist dem ungemein populären hebräischen Volkslied ›Hava Nagila‹ entlehnt, dessen Titel so viel wie »Kommt zusammen« bedeutet. Sistanagila bedienen sich folkloristischer und religiöser Melodien aus Klezmer, sephardischer und traditionell persischer sowie klassischer und zeitgenössischer Musik. Die unterschiedlichen Melodien und Motive, neu arrangiert mit Einflüssen von Flamenco und Jazz bis hin zu progressivem Metal, verschmelzen zu einer Musik, die sowohl religiöse wie moderne Elemente kultureller Identität zum Ausdruck bringt, eine Brücke zwischen zwei Welten baut und etwas ganz Neues entstehen lässt. Ganz nach der Überzeugung: Unterschiede müssen nicht entzweien, sie können bereichern.

Liraz und Sistanagila werden Stücke aus ihrem jeweils eigenen Repertoire spielen, die extra für dieses asphalt-Konzert teilweise neu arrangiert werden und auch einige neue Songs präsentieren.

Jeden Tag vertrauen tausende Krebskranke in Deutschland ihren Ärzt:innen und Apotheker:innen. In einer groß angelegten Recherche fanden Investigativ-Journalist:innen aber immer wieder Hinweise auf unnötige Chemotherapien sowie abgelaufene und unterdosierte Medikamente. Das gesamte Ausmaß des Skandals scheint sehr viel größer als bisher angenommen. Die Opfer: Patient:innen und das Gesundheitssystem selbst. In einer szenischen Installation stellen Helge Schmidt und Team das systematische Versagen dem Schicksal einzelner Betroffener gegenüber: Wie viel Profitstreben kann das Gesundheitswesen vertragen? Dürfen medizinische Versorgung und Care-Arbeit überhaupt ein Wirtschaftsmarkt sein?.

Beim asphalt Festival waren bereits die preisgekrönte Inszenierung ›Cum-Ex Papers‹ des Teams um Theaterregisseur Helge Schmidt sowie die Folgearbeit ›Tax for free‹ zu sehen. Für die Produktion ›Die Krebsmafia‹, die asphalt koproduziert, arbeitete Schmidt erneut mit dem Investigativ-Journalisten Oliver Schröm vom ARD-Magazin ›Panorama‹ und seinen Kolleg:innen zusammen.

Helge Schmidt (*1983 in Schwerin) war mehrere Spielzeiten am Thalia Theater Hamburg tätig und arbeitet seit einigen Jahren als freier Regisseur. Er ist sowohl in der freien Szene als auch am Stadttheater aktiv und seine Arbeiten wurden mehrfach zu Festivals eingeladen. Seine Arbeit ›Cum-Ex Papers‹ wurde 2019 mit dem Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie Regie Schauspiel ausgezeichnet.

Lesen Sie hier ein Interview mit Helge Schmidt über seine neue Produktion.

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Das sagt die Presse:

»Helge Schmidt hat mit ›Die Krebsmafia‹ einen neuen investigativen Rechercheabend inszeniert, minimalistischer noch als zuvor. Und dennoch zutiefst schockierend.« (nachtkritik.de)

»Die präsentierten Fakten sind gewaltig. Die Relevanz ist für jedermann eindeutig.« (Hamburger Abendblatt)

Sechs musikalische Grenzgänger:innen, zwölf Instrumente, fünf Sprachen und ein Feuerwerk aus Emotionen: RasgaRasga strotzen nur so vor Energie und Lebensfreude. Die Band um die charismatische Sänger Daria Assmus macht Musik zwischen Folk und Pop, Balkan- und Worldbeats. Die fünf Instrumentalisten kennen sich schon seit der Schulzeit und machen bereits jahrelang gemeinsam Musik, 2020 stieß mit Assmus eine neue Sängerin hinzu. Die RasgaRasga-Frontfrau, die den Vergleich mit der französischen Nouvelle-Chanson-Sängerin ZAZ nicht zu scheuen braucht, singt auf Englisch, Deutsch, Spanisch, Französisch oder ihrer ganz eigenen Sprache – mal hoch energetisch, klar und direkt, dann wieder melancholisch-träumerisch.

Durch zahlreiche Auftritte in Clubs, Kulturzentren und auf Festivals haben sich RasgaRasga den Ruf als absolut mitreißende Live-Band erspielt. 2019 gewannen sie den Hauptpreis des creole NRW Wettbewerbs für globale Musik. Die Band hat bereits mehrere Alben veröffentlicht, darunter schaffte es ›Hafen Fleur‹ auf die Longlist des Preises der deutschen Schallplattenkritik. Ihre aktuelle EP ›Aperitif‹ entwickelt mit einem stetig nach vorne treibenden Downtempo-Beat aus Schlagzeug, Bass, Banjo und Geige einen Sog, der unweigerlich auf die Tanzfläche zieht.

»Ausgetüftelte Arrangements mit großer Spielfreude und mitreißender Energie« (Jury-Begründung zur Verleihung des creole NRW Preises)

Rabih Abou-Khalil Group

Rabih Abou-Khalil ist ein Wanderer zwischen den Kulturen. Der im Libanon geborene und nach langem Aufenthalt in Deutschland mittlerweile in Frankreich lebende Oud-Virtuose und Komponist verbindet traditionelle arabische Musik, europäische Klassik und amerikanischen Jazz zu einer hochintelligenten Melange, fernab jeglicher World-Music-Klischees. Unvoreingenommen, mit wachem Geist, hoher spielerischer und kompositorischer Kompetenz und einer guten Portion Humor gelingt es ihm auf außergewöhnliche Weise, die musikalischen Welten miteinander zu verschmelzen. Seine komplexen Kompositionen vereinen arabische Metren und Tonskalen wie auch ausgeprägte Improvisationen. Das Ergebnis ist eine ungemein frische Musik – faszinierend komplex, mitreißend virtuos und hochsinnlich. Rabih Abou-Khalil spielte bereit mit Jazz-Größen wie Charlie Mariano oder Kenny Wheeler, aber auch mit Symphonieorchestern und hochkarätigen Ensembles der Neuen Musik, darunter das Ensemble Modern, das Balanescu Quartett, das Kronos Quartett, das ARTE Quartett und das BBC Symphony Orchestra. Rabih Abou-Khalil ist vielfach preisgekrönt – u. a. wurden ihm allein 1999 fünf German Jazz Awards verliehen und 2002 erhielt er eine Ehrenurkunde zum Preis der deutschen Schallplattenkritik für sein Gesamtwerk. Beim asphalt Festival ist Rabih Abou-Khalil mit seinem gleichnamigen Quartett zu Gast und hat als Special Guest Elina Duni eingeladen. Die fantastische Sängerin mit albanischen Wurzeln vereint in ihrer Musik die Klänge Albaniens mit zeitlosen Jazzballaden, französischen Chansons und amerikanischen Folksongs.

Rabih Abou-Khalil: Oud (arabische Kurzhalslaute)
Elina Duni: Gesang
Mateusz Smoczynski: Violine
Krzysztof Lenczowski: Violoncello
Jarrod Cagwin: Schlagzeug

rabihaboukhalil.com/de
bremme-hohensee.de/kuenstler/elina-duni.html

Noa

Achinoam Nini alias Noa, die im Jemen, in Israel und in den Vereinigten Staaten aufgewachsen ist, ist eine weltweit gefeierte Jazz- und Popsängerin, Musikerin und Komponistin und Israels bekannteste Singer-Songwriterin. Sie singt in sechs verschiedenen Sprachen und ihr Spektrum reicht von Jazz über Blues und Pop bis hin zu Rock. Allein mit ihrem langjährigen musikalischen Partner, dem Gitarristen Gil Dor, hat Noa 15 internationale Alben veröffentlicht. Sie wurde von Pat Metheny und Quincy Jones gefördert und trat mit Legenden wie Stevie Wonder, Carlos Santana und Sting auf. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit gilt Noa als Israels prominenteste kulturelle Fürsprecherin des Dialogs und der Koexistenz, als ›Stimme des Friedens‹. Für ihre Friedensaktivitäten wurde sie vielfach ausgezeichnet, u. a. 1998 mit dem Chrystal Award des Weltwirtschaftsforums. Noa ist Israels erste Botschafterin bei der Welternährungsorganisation der Vereinten Nationen und in einer Reihe von Menschenrechts- und Friedensorganisationen in Israel und im Ausland tätig. Beim asphalt Festival treten Noa und Gil Dor im Quartett mit den hochkarätigen Instrumentalisten Omri und Gadi Seri auf. Sie spielen Jazz- und Popmusik in unorthodoxen Arrangements und Noas eigene Kompositionen.

Achinoam Nini a.k.a. Noa: Gesang, Perkussion
Gil Dor: Gitarre
Omri: Bass, Saxophon 
Gadi Seri: Perkussion

noasmusic.com

Nikitch & Kuna Maze gehören zu einer neuen Generation von Musiker:innen, Produzent:innen und DJs, die in ihrer Musik Jazz und Clubkultur verschmelzen. Der charakteristische Sound des französisch-belgischen Duos verbindet Jazz, Downbeat und Hip-Hop, pulsierende Beats, knackigen Groove und körnige Synthie-Kosmos-Texturen.

Die Zusammenarbeit zwischen dem Musiker Nicolas Morant alias Nikitch und dem Brüsseler Produzenten Edouard Gilbert alias Kuna Maze begann, als sich das Duo am Jazzkonservatorium von Chambery in Frankreich kennenlernte. Vor ihrem Jazzstudium hatten beide eine klassische Musikausbildung genossen. Um etwas Neues auszuprobieren und einen Ausgleich zu den Studieninhalten zu schaffen, begann das Duo gemeinsam elektronische Musik zu machen. Beeinflusst von Künstler:innen wie Flying Lotus, Roy Hargrove, Thundercat, Esbjörn Svensson Trio und Erykah Badu, schnüren Nikitch & Kuna Maze Einflüsse aus Jazz, Broken Beat und einer breiten Palette elektronischer Musik zu einem tanzbaren, clubtauglichen Paket.

Nikitch & Kuna Maze spielen bei hochklassigen Jazzfestivals ebenso wie in kleinen Kellerclubs, haben u. a. ein fulminantes Set auf dem Worldwide Festival hingelegt und sind als Support von ›Machinedrum‹ aufgetreten. Gilles Peterson, Tom Ravenscroft, Nemone, Lauren Laverne und andere einflussreiche DJs und Radiomoderator:innen zeigen sich von dem Duo schlichtweg begeistert. Alle sind überzeugt: Die Zukunft von Nikitch & Kuna Maze sieht rosig aus und der internationale Durchbruch scheint nicht mehr fern.

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Das sagt die Presse:

»Atemberaubender, breaklastiger Rhythmus, gekleidet in eine sanfte Melodie und diese entspannte Atmosphäre, die für die französische Szene des rauchigen Beatmakings typisch ist« (Tsugi Magazine)

»Killer Dancefloor Business vom Label Tru Thoughts, das Fans von House, Broken Beat und den brasilianischen Jazz-Funk-Legenden Azymuth gefallen dürfte.« (Music Is My Sanctuary)

Eine nahezu intime Performance im öffentlichen Raum? Dieses scheinbare Paradoxon ermöglicht das Projekt ›kaleiDANCEscope‹ von Tümay Kılınçel und Cornelius Schaper. Die Tanzwunschmaschine funktioniert wie eine begehbare Jukebox. Im Inneren eines umgebauten Wohnwagens eröffnet sich mitten in der Stadt eine Miniaturbühne, die den Besucher:innen die Programmwahl überlässt: Der Gast entscheidet sich anhand einer Liste für einen Tanz, der dann sofort live und nur für ihn allein getanzt wird. Eine 1:1-Performance dauert je nach Tanzauswahl zwischen drei und sieben Minuten.

›kaleiDANCEscope‹ hinterfragt die Diversität im Tanz: Wer tanzt und was ist der Tanz-Kanon? Welche Körper bekommen im Theater- und Kulturbetrieb eine Bühne und wer wird ausgeschlossen? Welche Tänze werden gezeigt – und welche könnten noch dazu gehören? Das Ensemble besteht aus fünf Performer:innen, sowohl professionellen Tänzer:innen als auch Menschen ohne akademische Ausbildung. Zum Basis-Repertoire der Tanz-Jukebox gehören u. a. zeitgenössischer und klassischer Tanz, Voguing, Mixed Abled Dance, traditionell-koreanischer Tanz, Konzepttanz, Hip-Hop und Latin-Dance, vorgetragen teils mit, teils ohne Musik. Im Vorfeld des asphalt Festivals werden Tümay Kılınçel und Cornelius Schaper aber auch neue Tänze recherchieren und dazu lokale Tanzgruppen aufsuchen: Was gibt es in Düsseldorf vor Ort für besondere Tänze, die in die Tanzliste eingefügt werden könnten? Mittelfristig soll so aus dem Wohnwagen eine ›Tanzsammelmaschine‹ und ein rollendes Archiv werden. ›kaleiDANCEscope‹ wächst mit jedem Auftritt, das Repertoire erweitert sich und lädt ein, neue Perspektiven zu schaffen.

Das Kollektiv should-I-know um Tümay Kılınçel und Cornelius Schaper ist ein Zusammenschluss verschiedener Künstler:innen aus den Bereichen Performance, Bewegung, Medien und Musik. Kılınçel und Schaper leben und arbeiten in Düsseldorf und entwickeln seit 2014 gemeinsame Projekte. Dabei werden vorhandene Strukturen des öffentlichen Raumes neu geordnet, umgedeutet und unterwandert, Wechselwirkungen von Innen und Außen, Privat und Öffentlich, Einschluss und Ausschluss durchleuchtet. Bis 2016 waren sie mit ›DANCE BOX‹ (2014), dem Prequel zu ›kaleiDANCEscope‹, auf Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz. 2020/21 wurden sie mit Jungyun Bae für das Mentoring-Programm des NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste ausgewählt.

Lesen Sie hier ein Interview mit Tümay Kılınçel und Cornelius Schaper über ›kaleiDANCEscope‹.

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Wo immer man Jelena Popržan stilistisch verorten will: Ob Neue und Alte Musik, World Music, Singer-Songwriting, Kabarett, Neues Wienerlied, Folk oder Jazz – die Musikerin und Sängerin saugt sich den Nektar aus all diesen Genres und lässt ihre ureigene Mischung daraus gären.

Vor rund zehn Jahren begann Popržan mit dem Duo ›Catch-Pop String-Strong‹ Wiens Bühnen unsicher zu machen, auch mit den Ensembles ›Madame Baheux‹ und ›Sormeh‹ festigte sie ihren Ruf als einfallsreiche Arrangeurin, expressive Stimmkünstlerin und Entertainerin mit komödiantischem Talent und politischem Engagement. Beim asphalt Festival präsentiert die betörende Sängerin und großartige Bratschistin auf der Seebühne ihr aktuelles Soloprogramm. An Instrumenten und technischem Equipment hat sie unter anderem eine fünfsaitige Bratsche, eine Maulgeige, eine Glasharfe und einen Looper im Gepäck. Zudem ist Jelena Popržan eine wunderbare Geschichtenerzählerin und singt in mehreren Sprachen. Eine abwechslungsreiche Revue darf erwartet werden, mit Songs, Kompositionen, Sounds, Hommagen an vergessene Traditionen und unvergessliches Neues.

Jelena Popržan wurde in Serbien geboren, begann ein Violastudium in Belgrad und setzte es 2002 in Österreich fort, wo sie bis heute lebt und arbeitet. Neben ihren Solo- und Bandprojekten schreibt sie auch Musik für das Theater und arbeitet interdisziplinär mit verschiedenen Künstler:innen. 2020 veröffentlichte sie ihr Soloalbum ›La Folia‹. Popržan ist vielfach preisgekrönt – sie gewann u. a. den Vojin Draškoci Award 2020 der World Music Association von Serbien, den Ersten Niederstätter surPrize 2021 und wurde mehrfach beim österreichischen Nestroy-Theaterpreis und Stella-Preis für ihre Theatermusiken nominiert und ausgezeichnet.

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Das sagt die Presse:

»Eine der vielseitigsten und wandlungsfähigsten Musikerinnen des Landes« (Radio Ö1, Jazz-Magazin)

»Jelena Popržan liefert ein Stück Musik ab, das auf wunderbare Weise zu fesseln vermag und in höchstem Maße mit Stil zu unterhalten weiß.« (MICA-Music Austria über ›La Folia‹)

Wo Desmadre Orkesta auftritt, steigt die Party! Die Band aus Buenos Aires spielt volkstümliche Melodien und Traditionals, überraschend neu und virtuos arrangiert. Gleich drei Blechbläser:innen, ein Akkordeonist und eine Rhythmusgruppe nehmen das Publikum mit auf eine musikalische Reise von Balkan Brass über kolumbianische Cumbias und Swing aus New Orleans bis hin zu argentinischen Milongas. Dass sich das Ensemble vor neun Jahren aus Musiker:innen einer Theaterproduktion zusammenfand, merkt man ihm heute noch an: Bei Desmadre Orkesta ist die Performance mindestens so wichtig wie die Musik. Die Bandmitglieder sind ständig in Bewegung, tanzen, interagieren mit dem Publikum und strotzen nur so vor Energie und guter Laune. Kein Wunder, dass sie ebenso gerne als Marching Band auf der Straße wie auf großen Bühnen auftreten. Jedes Konzert mutiert zu einer fröhlichen, intensiven und dynamischen Show, die die Zuhörer:innen mit einem Lächeln im Gesicht und einem glücklichen Herzen zurücklässt.

Die argentinische Band hat bereits mehrere Tourneen in Europa und Indien absolviert. Ihr Album ›Vendaval‹ war bei den UK Latin America Awards in der Kategorie ›Best Album of the Year 2019‹ nominiert.

Was passiert, wenn Menschen die Rationalität aushebeln, sich einem bewussten Kontrollverlust hingeben und stattdessen einen Zustand des Exzesses zulassen? Welche Kräfte stecken in uns – und wirken diese schöpferisch oder zerstörerisch? Diese Fragen liegen der neuen Komposition von Bojan Vuletić zugrunde. In seinem zeitgenössischen Werk für zwei Klaviere, Trompete, Klarinette, Violoncello und Vibraphon führt Vuletić die Musiker:innen bewusst an ihre Grenzen – und darüber hinaus.

›Visions of Excess – el sueño de la razon produce monstruos‹ ist ein kompromissloses Abenteuer, ein Vabanquespiel mit exzellenten Solist:innen, die über eine besondere Virtuosität und meisterhafte Musikalität verfügen. Sie sind zugleich aber auch bereit loszulassen, ihren Impulsen und Instinkten zu vertrauen und Visionen des Exzesses musikalisch zu erleben. Im Zentrum der Performance begegnen sich mit Alina Bercu und Asagi Nakata zwei herausragende internationale Pianistinnen. Die besondere künstlerische Konstellation von Gegensätzen spiegelt sich auch darin, dass im Ensemble die symphonischen Solist:innen Mariel Roberts und Shelly Ezra auf die beiden musikalischen Grenzgänger Matt Moran und Pablo Gīw treffen. Ob Francisco de Goya mit seinem Satz »el sueño de la razon produce monstruos« (dt. »Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer«) Recht behält, wird nach der Uraufführung von ›Visions of Excess‹ bei asphalt 2022 zu beantworten sein.

Die rumänische Pianistin Alina Bercu gastierte auf vielen wichtigen Musikbühnen Europas, Amerikas und Asiens, darunter der Carnegie Hall New York, der Tonhalle Zürich und der Tonhalle Düsseldorf. Sie arbeitete mit namhaften Orchestern zusammen, darunter den Wiener Philharmonikern, dem Orchestre de chambre Lausanne und der KlassikPhilharmonie Hamburg. Studio- und Live-Aufnahmen von Alina Bercu wurden in die Goldene Phonothek des Rumänischen Rundfunks aufgenommen. Ihre Debüt-CD mit Kammermusikwerken von Schubert und Brahms wurde mit dem ›Golden Label‹ (Benelux) und ›Cle d’or‹ (Frankreich) ausgezeichnet.

Die in Japan geborene und in London lebende Pianistin Asagi Nakata hat eine Vielzahl an ersten internationalen Preisen gewonnen, u. a. bei der Budapest Liszt Ferenc Competition, bei Franz Liszt Weimar und bei der Windsor International Piano Competition. Die international renommierte Solistin tritt regelmäßig auf Konzertbühnen in Europa, Asien und Nordafrika auf und spielt auf BBC Radio 3 live für die ›In Tune‹-Serie, die von Sean Rafferty präsentiert wird.

Der Trompeter und Performer Pablo Gīw lebt in Köln und beschäftigt sich in seiner Musik insbesondere mit Extended Techniques, Perkussion und Noise. Mit seinem Instrument schafft er dichte Klangwände und Grooves, bei denen er auch Stimme, Spoken Word und akustische Mittel einbindet und so völlig neue Klangebenen schafft.

Shelly Ezra genießt einen hervorragenden Ruf als vielseitige Solistin, leidenschaftliche Kammermusikerin und gefragte Interpretin Neuer wie Alter Musik. Sie ist Preisträgerin nationaler und internationaler Wettbewerbe. Als Solistin trat sie u. a. mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem Münchener Kammerorchester, der Klassischen Philharmonie Bonn und mit dem Israelischen Kammerorchester auf.

Matt Moran ist ein US-amerikanischer Vibraphonist und Perkussionist und Arrangeur des Modern Creative. Matt Moran spielte mit Joe Maneri und in den Bands von Paul Flaherty, Reuben Radding, Sufjan Stevens, im Claudia Quintet mit John Hollenbeck und in der Band Sideshow, außerdem als Perkussionist mit diversen Balkan-Folkbands.

Die amerikanische Cellistin und Komponistin Mariel Roberts ist als Solistin und Kammermusikerin bereits auf vier Kontinenten aufgetreten und Co-Direktorin des Wet Ink Ensembles, das die New York Times als ›Best Classical Music Ensemble of 2018‹ ausgezeichnet hat. Ihr ungestillter Appetit auf Kollaborationen und Experimente hat zu einer Fülle an Werken geführt, die Brücken schlagen zwischen Avantgarde, zeitgenössischer, klassischer, improvisierter und traditioneller Musik.

Bojan Vuletić ist Komponist, Klangkünstler und Gitarrist. Musikalische Zusammenarbeiten verbinden ihn u. a. mit Markus Stockhausen, Nate Wooley, Bojan Z, dem Mivos Quartet, dem WDR Rundfunkorchester und -chor und den Düsseldorfer Symphonikern. Er hat zudem Theatermusiken für über 50 Produktionen und Kompositionen für einige zeitgenössische Tanzstücke geschrieben. Audio-Realisationen von Ausstellungen in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Danica Dakić waren u. a. auf der documenta 12 Kassel, der Biennale Liverpool und auf der Biennale in Venedig zu erleben. Vuletićs Werke wurden bislang in verschiedenen Ländern Europas, Afrika, Asien und in die USA aufgeführt.

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Marcela Levi, Lucía Russo und Tamires Costa konfrontieren in ›Let it Burn‹ das Publikum mit historischen und aktuellen Klischees über den schwarzen Körper. Was als eine Mischung aus Burlesque und Stand-up beginnt, artet in eine explosive, schwindelerregende Performance aus. Die Tänzerin Tamires Costa unterläuft schwarze Stereotypen, indem sie sie umso exzessiver verkörpert: hervorquellende Augen, frenetische und groteske Tänze, ein bis zur Fratze verzerrtes Lächeln und offensiv zur Schau gestellte weiße Zähne treiben rassistische Blackface-Praktiken auf die Spitze. In ›Let it burn‹ fungiert Costas Körper wie ein Hyperlink zu anderen schwarzen Künstler:innen – zu den hypnotischen und majestätischen Bewegungen einer Nina Simone, zu Michael Jacksons perfekter Technik und Virtuosität, zu Auftritten von Josephine Baker, Dizzy Gillespie oder Valeska Gert. Vor den Augen des Publikums steckt Tamires Costa in ihrem Tanzsolo zu Jazz, Soul und brasilianischem Funk buchstäblich die Bühne in Brand – let it burn!

Die Choreographinnen und Performerinnen Marcela Levi (*1973 Rio de Janeiro, Brasilien) und Lucía Russo (*1975 Patagonien, Argentinien) arbeiten seit 2010 zusammen. Gemeinsam gründeten sie mit ›Improvável Produções‹ ihre eigene Produktionsfirma. Seitdem haben sie mehrere Projekte entwickelt und produziert, die auf großen Festivals und in Theatern in Südamerika und Europa aufgeführt wurden. ›Let it Burn‹ wurde 2017 in Rio de Janeiro uraufgeführt, asphalt 2022 zeigt die Produktion als deutsche Erstaufführung.

Es wird laut auf der Seebühne: Black Mirrors sind Belgiens Antwort auf Anouk, Nirvana und die Queens of the Stone Age. Das Quartett aus Brüssel hat so ziemlich jeden Einfluss aufgesogen, der in den vergangenen Jahrzehnten den Rock ’n’ Roll bestimmt hat und daraus einen ganz eigenen Sound kreiert. Alternative-Garage-Rock trifft auf psychedelischen Blues, groovige Gitarrenriffs bringen im Handumdrehen jedes Publikum zum kollektiven Kopfnicken. Die charismatische Frontsängerin Marcella Di Troia singt, schreit, summt und raunt. Ihr Gesang lässt an Janis Joplin denken, ihre Bühnenpräsenz an die Coolness von The Kills – und doch bleibt sie immer sie selbst. Die Black Mirrors haben bereits mehrere Europatourneen u. a. mit The Night Flight Orchestra und The Vintage Caravan absolviert, noch im Frühling waren sie sechs Wochen zwischen Belgien, Dänemark, Deutschland und Großbritannien als Vorband von The Picturebooks unterwegs. Ihr Debütalbum ›Look Into The Black Mirror‹ ist bei Napalm Records erschienen, die Veröffentlichung des zweiten Albums ist für Herbst 2022 geplant. Mit den Black Mirrors darf man sich auf eine fantastische Live-Band freuen, deren hohes Energielevel einige Schockwellen über den See schicken wird!

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Das sagt die Presse:

»Die Band aus Brüssel hat das nötige Feuer, um eine Art von hartem Rock abzuliefern, der virtuos ist und gleichzeitig tüchtig in den Arsch tritt.« (WDR) 

»Größter Trumpf von Black Mirrors ist zweifelsohne Di Troias rotziger und vor Energie strotzender Gesang. Zusammen mit den wuchtigen und prägnanten Riffs und dem gekonnten Groove der Rhythmusfraktion sorgt dieser dafür, dass jeder Song quasi ins Gedächtnis tätowiert wird.« (plattentests.de)

Der britische Singer-Songwriter Ash Radford ist zweifellos vom »Wanderlust-Syndrom« befallen: Er verbrachte den Großteil seiner Kindheit auf der Insel Jersey, zog dann als junger Mann in die Welt hinaus und lebte in Neuseeland, Südafrika, Australien und auf Ibiza. Radfords rauer, erdiger Sound ist von seinen Reisen geprägt, seine Folksongs leben von seiner gefühlvollen Stimme und seinem puren, perkussiven Gitarrenspiel. Radford trat bereits beim Sziget- und beim Glastonbury-Festival auf, war Support bei den Europatourneen von Singer-Songwriter Jeremy Loops sowie The Beautiful Girls und 2021 einer der Künstler des Musik- und Surffestivals ›Enter The Wave‹ in Spanien, Frankreich und den Niederlanden. Seine Debüt-EP ›How Well Do You Know This Place‹ erschien 2019.

Im Sommer 2022 steht die Veröffentlichung von Radfords zweiter EP ›Terra Santo‹ an, mit frischen, souligen Songs, die geprägt sind von 70er-Jahre-Einflüssen aus Rock, Folk und Surf-Pop. Das Album wurde live in Prag aufgenommen mit Matt Johnson (Jeff Buckley/St Vincent) am Schlagzeug und Rob Calder (Angus & Julia Stone) am Bass. Anschließend experimentierten Radford und Produzent Rohin Brown wochenlang mit einer Fülle von altem, analogen Equipment, mischten Morsecodes und die Klänge einer modifizierten New-Orleans-Orgel aus den 1960er-Jahren in die Musik und nahmen sogar Gesang in den hallenden, unterirdischen Gängen des Studios auf.

Radford führt nach wie vor ein Nomadenleben, wohnt aktuell zwischen Portugal und London und verbrachte das Frühjahr 2022 damit, in seinem Van entlang der europäischen Westküste solo zu touren. Auch bei asphalt tritt Radford nur mit seiner Gitarre auf und das Publikum darf sich auf ein Kopfhörerkonzert von großer Intimität freuen.

Wahrhaft grenzüberschreitend ist diese asphalt-Koproduktion, die auf dem diesjährigen Festival uraufgeführt wird: Street-Culture-Tänzer:innen des Forums Urbane Tanzkunst (FUT) rund um den Choreografen Takao Baba treffen auf Musiker:innen des Babylon ORCHESTRA, einer Big Band mit transkultureller Zusammensetzung unter der Leitung von Mischa Tangian. Urbaner Tanz wie Hip Hop, Krump, Popping, Voguing und Breaking wird kombiniert mit Klängen arabischer Instrumente, klassischer Streicher und elektronischer Beats. Im Zentrum der künstlerischen Annäherung steht die Idee der klassischen Tugenden, die auf ihre Aktualität hin untersucht werden, um herauszufinden, wie ein diverses Zusammenleben mit verschiedenen Kulturen und Wertevorstellungen möglich ist. In enger Kooperation zwischen den Musiker:innen und Tänzer:innen werden die künstlerischen und kulturellen Wurzeln jedes einzelnen ausgelotet und unter dem Motiv der Tugenden in Musik und Tanz übersetzt.

Das Thema Diversität ist eng verknüpft mit den Wertevorstellungen der Gesellschaft. Die Tanz- und Musik-Performance ›LOST‹ hinterfragt, welche Tugenden in einer Gesellschaft wichtig sind, in der Rassismus, kulturelle Aneignung und Machtmissbrauch das Zusammenleben beeinflussen. Welche Rolle spielen Tugenden in der Kunst? Ist die Loyalität zur Leitungsfigur eines Choreografen bzw. einer Choreografin oder Komponist:in noch zeitgemäß? Wie kann diese hinterfragt werden? Was bedeutet Wahrhaftigkeit für Kunstschaffende und welche Bedeutung hat Kunst für die Vermittlung von Werten?

Nach der Premiere von ›2 Legit‹ bei asphalt 2021 sind Takao Baba und Mischa Tangian nun mit einer großen Bühnenproduktion zu Gast, der dritten gemeinsamen Arbeit der beiden Ausnahmekünstler.

Takao Baba ist Choreograf und Tänzer. Die Wurzeln seiner Arbeit liegen im urbanen Tanz, den er mit den Ausdrucksformen des zeitgenössischen Tanzes verbindet. Takao Baba entwickelt mit seiner Tanzkompanie E-Motion regelmäßig Tanztheaterproduktionen und ist Mitbegründer der Plattform Dance Unity, die Deutschlands bedeutendsten urbanen Tanzveranstaltungen ›Funkin’ Stylez‹ und ›Juste Debout‹ ausrichtet. Als Tänzer und Choreograf war er zuletzt u. a. an Produktionen des Düsseldorfer Schauspielhauses beteiligt.

Der aus Moskau stammende Komponist, Geiger und Orchesterleiter Mischa Tangian wurde als Stipendiat und Preisträger zahlreicher Wettbewerbe mehrfach ausgezeichnet. 2016 gründete Tangian das Babylon ORCHESTRA, das Musiker:innen aus dem Mittleren Osten und Europa zusammenführt und neue Musik zwischen moderner Klassik, Jazz und Weltmusik entwickelt. Das Ensemble spielt Konzerte im In- und Ausland und setzt u. a. auch gemeinsame Projekte mit großen Symphonieorchestern um. Das Debütalbum des Babylon ORCHESTRA mit Kompositionen von Mischa Tangian erhielt 2020 den Preis der deutschen Schallplattenkritik für das beste Weltmusikalbum.

Die Sängerin Mary May hat eine fesselnde Bühnenpräsenz und zieht mit ihrer dynamischen Stimme mühelos das Publikum in ihren Bann. Ihre Musik ist beeinflusst von Künstler:innen wie Lauryn Hill, Radiohead und Björk, traditionelle Reggae-, Soul- und afrokubanischen Rhythmen vermischt sie mit ihren kongolesischen Wurzeln. In den letzten Jahren sang sie bei Künstlern wie Roy Ayers, Harrisson Stafford, Naâman und den jamaikanischen Legenden Israel Vibration. 

In einem Dorf mit Saloon, Goldmine, Eisenbahn und Kirche, errichtet auf rotem Lehmboden, drehen sieben südafrikanische Schauspieler:innen einen Western – und entlarven dabei all die gängigen, romantisierenden Klischees des Genres.

Die vielfach preisgekrönte Produktion ›Dark Noon – a western about us‹ entwickelten der dänische Regisseur Tue Biering und der südafrikanische Choreograf Nhlanhla Mahlangu gemeinsam mit Darsteller:innen aus Johannesburg und Pretoria. Das Stück taucht ein in die Zeit, als Millionen verarmte, weiße Europäer:innen über den Atlantik nach Amerika flohen, um sich im Wilden Westen ein neues Leben aufzubauen. Die Einwander:innen kämpften um eine zweite Chance, wollten Land erschließen, nach Gold schürfen und vom amerikanischen Traum zehren. Es ist eine gefährliche, nicht selten tödliche Reise: In »God’s own country« sind Leben nicht viel wert beim gnadenlosen Streben nach Glück.

Lange wurde die Geschichte ausschließlich aus der Perspektive der weißen, männlichen Bevölkerung dargestellt – die Vertreibung der amerikanischen Ureinwohner:innen und der damit einhergehende Völkermord an ihnen spielt in Western keine Rolle. ›Dark Noon‹ analysiert das Genre in einem satirischen Parforceritt durch die gnadenlose amerikanische Eroberungsgeschichte und entlarvt damit umso klarer die historische Fragwürdigkeit von Wildwest-Mythen.

Das Stück beginnt mit einer leeren Bühne. Nach und nach wird das Bühnenbild errichtet, während die Einwander:innen ihre Stadt in dem rauen, unwirtlichen Land aufbauen, in dem nicht alle Träume in Erfüllung gehen. Praktisch aus dem Nichts entwickelt sich ›Dark Noon‹ zu einem großen, visuell und emotional packenden Theaterspektakel mit schnellen Rollenwechseln, mitreißendem Rhythmus, Gesang und Hip-Hop-Musik in der Tradition des südafrikanischen Storytellings. Dabei werden die Europäer:innen von schwarzen Schauspieler:innen verkörpert. Insofern ist ›Dark Noon‹ nicht nur eine aus südafrikanischer Sicht erzählte Allegorie über den Kolonialismus der Weißen in der afrikanischen Welt, sondern hinterfragt auch, wer wen repräsentieren darf – ein kluger Kommentar zu aktuellen Debatten über kulturelle Aneignung.

Die dänische Gruppe Fix & Foxy produziert seit über zehn Jahren Theaterstücke, Performancekunst und immersive Installationen. Dem künstlerischen Leiter Tue Biering und seinem Team gelingt es meisterhaft, komplexe Narrative durch spielerische, unterhaltsame Formate zu erzählen und dabei Vorurteile zu hinterfragen. Oft laden Fix & Foxy dazu Menschen auf die Bühne ein, die nur selten in Theatern gezeigt oder repräsentiert werden. ›Dark Noon‹ wurde u. a. beim Reumert Award 2020, dem nationalen dänischen Theaterpreis, in der Kategorie ›Sonderpreis‹ ausgezeichnet und war für das Bühnenbild des Jahres nominiert. Bei asphalt 2022 ist es zum ersten Mal überhaupt in Deutschland zu sehen.

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Das sagt die Presse:

»Es ist anders und ich wage zu behaupten, dass es brillant ist. ›Dark Noon‹ ist ein hervorragendes Beispiel dafür, was moderne darstellende Kunst bieten kann!« (Ungt Teaterblod)

»›Dark Noon‹ ist eine echte Ensemble-Performance von Anfang bis Ende, ein Füllhorn an Ideen, Energie und Wildheit. Regisseur Tue Biering hat zusammen mit dem südafrikanischen Choreographen Nhlanhla Mahlangu eine wirklich einzigartige Performance mit internationalem Potenzial geschaffen.« (Danish Arts Council)

»›Dark Noon‹ hat mich tief berührt, mir eine Gänsehaut beschert, mich laut lachen lassen und einen Kloß im Hals verursacht.« (Enturikulturland.blogspot.com)

Das könnte ein neuer Stern am Jazzhimmel werden: Triorität spielen sich gerade in die erste Liga der neuen deutschen Jazzbands. Ihr 2020 erschienenes Debütalbum ›ALGO‹ wurde vor allem in England begeistert aufgenommen. Von Gilles Peterson und vielen seiner Worldwide-FM-Kolleg:innen bis zu BBC 6 gab es nichts als Lobeshymnen. Manchen gilt das Trio aus Darmstadt bereits als die deutsche Antwort auf Yussef Kamaal und den explosiven Sound des UK Jazz.

Triorität spielen Dancefloor-Jazz im wahrsten Sinne: Uplifting Drum-Beats, repetitive Rhodes Riffs, die sich im Unterbewusstsein verbohren, und bisweilen fast schon technomäßige Energien machen diese Band vor allem live zu einem Erlebnis. Die drei Musiker lassen sich für ihre ›Organic Dance Music‹ von Fusion-Jazz der 70er-Jahre und Disco ebenso inspirieren wie von modernem House und Hip-Hop. Das Ergebnis sind tanzbare Stücke und stimmungsvolle, raffinierte Jams. Für ihren neuen, modernen Jazzsound wurden Triorität bereits mit dem Darmstädter Musikförderpreis ausgezeichnet.

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Das sagt die Presse:

»Eines der spannendsten Trios des zeitgenössischen Jazz, der gerne über Genregrenzen hinwegsieht.« (Byte FM)

Die Projektserie ›Dramaturgie für eine Konferenz‹ des argentinischen Künstlers Matías Umpierrez schafft Raum für Denker:innen und Künstler:innen, gemeinsam Fragen der Zeit performativ zu untersuchen. Im Auftrag von Umpierrez haben Einat und Eyal Weizman ein Manual mit dem Titel ›Negative Evidenz‹ verfasst, das vier Performerinnen zur Verfügung gestellt wurde, damit sie auf dessen Basis eine Performance entwickeln. Die vier Solo-Performances sollten ursprünglich beim asphalt Festival 2021 präsentiert werden, doch die Reisebeschränkungen während der Pandemie verhinderte dies. Anstatt das Projekt abzusagen, erarbeiteten die Künstler:innen ein neues Konzept für die Dramaturgie einer Konferenz in der erweiterten Realität, die nun bei asphalt 2022 uraufgeführt wird.

Die Performerinnen stellen jeweils eine konkrete Begebenheit ins Zentrum einer künstlerischen Arbeit, die kolonialistische Strukturen in ihren Herkunftsländen entlarvt. Die Inuk-Performerin Laakkuluk Williamson Bathory aus Kanada, die Xhosa-Choreografin Mamela Nyamza aus Südafrika, die indische Performerin Mallika Taneja und die isländische Choreografin Erna Ómarsdóttir folgen dem im Manual vorgegebenen Pfad des ›forensischen Theaters‹

Das Manual ist eine Anleitung, um Dokumentartheater neu zu definieren. Ausgangspunkte liefern aktuelle Dokumente des 21. Jahrhunderts wie Tweets, Blogs, Fotos, Artikel oder Videos. Es wird analysiert, was eine wahre Aussage heute ausmacht und ob Kunst der Wahrheit zu einem neuen, kraftvollen Ausdruck verhelfen kann. Wie findet man die Wahrheit, wenn es keine Beweise gibt? Die Übertragung der Solo-Performances in die erweiterte Realität macht die Beantwortung dieser Frage umso spannender. Der dabei angestoßene Diskurs zur Wahrnehmung von kolonialen Machtstrukturen erhält durch die körperliche Abwesenheit der Performerinnen inhaltlich wie ästhetisch eine besondere Dringlichkeit.

Während der Öffnungszeiten des K21 können kostenlos Tablets und Kopfhörer ausgeliehen werden, um die Solo-Performances als Augmented-Reality-Installation zu erleben. Die Zuschauer:innen können sich dabei sowohl auf dem Außengelände des K21 als auch auf der Piazza bewegen und so eine Verbindung zwischen virtuellem und analogem Raum eingehen.

Laakkuluk Williamson Bathory ist eine kalaaleq (grönländische Inuk) Performance-Künstlerin, Dichterin, Schauspielerin, Geschichtenerzählerin und Schriftstellerin, die in Iqaluit, Nunavut, lebt. Sie ist bekannt für die Aufführung von ›uaajeerneq‹, einem grönländischen Maskentanz, der Geschichten erzählt und drei Elemente in den Mittelpunkt stellt: Angst, Humor und Sexualität. Laakkuluk beschreibt ›uaajeerneq‹ sowohl als politischen und kulturellen Akt als auch als eine eigenwillige Kunstform. Ihr Solo für ›Dramaturgie für eine Konferenz #2‹ realisierte sie zusammen mit ihrem langjährigen Mitarbeiter Jamie Griffiths. Die Filmemacherin, Fotografin, bildende Künstlerin und Performer befasst sich mit Fragen der Identität, des Wohlbefindens, der Transparenz und des Kolonialismus, mit Ausstellungen und Performances in Kanada, Großbritannien, den USA und der EU. Griffiths arbeitet mit Kameras, Ton, Projektionen und Licht und nutzt maßgeschneiderte Software für interaktive Installationen und Performances.

Die Choreografin und Kunstaktivistin Mamela Nyamza aus Südafrika ist ausgebildete Balletttänzerin. In ihrer Arbeit setzt sie sich mit dem klassischen Genre des Tanzes auseinander, indem sie die traditionellen Methoden und die Logik des Balletts und des zeitgenössischen Tanzes dekonstruiert und die Ereignisse ihrer Kindheit in den 1980er Jahren und kulturelle Traditionen sowie aktuelle soziale Missstände wie HIV/Aids, häusliche und sexuelle Gewalt und Drogenmissbrauch erforscht. Auch ihre Biografie als schwarzafrikanische, lesbische Mutter fließt in ihre Arbeit ein.

Mallika Taneja lebt und arbeitet in Neu-Delhi, Indien. In ihren Performances, Installationen und kuratorischen Arbeiten beschäftigt sie sich mit Fragen von Geschlecht, Solidarität und Erinnerung. Ihr besonderes Interesse gilt den politischen Möglichkeiten von performativen Ensembles und der Rolle, die Lieder beim Hinterlassen und Sammeln von Spuren von Menschen, Orten und Dingen spielen. Einige ihrer Werke und kollaborativen Räume sind ›Be Careful‹, ›Allegedly‹, ›Rest of the Struggle‹ und ›Women Walk at Midnight‹. Für ›Be Careful‹ wurde sie 2015 mit dem ZKB Anerkennungspreis und für ›Allegedly‹ 2021 mit dem ZKB Förderungspreis ausgezeichnet.

Erna Ómarsdóttir aus Island ist eine Tänzerin, Choreografin und Rocksängerin, deren mit explosiver Energie geschaffene Werke sich als eine Mischung aus Erzählung, Absurdität und Horror, konzertanten Elementen und poetischen Bildern lesen. Sowohl als unabhängige Künstlerin als auch als künstlerische Leiterin der Iceland Dance Company hat Ómarsdóttir eine Reihe hochgelobter Werke geschaffen und inszeniert, die weltweit gezeigt wurden und große internationale Anerkennung gefunden haben.

Einat Weizman ist Dramatikerin und Regisseurin und befasst sich vor allem mit dokumentarischem Theater. Eyal Weizman ist Architekt, Schriftsteller, Professor für Spatial and Visual Cultures und Direktor des Centre for Research Architecture am Goldsmiths College in London. Seine Forschungsagentur ›Forensic Architecture‹ untersucht Verbrechen gegen die Menschlichkeit.

Matías Umpierrez gilt als einer der innovativsten Theaterregisseure Lateinamerikas, seine Projekte u. a. mit seiner Compagnie Plataforma Fluorescente bewegen sich zumeist an der Grenze zwischen Theater und bildender Kunst. Seine Arbeiten werden weltweit in Theatern und Museen gezeigt, zudem entwickelte er ›site-specific performances‹ u. a. in Fabriken in Sâo Paulo oder auf Berggipfeln in den Pyrenäen.

Die Agentur A4VR mit Sitz in Düsseldorf ist europaweit führend für Konzepte und Anwendungen in der virtuellen und erweiterten Realität. Gemeinsam mit A4VR konnte die erste Dramaturgie für eine virtuelle Konferenz konzipiert werden.

Was bedeutet es, sich auf eine Person einzulassen, die vollkommen andere Voraussetzungen mitbringt als man selbst? In ›SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP‹ vermessen und feiern Lucy Wilke und Paweł Duduś ihre Beziehung als zärtlichen Pas de deux der Berührungen. Dazu spielt und mischt Kim Ramona Ranalter a.k.a. Kim Twiddle live Musik, die zwischen Meditation und Club changiert. Die Inszenierung war zum Theatertreffen Berlin 2021 eingeladen und wurde 2020 mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie Beste Darsteller:in Tanz ausgezeichnet.

Die Schauspielerin und Sängerin Lucy Wilke wurde mit spinaler Muskelatrophie geboren und benutzt einen Rollstuhl, der Tänzer und Performancekünstler Paweł Duduś bezeichnet sich als Queer-Migrant-Feminist. Gemeinsam haben sie ein intimes, utopisch anmutendes Porträt ihrer Freundschaft entwickelt, die Grenzen sprengt. In einem humorvollen, sanften, sehr sinnlichen Tanz erforschen Wilke und Duduś, was der eigene und der andere Körper ist, wie wir ihn sehen, hören und fühlen, und hinterfragen so zugleich die Stereotypen und normativen Wahrnehmungen in der Gesellschaft und der Kultur. In sieben kurzen Kapiteln setzen die Performer*innen sich öffentlichen Blicken und Ohren aus und begegnen dem Publikum mit einer unbedingten Intimität. ›SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP‹ achtet die Verschiedenartigkeit, feiert das Nicht-Normative und bietet Einblicke in eine alternative Lebens- und Seinsform.

Lucy Wilke (*1984) ist Sängerin, Schauspielerin, Tänzerin, Autorin und Regisseurin. Sie schreibt Drehbücher, inszeniert Theaterstücke und führte Regie bei mehreren Kurzfilmen, Mit ihrer Band BLIND AND LAME tritt sie seit 2013 deutschlandweit auf. Seit Herbst 2020 ist sie festes Ensemblemitglied der Münchner Kammerspiele.

Paweł Duduś (*1989) ist in den Bereichen Tanz, Theater und Performance-Kunst tätig und beschäftigt sich in seinen künstlerischen Arbeiten immer wieder intensiv mit dem Thema Sexualität und Intimität, der Korrelation zwischen sexuellem Ausdruck und Identität und wie gewohnte Muster und Prozesse gebrochen werden können.

Kim Ramona Ranalter (*1981) ist Theatermacherin, Musikproduzentin, Musikerin und DJ* Kim Twiddle und arbeitet am liebsten mit Künstler:innen und Ensembles in interdisziplinären Projekten zusammen.

Lesen Sie hier ein Interview mit Lucy Wilke.

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Das sagt die Presse:

»Eine kleine, richtungsweisende Arbeit (…), die auf atmosphärisch dichte Art eine Freundschaft auslotet.« (Nachtkritik)

»Ein zutiefst intimer Abend, gleichsam berührend und voller Lebensfreude.« (Tanznetz)

»Ein Abend über Nähe, Akzeptanz und Hingabe, ein zärtlich-entspannter Pas de deux der Berührungen und Mikrobewegungen, der eher nebenbei auch unser normatives Sehen befragt.« (taz)

Wo fängt Kunst an, wo hört sie auf? Wann wird etwas zum Kunstwerk? Ist es nur die sorgfältig kuratierte und ausgestellte Kunst, die es zu betrachten gilt? Oder ist Kunst vielleicht alles, was uns umgibt – Orte, Geräusche, Gespräche?


Im Festivaljahr 2021 startet eine langfristig angelegte Kooperation von asphalt mit dem Institut für Medien- und Kulturwissenschaft der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf (HHU). Unter der Leitung von Dr. Kathrin Dreckmann und Alexander Gaida begleiten Studierende kulturschaffende und künstlerische Prozesse vor und während des asphalt Festivals und entwickeln – ausgehend von ihren persönlichen Forschungsschwerpunkten – eigene multimediale Arbeiten.

Das Projekt ›Hidden Stories // BackGrounds‹ rückt Perspektiven aus dem Hintergrund in den Vordergrund. Es nimmt ganz aktuell jeden Aspekt in den Fokus, der Kunst möglich und sichtbar macht: vom monotonen Surren der Straßenbahnen, die die Festival-Spielorte verbinden, bis hin zu den Stage Hands und Techniker*innen, ohne die ein Kunst- und Kulturfestival wie asphalt nicht möglich wäre. Die Studierenden fotografieren während des Festivals mit einer Wärmebildkamera, um äußerliche Merkmale auszublenden, aber die Umrisse des Geschehens dennoch zu erhalten. Außerdem erstellen sie Audioaufnahmen von Stimmen und Geräuschen, führen Interviews mit dem Festivalteam und begleiten die Vorstellungen.

Zum Abschluss des Festivals überlässt asphalt 2021 den Studierenden die Seebühne, um in einem Symposium den Weg von der Idee zum fertigen Projekt zu schildern und sowohl Sound-Installationen als auch Visualisierungen zu präsentieren. Damit reiht sich das Projekt als zusätzliches Element in den demokratischen Dialog über ästhetische Ereignisse ein, der das asphalt Festival ausmacht.

von und mit Carolin Baum, Hava Ezgi Idikut, Helena Krause, Sarah Rüß, 
Dr. Kathrin Dreckmann und Alexander Gaida

Ursi Pfennig vereint Nostalgie mit Wagemut. Auch wenn Ursi eine Kunstfigur ist, die divenhaft über den Dingen schwebt, so ist sie spürbar und authentisch. Sie könnte als Freundin von Hildegard Knef durchgehen, nur singender. Ihre Songs bewegen sich zwischen Leichtigkeit und Melancholie, mit einem subtilen ironischen Twist – lässig, nie aufgesetzt und doch selbstbewusst. Ursi Pfennig sucht den Dialog mit dem Publikum und ihren Mitmusikern. So ist sie unterhaltsam und etwas unberechenbar. Wenn Ursi auf der Bühne erscheint – wer weiß, wonach ihr der Sinn steht?

Anikó Kanthak, in Köln lebende Songschreiberin, Sängerin, Produzentin, ist Ursi Pfennig. Nach zwei Jahren auf der Suche nach einem passenden Sound für deutsche Songs folgte Anikó einer Vision und arrangierte im Homestudio Musik im Stil von Songschreibern wie James Taylor und Joni Mitchel. »Mit deutschen Texten diese Anmutung und Stimmung in einem Bandkonzept zu vereinen – das wollte ich.« Schön und atmosphärisch sollte es werden, folkig, nah und deutschsprachig – aber nicht profan oder zu kitschig: »Kurz vor’m Schlager abbiegen«, lautet Anikós Devise.

»Als ich begann die Stücke zu mischen, gab es auf einmal einen Aha-Moment. Es stimmte alles für mich: der Sound, der Gesang, die Haltung, das Tempo. Nur mein Name, der schien nicht mehr zu passen.« So entstand ein Alter Ego mit der Freiheit, das Innerste kunstvoll auszudrücken: Ursi Pfennig!

Ihre Lieder sind getaucht in Nostalgie, mit einer Stimmfarbe, die etwas mehr Vibrato, weniger Soul und etwas tiefere Register verträgt. Die Tempi sind gedrosselt, Schlagzeug und Bass tragen die Stimme, ohne zu pumpen. Dazu weben sich Akustik- und Lap-Steel-Gitarre als Teppich um die atmosphärischen Bilder der Songs.

Anikó Kanthak war bereits 2020 mit ihrem Duo-Projekt Invisible Twins auf der Seebühne zu Gast.

Die Projektserie ›Dramaturgie für eine Konferenz‹ des argentinischen Künstlers Matías Umpierrez schafft Raum für Denker*innen und Künstler*innen, gemeinsam Fragen der Zeit performativ zu untersuchen. Im Auftrag von Umpierrez haben Einat und Eyal Weizman ein Manual mit dem Titel ›Negative Evidenz‹ verfasst, das vier indigenen Performerinnen zur Verfügung gestellt wurde, damit sie auf dessen Basis eine Performance entwickeln. Die Künstlerinnen haben acht Tage Probezeit vor Ort, um sich mit dem Manual und der Piazza im K21 auseinanderzusetzen. Jede kreiert für jeweils einen von vier aufeinanderfolgenden Abenden eine Solo-Performance.

Die Performerinnen stellen jeweils einen konkreten Fall ins Zentrum einer künstlerischen Arbeit, die kolonialistische Strukturen in ihren Herkunftsländen entlarvt. Die Inuk-Performerin Laakkuluk Williamson Bathory aus Kanada, die Xhosa-Choreografin Mamela Nyamza aus Südafrika, die indische Performerin Mallika Taneja und die isländische Choreografin Erna Ómarsdóttir folgen dem im Manual vorgegebenen Pfad ›forensischen Theaters‹. Auf diese Weise wird die Piazza im K21 zum Schauplatz für Wahrheit. Ein Podium am letzten Veranstaltungsabend mit u. a. Umpierrez und den Performerinnen eröffnet schließlich das Gespräch mit der Stadtgesellschaft.

Das Manual ist eine Anleitung, um Dokumentartheater neu zu definieren. Ausgangspunkte liefern Tweets, Blogs, Fotos, Artikel, Videos – Dokumente des 21. Jahrhunderts. Es wird analysiert, was eine wahre Aussage heute ausmacht und ob Kunst der Wahrheit zu einem neuen, kraftvollen Ausdruck verhelfen kann.

Einat Weizman ist Dramatikerin und Regisseurin. Ihr dokumentarisches Theater untersucht ›blinde Flecken‹ der israelischen Realität. Eyal Weizman ist Architekt, Schriftsteller, Professor für Spatial and Visual Cultures und Direktor des Centre for Research Architecture am Goldsmiths College in London. Seine Forschungsagentur ›Forensic Architecture‹ untersucht Verbrechen gegen die Menschlichkeit.

Matías Umpierrez gilt als einer der innovativsten Theaterregisseure Lateinamerikas, seine Projekte u. a. mit seiner Compagnie Plataforma Fluorescente bewegen sich zumeist an der Grenze zwischen Theater und bildender Kunst. Seine Arbeiten werden weltweit in Theatern und Museen gezeigt, zudem entwickelte er ›site-specific performances‹ u. a. in Fabriken in Sâo Paulo oder auf Berggipfeln in den Pyrenäen.

An diesem besonderen Abend begegnen sich mit Helem Nejse und Smoke Mardeljano zwei herausragende Hip-Hop-Acts des Balkans auf der Seebühne – zuerst treten sie in jeweils eigenen Sets auf und performen anschließend gemeinsam.

Das Hip-Hip-Trio Helem Nejse aus Sarajevo hat ein Wirkungskreis weit über Bosnien hinaus. Admir Čular, Amer Čanković und Tihomir Radić sind Musiker, Radio- und Podcast-Redakteure, MCs und Schauspieler. Sie haben drei Studioalben, das Theaterstück ›Sarajevski dani terorizma‹, einen Podcast und die Zeichentrickserien ›Bruca Braca Bruda Brada‹ veröffentlicht. In ihrer eigenen Radioshow, von der bislang mehr als 200 Folgen gesendet wurden, sind einige der faszinierendsten und kontroversesten Figuren des Balkans zu Gast.

Helem Nejse kombinieren in ihrer Musik Rap, Reggae, Rock, Ethno und Dub, ihre oftmals humorvollen Texte handeln von Liebe, sozialem Engagement und nehmen aktuelle gesellschaftliche Ereignisse in den Blick. Ein Konzert von Helem Nejse ist immer ein dynamisches und energiegeladenes Spektakel. Ihre Livequalitäten haben sie bereits bei zahlreichen Konzerten auf dem Balkan unter Beweis gestellt, solo und auf Festivals wie Exit, Seasplash, Mostar Summer Fest oder Ferragosto JAM.

Smoke Mardeljano ist der vielleicht prominenteste MC Serbiens und auf den Straßen von Belgrad aufgewachsen. Nach seiner Kindheit in einem Stadtteil, der im Volksmund ›Vietnam‹ genannt wird, lebte er in einer Besserungsanstalt für Jugendliche. Sein schwieriges Schicksal wurde 2016 in dem prämierten Dokumentarfilm ›Ja repujem‹ einer breiten Öffentlichkeit bekannt. Heute zählt Smoke Mardjeljano zu den wichtigsten und populärsten Rappern auf dem Balkan.

Das sagt die Presse:

»Diese neue Generation von kreativen Musikern aus Sarajevo schafft es, mit ihrem spezifischen musikalischen Ausdruck voller aktueller Club-Rhythmen, mit einem Schwerpunkt auf Hip-Hop/Rap, Trap, Reggae, Dancehall, Dubstep und Rock das Beste zu vereinen, was die Sarajevoer Rockschule in den letzten 40 Jahren hervorgebracht hat.« (Nacional)

In bewährten und zum Teil brandneuen Geschichten geht Frank Goosen auf eine sentimentale Zeitreise. Die Älteren werden sagen: So ist es gewesen! Und die Jüngeren: Habt ihr wirklich so ausgesehen?

Die achtzigerjahre sind bekanntlich das Lieblingsjahrzehnt der Deutschen. Grund genug für Frank Goosen, die Dekade von Schulterpolster, Karottenjeans und Zauberwürfel noch mal speziell zu würdigen. Die Schrecken der Pubertät im Schatten der Mauer sind ebenso ein Thema wie Petting und Pershing, Föhnfrisuren und Pastellfarben, Waldsterben und der ewige Helmut. Wie haben sie geklungen, die Achtziger, wie haben sie ausgesehen, was haben wir erlebt, da draußen in der sogenannten Wirklichkeit, bevor es das Internet gab? 

Frank Goosen hat neben seinen erfolgreichen Büchern, darunter ›Raketenmänner‹, ›Sommerfest‹ und ›Liegen lernen‹, zahlreiche Kurzgeschichten und Kolumnen in überregionalen Publikationen und diversen Anthologien veröffentlicht. Darüber hinaus verarbeitet er seine Texte teilweise zu Soloprogrammen, mit denen er deutschlandweit unterwegs ist. Einige seiner Bücher wurden dramatisiert oder verfilmt. Frank Goosen lebt mit seiner Frau und seinen beiden Söhnen in Bochum. 

Das sagt die Presse:

»Ehrfürchtig, präzise und humorvoll beschreibt Frank Goosen (…) die Jahre, in denen in seiner Heimatstadt Bochum der erste McDonald’s eröffnet und die Hochöfen stillgelegt wurden.« (WDR 5)

»Eine bittersüße Nostalgie« (Westfälischer Anzeiger)

Diese Musik ist purer Groove: Das Trickster Orchestra unter der Leitung der bekannten Jazzsängerin Cymin Samawatie besteht aus hochklassigen Solist*innen vieler verschiedener Nationen. Dem Ensemble aus Berlin gelingt es auf spektakuläre Weise, eine aus vielen Kulturen gespeiste gemeinsame, zeitgenössische Musiksprache zu entwickeln, die Neue Musik, Klassik, Elektronik, Jazz, Pop, Hip-Hop und Improvisation vereint. Das Trickster Orchestra nutzt Traditionen dabei als Werkzeugkästen, um Ideen für musikalische Innovationen freizusetzen. Das Kollektiv, das in wechselnden Besetzungen auftritt, umfasst etwa 50 virtuose Musiker*innen und Sänger*innen aus den unterschiedlichsten Genres – Mitglieder der Berliner Philharmoniker sind ebenso dabei wie beispielsweise der preisgekrönte Instrumentalvirtuose Wu Wei, der meisterlich die traditionelle chinesische Mundorgel Sheng beherrscht. Bei seinem Konzert auf dem asphalt Festival stellt das Trickster Orchestra sein erstes Studioalbum vor, das am 23. April 2021 bei ECM erschienen ist.

Gegründet wurde das Trickster Orchestra 2013 von der Sängerin Cymin Samawatie und dem Perkussionisten Ketan Bhatti, die bereits im namhaften Berliner Jazzquartett Cyminologie zusammenspielen. Laut Cymin Samawatie macht Trickster so besonders, »dass es aus sehr starken und individuellen Persönlichkeiten besteht, die jeder für sich Großes erreicht haben. Für dieses Projekt treten sie aus ihrer individuellen musikalischen Blase heraus und schließen sich zusammen, um eine neue, gemeinsame musikalische Welt zu erschaffen.« Konzerte des Orchesters beschreibt die Presse als »funkensprühende Mischung mit inspirierter Kraft und zu Herzen gehender Musikalität« (Westdeutsche Zeitung).

Das Trickster Orchestra spielte u. a. beim ›Schönes Wochenende‹-Festival für Modernes Hören der Tonhalle Düsseldorf, bei #bebeethoven in der Bundeskunsthalle und Outernational im Berliner Radialsystem, beim Jazzfest Berlin, Silk Road Festival Baku und Modara – Fest für Zeitgenössische Musik in Berlin. Neben Konzerten entwickelt das Ensemble neue Formate mit zeitgenössischem Tanz, Wissenschaftsdiskurs und aktueller Lyrik.

Das sagt die Presse:

»Sie nutzen traditionelle Spieltechniken ihrer Heimat, bedienen sich aus Jazz, Zwölfton- und serieller Musik. Sie improvisieren, suchen, finden und verlieren sich, eine babylonische Sprachverwirrung auf musikalischem Spitzenniveau.« (Die Zeit)

»Man hat selten so wenig klischeehafte Musik in einem solchen Rahmen gehört. Sagenhafte Stimmen und zeitlose Klänge. Die Künstler lassen sich in starker Weise aufeinander ein.« (RBB Kulturradio)

»It’s not a mosaic, but it is a kaleidoscope. Each musician retains her or his own tuning and vocabulary. The various tones, textures and idiomatic accents are overlapped, juxtaposed and filtered through each other, creating something much more interesting than a flavourless fusion. Trickster Orchestra is an impressive example of giving musicians of high skill and inquiring minds the chance to find new paths.« (The Blue Moment)

Das Mivos Quartet widmet sich der Aufführung von Werken zeitgenössischer Komponist*innen und der Präsentation neuer Musik und begeistert damit ein großes Publikum.  Für das asphalt Festival hat das New Yorker Streicherensemble ein spektakuläres Programm zusammengestellt.

Im ersten Teil ›Inspired by …‹ sind ›luminous animal‹ von Michaela Catranis, ›Glance / I don’t Belong Here‹ von Hannah Kendall und ›Mirror Mirror‹ von Peter Kramer zu hören – drei junge, aufstrebende Komponist*innen der zeitgenössischen US-amerikanischen Musikszene. Jedes Stück ist von einem Kunstwerk aus einem anderen Medium inspiriert – Poesie, Fotografie und Prosa. Die Komponist*innen nähern sich den Originalen auf jeweils einzigartige Weise und schaffen Musik, die ihre eigene künstlerische Stimme und Sprache zum Ausdruck bringt.

Das zweite Set ist mit ›Improvisation / Experimentation / Exploration‹ betitelt und präsentiert drei Pioniere der zeitgenössischen Musik. Zu hören ist ›Sixfivetwo‹ von Pulitzer-Preisträger Henry Threadgill, der Improvisation als Schlüsselelement für seine Musik nutzt. Obwohl der größte Teil dieses Stücks ausnotiert ist, wird jedem Mitglied des Quartetts Raum zur Improvisation gegeben. Es folgt ›String Quartet No. 4‹ von Sofia Gubaidulina, die transzendentale Mystik, grafische Notation, experimentelle Perkussion und dramatische Kontraste zu einer der ikonischsten Kompositionssprachen der Neuen Musik verbindet. Ihr viertes Streichquartett fügt vorproduzierte, ätherische Elektronik hinzu, um der Musik noch mehr klangliche Tiefe zu verleihen. Im ›String Quartet 2.5 – Playing With Seeds‹ von George Lewis verwebt der Komponist, Improvisator, Posaunist, Wissenschaftler und Pionier der elektronischen Musik die verschiedenen Fäden seines facettenreichen musikalischen Lebens. Sein kaleidoskopisches Werk behandelt das Streichquartett wie eine vierköpfige Hydra, die sich in allen möglichen Kombinationen auseinander und zusammen bewegt.

Seit seiner Gründung 2008 arbeitet das Mivos Quartet eng mit einer immer größer werdenden Gruppe internationaler Komponist*innen zusammen, die verschiedene Ästhetiken der zeitgenössischen klassischen Komposition repräsentieren. Das Streichquartett trat bei renommierten Konzertreihen wie der New Yorker Phil Biennale, Wien Modern, den Internationalen Ferienkursen für Neue Musik Darmstadt, Shanghai New Music Week (Shanghai, China), Música de Agora na Bahia (Brasilien), Aldeburgh Music (UK) und Lo Spririto della musica di Venezia (Italien) auf. Beim asphalt Festival war Mivos bereits mehrfach zu Gast und spielte zahlreiche Kompositionen von Bojan Vuletic.

Mivos engagiert sich für die Vergabe von Kompositionsaufträgen und die Uraufführung neuer Musik für Streichquartett und strebt eine enge Zusammenarbeit mit Komponist*innen über längere Zeiträume an. Jedes Jahr vergibt das Quartett außerdem den Mivos/Kanter String Quartet Composition Prize, der zur Unterstützung der Arbeit von aufstrebenden Komponist*innen ins Leben gerufen wurde, sowie den I-Creation-Preis, einen Wettbewerb für Komponist*innen chinesischer Abstammung. Neben der Erweiterung des Streichquartett-Repertoires widmet sich Mivos auch der Zusammenarbeit mit Gastkünstler*innen, der Erforschung multimedialer Projekte mit Live-Video und Elektronik sowie der Aufführung improvisierter Musik. Das Quartett ist Preisträger des Dwight and Ursula Mamlok Prize for Interpreters of Contemporary Music 2019.

Die belgische Singer-Songwriterin Meskerem Mees, gerade einmal 21 Jahre jung, verzaubert mit gefühlvollen, von Folk und Soul beeinflussten Balladen. Kraftvoll und sanft zugleich, erinnert ihre Ausstrahlung an Nina Simone und Joni Mitchell.

Um ihre vielschichtigen und sorgsam komponierten Songs zu performen, braucht Meskerem Mees nicht mehr als ihre faszinierende Stimme, ihre Akustikgitarre und ihre Freundin Febe am Cello. Ihre eingängigen Melodien und Refrains haben großes Ohrwurm-Potenzial.

2020 eroberte Meskerem Mees Belgien mit großartigen Cover-Versionen von Nirvana, den Jackson 5, Justin Bieber und anderen, von deren Kultsongs sie sehr persönliche, unglaublich zarte Neuinterpretationen vorlegte. Ihre Debütsingle ›Joe‹, eine bezaubernde Folkballade, lief im belgischen Radio in heavy rotation und ließ auch ausländische Musiksender wie Consequence of Sound (USA) und FIP Radio (Frankreich) auf die junge und talentierte Frau aus Gent aufmerksam werden. Der 1. Platz bei ›Humo’s Rock Rally‹ 2020, einem in Belgien sehr populären und traditionsreichen Musikwettbewerb, bildete einen weiteren Meilenstein in ihrer aufstrebenden Karriere: »Von der Bühnenpräsenz über die Songs bis hin zu Stimme und Gitarrenspiel: ein selten gesehenes Solotalent«, urteilte die Jury.

Ihre erste Clubtour mit mehr als einem Dutzend Konzerten in Belgien, Luxemburg und den Niederlanden fiel dieses Frühjahr weitgehend Corona zum Opfer. Umso mehr Energie steckte Meskerem Mees in die Produktion ihres Debütalbums, das Ende 2021 erscheinen wird.

Gesang, Gitarre: Meskerem Mees

Cello, Background-Gesang: Febe Lazou

maywayrecords.com/artists/meskerem-mees

Wäre die Pandemie nicht dazwischengekommen, hätten FHEELS den Sprung von intimen Clubshows auf die großen Bühnen vermutlich bereits geschafft. Die Band aus Hamburg hat 2021 ihr erstes Studioalbum ›Lotus‹ vorgelegt und spielt im Bereich des anspruchsvollen Alternative Rock international auf Augenhöhe mit Elbow oder Radiohead. Regelmäßige Touraktivitäten in den deutschen Musikmetropolen und Dutzende Liveshows in ausgesuchten Clubs haben die Band mit ihrem im Rollstuhl sitzenden Sänger und Gitarristen Felix Brückner seit fünf Jahren kontinuierlich im Gespräch gehalten.

FHEELS bewegen sich musikalisch durch Rock, Jazz und Psychedelic Prog, bauen Brücken zwischen Rock-Vergangenheit und -Moderne, vereinen Anspruch und Eingängigkeit ebenso wie künstlerischen Wagemut und musikalisches Können.

Frontmann Felix Brückner, der seit einem Snowboarding-Unfall mit 17 Jahren querschnittsgelähmt ist, hat an der Hamburg School of Music Gesang und Gitarre studiert. Bereits seit Studientagen spielt er mit Schlagzeuger Justus Murphy zusammen. Die Band komplettieren Keyboarder Tobias Nitzbon und Bassist Jens Boysen. Auf ›Lotus‹ sind düstere Grungerock-Gitarren und apokalyptische Rock-Hymnen genauso zu entdecken wie lyrische Melodiebögen, tanzbare Leichtigkeit und eine Prise Soul. FHEELS-Sänger Brückner erschließt mit seinem sehr intimen und persönlichen Songwriting und seinen unkonventionellen Stimmfacetten immer wieder überraschende neue Horizonte.

Wie kann eine partizipative Stückentwicklung aussehen, die diverse Sichtweisen vereint und kollaborativ neue Narrative für die Bühne entwickelt? Das Team von ›BITTER (SWEET) HOME‹ stellt sich dieser Herausforderung. Ein sechsköpfiger ›writers’ room‹ mit BPoC-Autorinnen (BPoC = Black and People of Color) arbeitet seit April 2021 an neuen Methoden und Inhalten für Theatertexte mit antirassistischer Haltung. Wie wollen wir miteinander arbeiten? Welche Strukturen brauchen wir? Welche Geschichten wollen wir erzählen und für wen? Mit diesen und mehr Fragen beschäftigen sich die Autorinnen. Bis Juni werden sie kollaborativ ein Theaterstück entwickeln, dessen Narrative aus den unterschiedlichen Kompetenzen, Sichtweisen und Erfahrungsräume der Autorinnen schöpft. Das Ziel: Eine Sprechtheaterproduktion für vier Schauspieler*innen, die flexibel an unterschiedlichen Spielorten gezeigt werden kann. Die entstehende Inszenierung stellt die Ergebnisse des ›writers’ room‹ auf die Probe und soll im August 2021 in Düsseldorf uraufgeführt werden.

Im Rahmen des asphalt Festivals 2021 präsentiert das Ensemble von ›BITTER (SWEET) HOME‹ erste Ausschnitte aus dem Projekt. Wenige Wochen vor Premiere gewährt es bei einer szenischen Lesung Einblicke in die Ergebnisse des ›writers’ room‹ und der gemeinsamen Arbeit. Im Anschluss lädt das Team zum Nachgespräch.

Geleitet wird das Projekt von Julia-Huda Nahas. Sie ist freischaffende Regisseurin, Autorin und Kulturpädagogin mit einem Schwerpunkt auf strukturellem Rassismus und den Auswirkungen einer europäischen Flüchtlingspolitik. Emel Aydoğdu ist Regisseurin, Dramaturgin und Autorin und für ›BITTER (SWEET) HOME‹ als Lektorin Teil des ›writers’ room‹. Neben der Arbeit für städtische Bühnen sind beide verstärkt in der freien Szene tätig.

Autorinnen: Bernice Lysiana Ekoula Akouala, Rosina Kaleab, Fatima Remli, Sarah Claire Wray
Künstlerische Leitung: Julia-Huda Nahas
Lektorat, Dramaturgie: Emel Aydoğdu

Die Besetzung der Inszenierung wird in Kürze bekannt gegeben.

bittersweethome.de

Es ist praktisch unmöglich, nicht an den Lippen von Emy Kaboré zu hängen: Obwohl kaum 21 Jahre alt, gilt die in Paris geborene Belgierin bereits als großes musikalisches Talent. Mit ihrer unverwechselbaren Soul-Stimme drückt sie ihre intimsten Gedanken und Gefühle aus. Sie bewegt und lässt niemanden unberührt.

Umso verblüffender, dass Emy Autodidaktin ist: Erst im Sommer 2015 kaufte sie sich ihre erste Gitarre und begann aus reiner Intuition Musik zu machen – zunächst als Solokünstlerin. Ihre emotionalen, ergreifenden Songs brachten ihr den dritten Platz bei der ›Humo’s Rock Rally‹ 2018 ein, einem in Belgien sehr populären und traditionsreichen Wettbewerb für Rockbands. Damals urteilte die Presse: »Mit nur 18 Jahren vermittelt Emys Stimme mehr Gefühl, Leben und Dringlichkeit als die der letzten acht Hooverphonic-Sänger zusammen.«

Dieser frühe Erfolg zementierte Emys Entschluss, ihre Karriere ernsthaft fortzusetzen, nun allerdings mit Unterstützung einer Band. Mittlerweile erkundet sie in Begleitung von zwei wunderbaren Musikern das Neo-Soul-Genre, die ihrem Repertoire ein grooviges und doch progressives Gefühl hinzufügen und die ihre natürlich-soulige Stimme instrumental ergänzen. Fans von Billie Eilish, Erykah Badu und Hiatus Kaiyote werden EMY lieben. Ihre Debütsingle ›Freestyle‹ (2020) wurde von zahlreichen belgischen und französischen Radiosendern gespielt, der Nachfolger ›Inconvenient‹ (2021) könnte den Auftakt zu einem internationalen Durchbruch markieren. Für 2022 ist das Debütalbum von EMY geplant.

Das sagt die Presse:

»Mit Emy hat Flandern seine eigene Amy Winehouse.« (dansendeberen.be) 

Wer hat da mit Ihnen gesprochen?
War es jemand im Inneren des Fahrrads?
Oder war es das Fahrrad selbst?
Sollten Sie sich ihm nähern?
Moment … – werden Sie beobachtet?
Ist das eine Show?
Wo ist der Darsteller?
Und sollten Sie mitspielen?

In dieser interaktiven Installation erforscht der Puppenspieler und Regisseur Ariel Doron, wie Puppenspiel in Zeiten der Pandemie aussehen kann. Durch die Verwendung verschiedener unbelebter Objekte und einer Kommunikation mit dem Publikum, die keinen agierenden Darsteller erfordert, verschwimmt die Grenze zwischen Performer, Publikum und Performance. Doron konfrontiert Passant*innen damit, sich mit dem eigenen Handeln auseinandersetzen zu müssen, und stellt ganz nebenbei auch Fragen nach Macht, Verantwortung und Vertrauen.

Ariel Dorons absolvierte ein Filmstudium an der Universität Tel Aviv, studierte Figurenspiel u. a. an der School of Visual Theatre in Jerusalem und nahm an zahlreichen Puppenspielkursen und Meisterklassen in Israel und Frankreich teil. Der gebürtige Israeli animiert Puppen für zahlreiche Fernseh- und Kinoproduktionen und spielt den beliebten Charakter ›Elmo‹ in der israelischen ›Sesamstraße‹. Als Dozent und Vortragsredner ist er u. a. an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart, der UQAM Université de Québec à Montréal und der Central School of Speech & Drama, London tätig. Seine Produktionen haben zahlreiche Preise gewonnen und werden regelmäßig zu internationalen Festivals und Theatern in Europa, Asien und Nordamerika eingeladen. 2017 war Doron beim asphalt Festival bereits mit ›Plastic Heroes‹ zu Gast, 2020 mit ›Boxed‹.

Die Tänzer Takao Baba und Patrick ›TwoFace‹ Williams und drei Musiker des transkulturellen Babylon ORCHESTRA setzen sich in der neuen Arbeit ›2 Legit‹ mit Werten und Tugenden der Jugendkultur auseinander. ›Legit‹ ist von ›legitimate‹ entlehnt und ein Slangwort, das vor allem in der Hip-Hop-Szene Verwendung findet – etwa in ›2 Legit 2 Quit‹ (1991), einem der größten Hits von MC Hammer. Wenn etwas ›legit‹ ist, hat es Authentizität und ›Realness‹.

Welche Bedeutung hat es heute für junge Menschen, wahrhaftig, geradlinig und echt zu sein – insbesondere in einer Welt, in der die permanente Selbstdarstellung in den sozialen Medien eine zentrale Rolle spielt? Haben Tugenden wie Aufrichtigkeit und Ehrlichkeit in unterschiedlichen Kulturen den gleichen Stellenwert? Was klingt authentisch, was sieht nach ›fake‹ aus und wie schnell kann man über die Realität hinwegtäuschen?

Die Künstler interpretieren durch Musik und Tanz ihre persönliche Beziehung zu den Tugenden. Dabei treffen Tanzstile wie Popping, Tutting oder Waving auf die Klänge arabischer Instrumente, japanische Harmonien und elektronische Beats. Die Begegnung von Musik und Tanz auf Augenhöhe und die gemeinsame Auseinandersetzung der Künstler mit dem Thema regt völlig neue Formen der Bewegung und des Zusammenspiels an. Tanz und Musik bilden eine spannende Erkundung des Zusammenlebens verschiedener Kulturen und Wertevorstellung in unserer Gesellschaft ab.

›2 Legit‹ ist die zweite gemeinsame Arbeit von Mischa Tangian, Komponist und Gründer des Babylon ORCHESTRA, und dem japanischen Choreografen Takao Baba, der seine künstlerischen Wurzeln im Hip-Hop hat. Tanzsolist Patrick Williams a.k.a. Two Face ist Mitglied der weltbekannten zeitgenössischen Tanzkompanie East Man unter der Leitung von Sidi Larbi Cherkaoui. Als aktiver TikToker hat er mehr als 170.000 Follower.

›Rom‹ heißt in allen Romanes-Dialekten ›Mensch‹. Sinti:zze und Rom:nija sind Teil unserer Gesellschaft. Sie leben und arbeiten – einige erst seit kurzem, andere schon seit Jahrhunderten – mitten in unserer gemeinsamen Welt. Aber was weiß man eigentlich über sie? Die Klischees und Vorurteile sind schnell bei der Hand: wahrsagende Frauen mit langen Röcken, Familien, die in der Fußgängerzone Musik machen, oder Menschen, die in Bussen und Bahnen andere bestehlen. Aber auch die Verheißung von Ungebundenheit und Freiheit umgibt Sinti:zze und Rom:nija. Ob nun aber verachtend oder romantisierend überhöht: All das hat mehr mit denen zu tun, die drauf gucken als mit denen, die gemeint sind. Die Diskriminierung der Sinti:zze und Rom:nija hat eine lange, beschämende Tradition. Dass die Mehrheitsgesellschaft wenig über ihre Kultur und Gebräuche weiß, hat teils schwerwiegende Konsequenzen für den Alltag dieser Menschen in Deutschland.

Vor dem Hintergrund immer noch stark anhaltender Vorurteile und daraus resultierender Diskriminierungserfahrungen beleuchtet Regisseur Stefan Herrmann, der selbst aus einer Sinti-Familie stammt, einige Lebensgeschichten dieser Bevölkerungsgruppe. Zusammen mit Rom:nija aus Düsseldorf hinterfragt er in einer performativen Shuttle-Tour das gemeinsame Zusammenleben. Jeder Mensch hat bestimmte Vorstellungen von Stereotypen und Klischees. Aber wie entstehen diese eigentlich und was macht es mit denen, die damit beschrieben werden? Wie kann Sichtbarkeit in einer Welt voller Vorurteile funktionieren? Wie kann ein Miteinander gleichberechtigt und auf Augenhöhe gestaltet werden? In Zeiten einer zunehmend vehementer argumentierenden Identitätspolitik wird es immer schwieriger sich zu verständigen. Wie kann eine pluralistische Gesellschaft funktionieren? Wie schafft man wirkliche gesellschaftliche Veränderung? ›ROM / MENSCH‹ führt eindrucksvoll vor Augen, wie notwendig respektvolle und menschliche Begegnungen für ein gemeinsames Zusammenleben sind.

Das Publikum begibt sich pro Vorstellungstermin in sechs Gruppen à sieben Zuschauer*innen per Großraumtaxi zu verschiedenen Stationen auf eine Reise durch die Stadt. Auf den Fahrten hört es Lebensgeschichten Düsseldorfer Rom:nija. Die einzelnen Spielorte liegen in Flingern und Lierenfeld und haben für die Düsseldorfer Rom:nija eine historische Bedeutung, aber auch ganz konkret mit ihrem Alltag zu tun. 

Stefan Herrmann, geboren 1976 in Hamburg, hat sein Regiehandwerk u. a. als Assistent bei Zadek, Peymann, Tabori, Langhoff und Lösch gelernt und war an verschiedenen Theatern in Deutschland engagiert, etwa an den Hamburger Kammerspielen, dem Berliner Ensemble und dem Staatstheater Stuttgart. Er bewegt sich als Regisseur zwischen Produktionen mit Profischauspieler:innen an Stadttheatern und freien Produktionen mit den sogenannten ›Expert:innen des Alltags‹, die er meist mit seinem Kollektiv ›The Beautiful Minds‹ realisiert. 2017 gewann seine Inszenierung von ›Michael Kohlhaas‹ den deutschlandweit renommierten Monica-Bleibtreu-Preis. Seit mehr als zehn Jahren entwickelt Hermann partizipatorische und biografische Theaterprojekte zu gesellschaftlich relevanten und brisanten Themen. Er ist außerdem Schauspieldozent und lebt mit seiner Familie in Bonn.

mit Düsseldorfer Rom:nija 

Regie: Stefan Herrmann
Dramaturgie: Juliane Hendes

Siehe da: der Mensch, das soziale Wesen. Isoliert auf der Insel des Frusts. Eingesperrt in den eigenen vier Wänden. Was entdeckt man durch Einsamkeit und Sperren? Was kommt an die Oberfläche? Wie konfrontiert man sich in der Isolation auf seiner Zwangsinsel mit all den unter den Teppich gekehrten Ängsten und Sehnsüchten? Wie zerstört man seine unsichtbaren Wände, wie findet man Verbindung auf Distanz?

Nach ihrem erfolgreichen Debüt bei ›asphalt auf See 2020‹ lassen sich die soMermaids erneut am Schwanenspiegel nieder und entwickeln einen einzigartigen, aberwitzigen, ortsspezifischen Soloabend für die Seebühne. In ›ISLAND OF F*CKED UP HEARTS (ECCE HOMO INSULARIS)‹, so der vollständige Stücktitel, wird die schwimmende Spielfläche zu einer Insel der Einsamkeit, auf der äußerst humorvoll alle Masken fallen.

Das Künstlerduo soMermaids sind die Schauspielerin Adrienn Bazsó und die Regisseurin Panni Néder. Die beiden in Berlin lebenden, ursprünglich aus Ungarn stammenden Theatermacherinnen begreifen sich als multidisziplinäre feministische Künstlerinnen, erforschen die unterschiedlichen Formen des autobiografischen und dokumentarischen Theaters und verflechten diese mit Bewegung, Gesang oder Videokunst. Ihre Bühnenstücke zeichnen sich besonders durch ein ehrliches und berührendes Aufeinandertreffen von Publikum und Akteur*innen aus. 

Das sagt die Presse:

»Eine Mischung aus ehrlicher, zweiflerischer, ironischer Selbsterkundung« (Rheinische Post)

»Kurzweilig, bisweilen humorvoll, häufiger nachdenklich, verbrämt im Mantel der Poesie. Da weiß man oft nicht, ob man lachen, weinen oder in den weiten Himmel hinter der Bühne schauen soll.« (Kulturmagazin O-Ton)

»I’d been running a sort of jazz club near Sendagaya Station. It wasn’t so big, or so small, either. We had a grand piano and just barely enough space to squeeze in a quintet. (…) Most people I knew had predicted that the bar wouldn’t do well. Well, their predictions were totally off.« – Haruki Murakami

Das literarische Werk des japanischen Weltschriftstellers Haruki Murakami liest sich bisweilen wie eine Liebeserklärung an die Musik, zahlreiche musikalische Referenzen durchziehen seine Romane und Erzählungen. Bevor er mit dem Schreiben begann, betrieb Murakami selbst einen Jazzclub in Tokio. Dorthin möchte Pianist Sebastian Gahler das asphalt-Publikum in seinem neuen Konzertprogramm entführen. Es umfasst bislang ungehörte Kompositionen Gahlers, mit denen einige von Murakamis bekanntesten Romanfiguren musikalisch zum Leben erweckt werden, aber auch neue Arrangements von Jazzstandards, die in Murakamis Geschichten eine Rolle spielen. Wie klingen wohl Aomame oder Tengo aus ›1Q84‹, wie hört sich Kafka aus ›Kafka am Strand‹ an? In modernen, jazzigen Portraits werden Murakami-Leser*innen diese und andere Figuren neu entdecken können. ›Invitation to Murakami’s Jazz Club‹ bietet die besondere Gelegenheit, sich dem literarischen Kosmos Murakamis auf einer Konzertbühne zu nähern.

Der Düsseldorfer Sebastian Gahler ist Jazz-Pianist und Komponist. Er leitet mehrere etablierte Konzertreihen in seiner Heimatstadt und trägt großen Anteil daran, dass die hiesige Jazzszene so lebendig ist. Das Sebastian Gahler Trio ist eine etablierte Größe in der deutschen Jazzlandschaft. Gahler erhielt 2011 den Förderpreis der Stadt Düsseldorf für Musik.

Der Saxofonist Denis Gäbel aus Köln zählt in der deutschen Jazzszene zu den stärksten Vertretern seines Fachs. Er trat mit Musikern wie Antonio Faraò, Billy Cobham und Jiggs Whigham auf und spielte auf Festivals wie WDR 3 jazz.cologne, Jazzopen Stuttgart oder Enjoy Jazz. Gäbel ist Dozent für Jazz-Saxofon an der Musikhochschule Mainz.

Das sagt die Presse:

»Sebastian Gahler ist einer der faszinierendsten Jazzpianisten Deutschlands.« (Jazz thing)

Romeo stirbt, weil der Bote mit der rettenden Nachricht wegen der Pest (›plague‹) aufgehalten wird und in Quarantäne muss. In ›Romeo & Julia‹ sterben die jungen Leute, alle jungen Leute, während die Alten überleben.

Die Pest, jedenfalls, ist verschwunden: Keine Spuren hinterlassen, wir spuren schon genug – und spüren nicht genug! Es sind die Seelen, die sich lieben; Körper stoßen zusammen wie Autos. Um als Phönix aus der Asche aufzuerstehen, müssen wir wohl zunächst selbst Asche werden: Wir arbeiten daran. Keine Asche ohne Feuer, keine Liebe ohne Feuer. Keine Angst vor Entzündung und Ansteckungsgefahr?

›Romeos & Julias unplagued‹ ist nach ›Jewrope‹ und ›Solidaritot‹ die dritte Zusammenarbeit von bodytalk (Münster) und der polnischen Tanztheater-Compagnie Polski Teatr Tańca (Poznan). ›Jewrope‹ gewann den Kölner Tanztheater-Preis, ›Solidaritot‹ wurde im Jahrbuch des Magazins ›tanz – Zeitschrift für Ballett, Tanz und Performance‹ als ›Aufführung des Jahres‹ und Yoshiko Waki als ›Choreografin des Jahres‹ benannt, die »Tanz als dionysische Exaltation gegen das Repressive zelebriert«.

bodytalk wurde 2008 von Rolf Baumgart und Yoshiko Waki gegründet und produziert politisches Tanztheater mit starken Bildern und einer schier unerschöpflichen Energie. Ihre Arbeiten werden von der Presse als ›Labor der Darstellenden Künste‹ bezeichnet. Ausgangspunkt jeder Produktion ist die Frage, was passiert, wenn Tanz und Realität zusammenstoßen. Seit Herbst 2016 ist bodytalk Artist in residence im Theater im Pumpenhaus in Münster.

»Wie Olivia Wenzel nach Antworten auf Identitätsfragen sucht, das hat so viel Witz und Intelligenz, dass man die Befindlichkeiten dieser Figur gut nachempfinden kann«, schrieb die ›FAZ‹ über ›1000 Serpentinen Angst‹. Die Autorin Olivia Wenzel (*1985 in Weimar) schreibt Theatertexte und Prosa und macht Musik im Berliner Electronica Duo Otis Foulie. Wenzels Stücke wurden u. a. an den Münchner Kammerspielen, am Hamburger Thalia Theater, am Deutschen Theater Berlin und am Ballhaus Naunynstrasse aufgeführt. In der freien Theaterszene kollaboriert sie als Performerin mit Kollektiven wie vorschlag:hammer. ›1000 Serpentinen Angst‹ ist ihr erster Roman. Wenzel wurde mit dem Literaturpreis der Stadt Fulda 2020 und dem Mörike-Förderpreis der Stadt Fellbach 2021 ausgezeichnet.

»Ich habe mehr Privilegien, als je eine Person in meiner Familie hatte. Und trotzdem bin ich am Arsch. Ich werde von mehr Leuten gehasst, als meine Großmutter es sich vorstellen kann. Am Tag der Bundestagswahl versuche ich ihr mit dieser Behauptung 20 Minuten lang auszureden, eine rechte Partei zu wählen«, schreibt Wenzel in ›1000 Serpentinen Angst‹. In ihrem Roman schildert sie, wie es ist, in einem Theater die einzige schwarze Zuschauerin im Publikum zu sein. Oder wie man sich fühlt, wenn man mit seinem Freund an einem Badesee in Brandenburg sitzt und vier Neonazis kommen sieht. Wütend und leidenschaftlich schaut Wenzel auf unsere sich rasant verändernde Zeit und erzählt dabei auch die Geschichte ihrer Familie: von ihrer Mutter, die Punkerin in der DDR war und nie die Freiheit hatte, von der sie geträumt hat. Von ihrer Großmutter, deren linientreues Leben ihr Wohlstand und Sicherheit brachte. Und von ihrem Zwillingsbruder, der mit siebzehn ums Leben kam. Klug, berührend und mit Humor schreibt Olivia Wenzel über Rassismus und Sexismus, Osten und Westen, Herkunft und Verlust, Angst und Hoffnung.

Das sagt die Presse:

»Für mich eins der krassesten Leseerlebnisse des Jahres. Ganz abgesehen von der Thematik ist es in der literarischen Bauart eines der besten Bücher 2020.« (Denis Ohde, Deutschlandfunk Kultur)

»Literarisch souverän. Olivia Wenzel unterschlägt nichts, das ist der bleibende Eindruck dieses eindrucksvollen, schonungslosen, zärtlichen Romans.« (Frankfurter Allgemeine Zeitung)

LUAH aus Köln – das sind Elsa Johanna Mohr (Gesang, Ukulele, Percussion), Lena-Larissa Senge (Gesang, Sythesizer, Percussion) und Ula Martyn-Ellis (Gesang, Gitarre). Die drei jungen, studierten Musikerinnen haben ihre Wurzeln in der Jazzmusik, ihre Kompositionen verbinden Jazz, Pop, Folk und brasilianische Musik. LUAH singen auf englisch und portugiesisch (›lua‹ ist portugiesisch für ›Mond‹), mixen jazzige Gitarrenlinien mit Percussion, Glockenspiel und Synthesizer-Klängen und schaffen so einen ganz eigenen Folkjazz-Sound zwischen Mainstream und Avantgarde.

Das Trio gewann 2019 den Publikumspreis des Jazztube Festivals in Bonn. Im selben Jahr veröffentlichten LUAH ihr Debütalbum ›Sunlit‹. Im Frühjahr 2021 nahm die Band ihr zweites Studioalbum auf, das voraussichtlich im Herbst erscheint.

Das sagt die Presse:

»LUAH haben sich eine eigene Nische mit sonnigen Vokalsätzen, folkigen Arrangements und jazzigen Harmonien erarbeitet. Dabei lassen sich Verwandtschaften zur frühen Joni Mitchell herauslauschen, eine Prise akustisches Dream-Pop-Feeling kommt hinein, und die Würze entsteht durch Samba- und Bossa-Einstreuungen ins Repertoire.« (Jazz thing)

»Ihre Arrangements wirken in dieser Vielfalt unwiderstehlich, wie der Sog einer Schwingtür, hinein in ein mondänes und vor allem buntes Hotel der Extraklasse.« (Generalanzeiger Bergneustadt)

»Drei sehr unterschiedliche Stimmen, die einzeln interessant, spannend, zusammen betörend schön klingen« (Bonner Generalanzeiger)

Die Joseph Boys sind überzeugt: Die Zukunft, die wir wollen, muss gestaltet werden, sonst bekommen wir eine, die wir nicht wollen. Darum formte sich die Düsseldorfer Band 2014 aus Margarine zu einem menschgewordenen Agglomerat aus Wut, Erneuerung und Kunst. Punk ist ihre Stilrichtung, treibende Beats malen Struktur, Akkorde die Strategie. Die Joseph Boys bezeichnen sich selbst als ›audio-soziale Punkplastik‹, ihr Schaffen als ›durchgegorenen, deutsch getexteten, euphorisierenden Punk-Post-Punk mit einer gewissen Rohheit und kubischer Kühle‹. Seit Monaten werkelt die Band in ihrem Workshopraum an einer atmosphärischen, hyperrealistischen Punk-Installation. Ihr viertes Album soll ein einzigartiger ›Seismograph der Erregungskultur‹ werden und eine ›lautstarke Wortmeldung aus dem Düsselland‹, die Veröffentlichung ist für Ende 2021 geplant. Für das asphalt Festival konzipieren die Joseph Boys ein ›Krachschwan-Konzert‹ auf der Seebühne und laden zum ›audiophilen Liveverschleißen‹. Sie versprechen dem Publikum einen emotionalen Exkurs über Gegenwartsbezug und Transformationsvorgänge und die Antwort auf die Frage, warum es mit Glück erfüllt, Musik zu machen.

Das sagt die Presse:

»Die Joseph Boys sind eine eigentümliche Mischung aus Kunst und Punk, aus dadaesken Texten und Brachialgitarren. Eine Mischung, die ihre Konzertauftritte zu einem intensiven Liveerlebnis werden lassen – musikalisch wie physisch.« (jmc Magazin)

»Angekotztheit trifft auf nörgelige Schwermut, ziviler Ungehorsam auf präzises Riffing, Post-Punk und Dance-Drive heizen zusätzlich an.« (Plattentest.de)

»Hart, groovy, manchmal noisig, druckvoll produziert, irgendwie immer tanzbar – und über allem thront der fantastische Gesang von Sänger Andi, dem man gerne zuhört, wie er Texte vorträgt, die absolut unpeinlich sind. Absoluter Tipp für alle, die gerne gute harte, deutschsprachige Musik hören.« (Ox Fanzine)

26. November 1975. Im Land- und Amtsgericht der Stadt Düsseldorf beginnt der Majdanek-Prozess, Aktennummer 8 Ks 1/75 – einer der längsten und aufwändigsten Gerichtsprozesse der deutschen Nachkriegsgeschichte. Nach 30 Jahren werden ehemalige SS-Wächter und KZ-Aufseherinnen des Konzentrations- und Vernichtungslagers Majdanek in Polen für ihre Taten angeklagt. Mit im Gerichtssaal befinden sich auch Schulklassen. Sie sollen Geschichtsaufarbeitung aus erster Hand erleben. Doch schnell stellen sich Gerrit Niehaus und seinen Klassenkamerad*innen einige Fragen: Wie ist das Verhalten der am Prozess Beteiligten zu bewerten? Wie weit ist die Aufarbeitung der deutschen Geschichte wirklich? Und welches Licht wirft das auf ihre Zukunft, also unsere Gegenwart?

Das Theaterkollektiv Pièrre.Vers setzt die erfolgreiche Arbeit an historischen und in der Stadt Düsseldorf verankerten Stoffen fort. Nach ›Schwarz-helle Nacht‹ und ›Aktion:Aktion!‹ taucht das Team um Regisseur Christof Seeger-Zurmühlen und Autorin Juliane Hendes tief in das größte Verbrechen der Menschheitsgeschichte ein. Eindrückliche Zeug*innenaussagen stehen dem juristischen Aufarbeitungsanspruch gegenüber. Menschen, die nicht vergessen können, treffen auf jene, die sich nicht erinnern wollen. Auf der Basis wahrer Begebenheiten entwickelt sich nach und nach ein Schlaglichtgewitter aus Meinungen und Haltungen, die bis weit in die Gegenwart reichen. Sie verleihen dem heutigen Ringen um die Deutungshoheit über die Geschichte eine jahrzehnteweit reichende Dimension.

Unter Electro-Beats und Rocksounds verwandelt sich das über 100 Jahre alte Mysterienspiel ›Jedermann‹ von Hugo von Hofmannsthal in ein vielstimmiges Sprech-Konzert von heute. Wie ein Rockstar erkämpft sich Philipp Hochmair in einem leidenschaftlichen Kraftakt die ›Geschichte vom Leben und Sterben des reichen Mannes‹. Hochmair schlüpft in alle Rollen, sein Monolog ist ein Zwiegespräch mit zwei Mikrofonen – eines für Jedermann und eines für die anderen. Getrieben von Gitarrenriffs und experimentellen Sounds der Band Die Elektrohand Gottes wird Jedermann als Zeitgenosse erkennbar, der in seiner unstillbaren Gier nach Geld, Liebe und Rausch verglüht. Wie Hochmair den Jedermann vom Protzleben in die graue Gruft treibt, ist ein unvergessliches Erlebnis – zwischen Leben und Tod katapultiert ihn die Musik in eine ungeahnte Ekstase.