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26. November 1975. Im Land- und Amtsgericht der Stadt Düsseldorf beginnt der Majdanek-Prozess, Aktennummer 8 Ks 1/75 – einer der längsten und aufwändigsten Gerichtsprozesse der deutschen Nachkriegsgeschichte. Nach 30 Jahren werden ehemalige SS-Wächter und KZ-Aufseherinnen des Konzentrations- und Vernichtungslagers Majdanek in Polen für ihre Taten angeklagt. Mit im Gerichtssaal befinden sich auch Schulklassen. Sie sollen Geschichtsaufarbeitung aus erster Hand erleben. Doch schnell stellen sich Gerrit Niehaus und seinen Klassenkamerad*innen einige Fragen: Wie ist das Verhalten der am Prozess Beteiligten zu bewerten? Wie weit ist die Aufarbeitung der deutschen Geschichte wirklich? Und welches Licht wirft das auf ihre Zukunft, also unsere Gegenwart?

Das Theaterkollektiv Pièrre.Vers setzt die erfolgreiche Arbeit an historischen und in der Stadt Düsseldorf verankerten Stoffen fort. Nach ›Schwarz-helle Nacht‹ und ›Aktion:Aktion!‹ taucht das Team um Regisseur Christof Seeger-Zurmühlen und Autorin Juliane Hendes tief in das größte Verbrechen der Menschheitsgeschichte ein. Eindrückliche Zeug*innenaussagen stehen dem juristischen Aufarbeitungsanspruch gegenüber. Menschen, die nicht vergessen können, treffen auf jene, die sich nicht erinnern wollen. Auf der Basis wahrer Begebenheiten entwickelt sich nach und nach ein Schlaglichtgewitter aus Meinungen und Haltungen, die bis weit in die Gegenwart reichen. Sie verleihen dem heutigen Ringen um die Deutungshoheit über die Geschichte eine jahrzehnteweit reichende Dimension.

»Sie ist keine, die aufhört, wenn es wehtut«, schrieb ›Die Zeit‹ über Florentina Holzinger, die aktuell als eine der aufregendsten Performerinnen gilt. Die Wienerin bereichert die internationale Performanceszene mit schwindelerregender Akrobatik, muskulösen Frauenkörpern und Martial-Arts-Kampfszenen – popkulturelle Referenzen und ein Faible für Trash kommen dabei nicht zu kurz. Ihre Performances haben Kultstatus, sie geht an die Grenzen – des guten Geschmacks und ihres eigenen Körpers. Im Zentrum von Holzingers Arbeit steht der weibliche Körper, den sie als Experimentierfeld begreift, mit dem man alles machen kann.

In ihrer neuen Arbeit ›TANZ‹ befasst sie sich mit der Disziplinierung des Körpers durch das Ballett. Dazu bedient sie sich eines Ensembles von elf starken Frauen zwischen 20 und 80 Jahren, die weitgehend splitternackt agieren und aus ganz unterschiedlichen Bereichen kommen: Tanz, Ballett, aber auch Theater und Zirkus. Protagonistin ist die 80-jährige Beatrice Cordua, die lange John Neumeiers Primaballerina war und weltweite Berühmtheit erlangte, als sie 1972 erstmalig ›Le sacre du printemps‹ nackt tanzte. In ›TANZ‹ studiert Cordua mit einer Ballettklasse ›La Sylphide‹ ein – ein Ballettstück von 1832 mit schwebenden Luftgeistern und Feenwesen (Sylphiden), das als Geburtsstunde von Tutu und Spitzentanz gilt und bis heute das Image von Ballett prägt. Doch Holzinger blickt aus heutiger, feministischer Perspektive auf das Thema, holt die verklärte Welt des romantischen Balletts radikal, tabulos und schockierend ins 21. Jahrhundert und macht daraus einen wahren Höllenritt. In einem opernhaften Setting zwischen Märchenwald und Hexensabbat entstehen brutale Parodien auf Bilder, wie man sie aus Ballett, Komödien und Pornografie kennt – inklusive spektakulärer Einlagen wie Stunts auf hängenden Motorrädern.

›TANZ‹ ist eine Koproduktion des asphalt Festivals und eines der meistprämierten Stücke im deutschsprachigen Raum 2020: Es wurde u. a. zum Theatertreffen eingeladen, in der Kritikerumfrage von ›Theater heute‹ zur Inszenierung des Jahres gekürt und war für den deutschen Theaterpreis ›Der Faust‹ nominiert. Zudem erhielt Holzinger den Nestroypreis für die beste Regie.

Florentina Holzinger (*1986 in Wien) hat Choreografie an der School for New Dance Development (SNDO) in Amsterdam studiert. Gemeinsame Arbeiten mit Vincent Riebeek wie ›Kein Applaus für Scheiße‹ (2011), ›Spirit‹ (2012) oder ›Wellness‹ (2012) brachten ihr den Ruf als ›provokanteste Nachwuchschoreografin‹ ein. Ihre Arbeiten werden auf zahlreichen Festivals und in Produktionshäusern im In- und Ausland gezeigt. Holzinger lebt in Wien und Amsterdam und wird ab der Spielzeit 2021/22 im Team von René Pollesch an der Berliner Volksbühne arbeiten.

Das sagt die Presse:

»In der Wut liegt die Kraft liegt die Liebe: Wer einen Abend von Florentina Holzinger sieht, spürt die Zukunft.» (SZ-Magazin)

»Die österreichische Performancekünstlerin und Choreografin beherrscht die Kunst, Sachen, die Menschen normalerweise nicht sehen wollen, so auf die Bühne zu bringen, dass man trotzdem gerne hinschaut.« (Der Falter)

»I’d been running a sort of jazz club near Sendagaya Station. It wasn’t so big, or so small, either. We had a grand piano and just barely enough space to squeeze in a quintet. (…) Most people I knew had predicted that the bar wouldn’t do well. Well, their predictions were totally off.« – Haruki Murakami

Das literarische Werk des japanischen Weltschriftstellers Haruki Murakami liest sich bisweilen wie eine Liebeserklärung an die Musik, zahlreiche musikalische Referenzen durchziehen seine Romane und Erzählungen. Bevor er mit dem Schreiben begann, betrieb Murakami selbst einen Jazzclub in Tokio. Dorthin möchte Pianist Sebastian Gahler das asphalt-Publikum in seinem neuen Konzertprogramm entführen. Es umfasst bislang ungehörte Kompositionen Gahlers, mit denen einige von Murakamis bekanntesten Romanfiguren musikalisch zum Leben erweckt werden, aber auch neue Arrangements von Jazzstandards, die in Murakamis Geschichten eine Rolle spielen. Wie klingen wohl Aomame oder Tengo aus ›1Q84‹, wie hört sich Kafka aus ›Kafka am Strand‹ an? In modernen, jazzigen Portraits werden Murakami-Leser*innen diese und andere Figuren neu entdecken können. ›Invitation to Murakami’s Jazz Club‹ bietet die besondere Gelegenheit, sich dem literarischen Kosmos Murakamis auf einer Konzertbühne zu nähern.

Der Düsseldorfer Sebastian Gahler ist Jazz-Pianist und Komponist. Er leitet mehrere etablierte Konzertreihen in seiner Heimatstadt und trägt großen Anteil daran, dass die hiesige Jazzszene so lebendig ist. Das Sebastian Gahler Trio ist eine etablierte Größe in der deutschen Jazzlandschaft. Gahler erhielt 2011 den Förderpreis der Stadt Düsseldorf für Musik.

Der Saxofonist Denis Gäbel aus Köln zählt in der deutschen Jazzszene zu den stärksten Vertretern seines Fachs. Er trat mit Musikern wie Antonio Faraò, Billy Cobham und Jiggs Whigham auf und spielte auf Festivals wie WDR 3 jazz.cologne, Jazzopen Stuttgart oder Enjoy Jazz. Gäbel ist Dozent für Jazz-Saxofon an der Musikhochschule Mainz.

Das sagt die Presse:

»Sebastian Gahler ist einer der faszinierendsten Jazzpianisten Deutschlands.« (Jazz thing)

Der Musiker, Radiomoderator und Autor Danko Rabrenović kehrt zurück auf die Bühne. Diesmal allerdings ›Solo & Allein‹. Der Ex-Balkanizer macht ein Experiment und verlässt sich dabei auf sein Improvisationstalent und seine Gitarre. Rabrenović bewegt sich als Geschichtenerzähler und Performer ohne Netz und doppelten Boden in einer Welt, die irgendwo zwischen Konzert, Lesung, Stand-up und Kabarett liegt. Die Form seiner Performances ändert sich, seine Themen bleiben: Sprache, Exil, Identität, Kulturschocks, Heimatgefühle, Nationalismus, Integration, Migrationshintergrund und ähnliche Krankheiten.

Danko Rabrenović wurde in Zagreb geboren, wuchs in Belgrad auf und lebte als Kind mit seinen Eltern drei Jahre in Peking. Kurz nach Ausbruch des Jugoslawienkrieges kam er nach Deutschland. Elf Jahre lang moderierte er die Kultradiosendung ›Balkanizer‹, zur Zeit ist er Moderator bei WDR Cosmo. Bislang sind zwei Bücher von ihm erschienen, ›Der Balkanizer. Ein Jugo in Deutschland‹ und ›Herzlich willkommencić. Heimatgeschichten vom Balkanizer‹ (DuMont). Rabrenović ist zudem Sänger und Gitarrist der Ska-Punk Band Trovači.

Das sagt die Presse:

»Er betrachtet das Leben in Deutschland mit ähnlich wohlwollender Verwunderung wie sein russischer Kollege Wladimir Kaminer. Sei es dem charmanten Akzent geschuldet – Ähnlichkeiten sind nicht von der Hand zu weisen.« (Bonner Generalanzeiger)


»Der Balkanizer erzählt von einem Leben zwischen zwei Heimaten und hält uns charmant den Spiegel vors Gesicht. Russendisko auf balkanesisch – witzig und tiefsinnig.« (Radio Fritz)


»Der Autor und Musiker Danko Rabrenović hat mit der Geschichte seiner Integration in Deutschland eine Lücke gefüllt.« (taz)

Das Mivos Quartet widmet sich der Aufführung von Werken zeitgenössischer Komponist*innen und der Präsentation neuer Musik und begeistert damit ein großes Publikum.  Für das asphalt Festival hat das New Yorker Streicherensemble ein spektakuläres Programm zusammengestellt.

Im ersten Teil ›Inspired by …‹ sind ›luminous animal‹ von Michaela Catranis, ›Glance / I don’t Belong Here‹ von Hannah Kendall und ›Mirror Mirror‹ von Peter Kramer zu hören – drei junge, aufstrebende Komponist*innen der zeitgenössischen US-amerikanischen Musikszene. Jedes Stück ist von einem Kunstwerk aus einem anderen Medium inspiriert – Poesie, Fotografie und Prosa. Die Komponist*innen nähern sich den Originalen auf jeweils einzigartige Weise und schaffen Musik, die ihre eigene künstlerische Stimme und Sprache zum Ausdruck bringt.

Das zweite Set ist mit ›Improvisation / Experimentation / Exploration‹ betitelt und präsentiert drei Pioniere der zeitgenössischen Musik. Zu hören ist ›Sixfivetwo‹ von Pulitzer-Preisträger Henry Threadgill, der Improvisation als Schlüsselelement für seine Musik nutzt. Obwohl der größte Teil dieses Stücks ausnotiert ist, wird jedem Mitglied des Quartetts Raum zur Improvisation gegeben. Es folgt ›String Quartet No. 4‹ von Sofia Gubaidulina, die transzendentale Mystik, grafische Notation, experimentelle Perkussion und dramatische Kontraste zu einer der ikonischsten Kompositionssprachen der Neuen Musik verbindet. Ihr viertes Streichquartett fügt vorproduzierte, ätherische Elektronik hinzu, um der Musik noch mehr klangliche Tiefe zu verleihen. Im ›String Quartet 2.5 – Playing With Seeds‹ von George Lewis verwebt der Komponist, Improvisator, Posaunist, Wissenschaftler und Pionier der elektronischen Musik die verschiedenen Fäden seines facettenreichen musikalischen Lebens. Sein kaleidoskopisches Werk behandelt das Streichquartett wie eine vierköpfige Hydra, die sich in allen möglichen Kombinationen auseinander und zusammen bewegt.

Seit seiner Gründung 2008 arbeitet das Mivos Quartet eng mit einer immer größer werdenden Gruppe internationaler Komponist*innen zusammen, die verschiedene Ästhetiken der zeitgenössischen klassischen Komposition repräsentieren. Das Streichquartett trat bei renommierten Konzertreihen wie der New Yorker Phil Biennale, Wien Modern, den Internationalen Ferienkursen für Neue Musik Darmstadt, Shanghai New Music Week (Shanghai, China), Música de Agora na Bahia (Brasilien), Aldeburgh Music (UK) und Lo Spririto della musica di Venezia (Italien) auf. Beim asphalt Festival war Mivos bereits mehrfach zu Gast und spielte zahlreiche Kompositionen von Bojan Vuletic.

Mivos engagiert sich für die Vergabe von Kompositionsaufträgen und die Uraufführung neuer Musik für Streichquartett und strebt eine enge Zusammenarbeit mit Komponist*innen über längere Zeiträume an. Jedes Jahr vergibt das Quartett außerdem den Mivos/Kanter String Quartet Composition Prize, der zur Unterstützung der Arbeit von aufstrebenden Komponist*innen ins Leben gerufen wurde, sowie den I-Creation-Preis, einen Wettbewerb für Komponist*innen chinesischer Abstammung. Neben der Erweiterung des Streichquartett-Repertoires widmet sich Mivos auch der Zusammenarbeit mit Gastkünstler*innen, der Erforschung multimedialer Projekte mit Live-Video und Elektronik sowie der Aufführung improvisierter Musik. Das Quartett ist Preisträger des Dwight and Ursula Mamlok Prize for Interpreters of Contemporary Music 2019.

LUAH aus Köln – das sind Elsa Johanna Mohr (Gesang, Ukulele, Percussion), Lena-Larissa Senge (Gesang, Sythesizer, Percussion) und Ula Martyn-Ellis (Gesang, Gitarre). Die drei jungen, studierten Musikerinnen haben ihre Wurzeln in der Jazzmusik, ihre Kompositionen verbinden Jazz, Pop, Folk und brasilianische Musik. LUAH singen auf englisch und portugiesisch (›lua‹ ist portugiesisch für ›Mond‹), mixen jazzige Gitarrenlinien mit Percussion, Glockenspiel und Synthesizer-Klängen und schaffen so einen ganz eigenen Folkjazz-Sound zwischen Mainstream und Avantgarde.

Das Trio gewann 2019 den Publikumspreis des Jazztube Festivals in Bonn. Im selben Jahr veröffentlichten LUAH ihr Debütalbum ›Sunlit‹. Im Frühjahr 2021 nahm die Band ihr zweites Studioalbum auf, das voraussichtlich im Herbst erscheint.

Das sagt die Presse:

»LUAH haben sich eine eigene Nische mit sonnigen Vokalsätzen, folkigen Arrangements und jazzigen Harmonien erarbeitet. Dabei lassen sich Verwandtschaften zur frühen Joni Mitchell herauslauschen, eine Prise akustisches Dream-Pop-Feeling kommt hinein, und die Würze entsteht durch Samba- und Bossa-Einstreuungen ins Repertoire.« (Jazz thing)

»Ihre Arrangements wirken in dieser Vielfalt unwiderstehlich, wie der Sog einer Schwingtür, hinein in ein mondänes und vor allem buntes Hotel der Extraklasse.« (Generalanzeiger Bergneustadt)

»Drei sehr unterschiedliche Stimmen, die einzeln interessant, spannend, zusammen betörend schön klingen« (Bonner Generalanzeiger)

2018 deckte eine Investigativ-Recherche zu Cum-Ex-Geschäften den größten Steuerskandal in der Geschichte Europas auf: Mindestens 55 Milliarden Euro ließen sich Investor*innen, Banken und Spekulant*innen durch den Dreieckshandel von Aktien zu Unrecht vom Fiskus erstatten. Zwei Jahre später stehen einige Akteur*innen vor Gericht, die Machenschaften aber längst nicht mehr im Fokus der Öffentlichkeit. Dabei sind nach wie vor viele Fragen offen: Was wusste die Politik? Wurde bewusst weggeschaut? Standen die Reichen gar über der Allgemeinheit?

Beim asphalt Festival 2019 war die preisgekrönte Inszenierung ›Cum-Ex Papers‹ des Teams um Theaterregisseurs Helge Schmidt zu sehen, nun folgt der zweite Streich: In Zusammenarbeit mit dem Investigativ-Journalisten Oliver Schröm vom ARD-Magazin ›Panorama‹ und seinen Kolleg*innen erzählt ›Tax for free – Scholz und Tschentscher geben einen aus und Michael Kohlhaas wundert sich‹ die Chronik eines politischen Skandals: Der Stadtstaat Hamburg fordert im Jahr 2016 von der Privatbank M.M. Warburg & CO 47 Millionen Euro Steuern aus mutmaßlichen Cum-Ex-Geschäften zurück. Dann jedoch trifft sich der Mitinhaber der Bank mit dem Regierenden Bürgermeister Olaf Scholz. Innerhalb weniger Tage entscheidet sich die Finanzbehörde unter Senator Peter Tschentscher dazu, auf die Erstattung zu verzichten … Die Aufarbeitung des Cum-Ex-Skandals beschäftigt inzwischen auch die Hamburger Bürgerschaft, die im Oktober 2020 einen Untersuchungsausschuss zu dem Thema installierte.

Gerahmt von Interviews mit Politiker*innen, Journalist*innen und NGOs beschreibt die Inszenierung anhand dokumentarischen Materials eindrucksvoll die Nähe von Finanzwirtschaft und Politik. Inhaltlich und personell knüpft das Stück dabei an die mit dem deutschen Theaterpreis ›Der Faust‹ ausgezeichneten ›Cum-Ex Papers‹ an, stellt mit Rückgriff auf Heinrich von Kleists tragische Figur Michael Kohlhaas nun aber die Frage: Wann ist ein System so ungerecht, dass Bürger*innen sich wehren müssen? Die Uraufführung von ›Tax for free‹ fand am 3. Juni im Hamburger Lichthof Theater statt, im Juli ist das Stück beim asphalt Festival erstmalig als Gastspiel zu sehen.

Helge Schmidt (*1983 in Schwerin) war mehrere Spielzeiten am Thalia Theater Hamburg tätig und arbeitet seit 2014/15 als freier Regisseur. Seine Produktion ›Weltverbesserungstheater‹ am Theater Erlangen wurde in der Kritikerumfrage der Deutschen Bühne als herausragende Inszenierung der Spielzeit 2017/18 nominiert. Helge Schmidt ist sowohl in der freien Szene als auch am Stadttheater aktiv. Seine Arbeiten wurden mehrfach zu Festivals eingeladen.

Mehr Herz und Soul geht kaum: Diana Ezerex’ Musik verbindet Urban Pop, HipHop, Soul und Trap. Ihre charismatische Stimme erinnert an die Energie von Rag’n’Bone Man, die Intensität von Bon Iver und die Gelassenheit von Anderson.Paak. Seit mittlerweile vier Jahren spielt die Sängerin ehrenamtlich Konzerte in Gefängnissen. Für ihr soziales Engagement wurde sie bereits mehrfach ausgezeichnet, u. a. beim Wettbewerb ›Aktiv für Demokratie & Toleranz 2020‹ der Bundeszentrale für Politische Bildung, mit dem Heinz-Kappes-Preis 2020 und dem Jugenddiakoniepreis 2019. Beim asphalt Festival wird Diana Ezerex erstmalig Songs ihres Ende Juni erscheinenden Debütalbums ›My Past’s Gravity‹ live spielen. Die Stücke befassen sich mit Themen, die im Zusammenhang mit dem Gefängnis stehen und greifen Tabus, strukturelle Probleme sowie soziale Ungerechtigkeiten auf. Ezerex’ Songtexte haben eine hohe gesellschaftliche Relevanz und Authentizität, stellen Fragen zu mentaler Gesundheit, Suizid, Akzeptanz und Zurechtfinden im Gemeinwesen.

Das sagt die Presse:

»Diana Ezerex ist eine Songwriterin, die nicht nur für Musik brennt, sondern auch für soziales Engagement.« (Bayerischer Rundfunk)

»Ihre tiefe, rauchige Stimme geht durch Mark und Bein, sobald sie eines ihrer selbstgeschriebenen Lieder anstimmt.« (Badische Neueste Nachrichten)

Die Joseph Boys sind überzeugt: Die Zukunft, die wir wollen, muss gestaltet werden, sonst bekommen wir eine, die wir nicht wollen. Darum formte sich die Düsseldorfer Band 2014 aus Margarine zu einem menschgewordenen Agglomerat aus Wut, Erneuerung und Kunst. Punk ist ihre Stilrichtung, treibende Beats malen Struktur, Akkorde die Strategie. Die Joseph Boys bezeichnen sich selbst als ›audio-soziale Punkplastik‹, ihr Schaffen als ›durchgegorenen, deutsch getexteten, euphorisierenden Punk-Post-Punk mit einer gewissen Rohheit und kubischer Kühle‹. Seit Monaten werkelt die Band in ihrem Workshopraum an einer atmosphärischen, hyperrealistischen Punk-Installation. Ihr viertes Album soll ein einzigartiger ›Seismograph der Erregungskultur‹ werden und eine ›lautstarke Wortmeldung aus dem Düsselland‹, die Veröffentlichung ist für Ende 2021 geplant. Für das asphalt Festival konzipieren die Joseph Boys ein ›Krachschwan-Konzert‹ auf der Seebühne und laden zum ›audiophilen Liveverschleißen‹. Sie versprechen dem Publikum einen emotionalen Exkurs über Gegenwartsbezug und Transformationsvorgänge und die Antwort auf die Frage, warum es mit Glück erfüllt, Musik zu machen.

Das sagt die Presse:

»Die Joseph Boys sind eine eigentümliche Mischung aus Kunst und Punk, aus dadaesken Texten und Brachialgitarren. Eine Mischung, die ihre Konzertauftritte zu einem intensiven Liveerlebnis werden lassen – musikalisch wie physisch.« (jmc Magazin)

»Angekotztheit trifft auf nörgelige Schwermut, ziviler Ungehorsam auf präzises Riffing, Post-Punk und Dance-Drive heizen zusätzlich an.« (Plattentest.de)

»Hart, groovy, manchmal noisig, druckvoll produziert, irgendwie immer tanzbar – und über allem thront der fantastische Gesang von Sänger Andi, dem man gerne zuhört, wie er Texte vorträgt, die absolut unpeinlich sind. Absoluter Tipp für alle, die gerne gute harte, deutschsprachige Musik hören.« (Ox Fanzine)

Siehe da: der Mensch, das soziale Wesen. Isoliert auf der Insel des Frusts. Eingesperrt in den eigenen vier Wänden. Was entdeckt man durch Einsamkeit und Sperren? Was kommt an die Oberfläche? Wie konfrontiert man sich in der Isolation auf seiner Zwangsinsel mit all den unter den Teppich gekehrten Ängsten und Sehnsüchten? Wie zerstört man seine unsichtbaren Wände, wie findet man Verbindung auf Distanz?

Nach ihrem erfolgreichen Debüt bei ›asphalt auf See 2020‹ lassen sich die soMermaids erneut am Schwanenspiegel nieder und entwickeln einen einzigartigen, aberwitzigen, ortsspezifischen Soloabend für die Seebühne. In ›ISLAND OF F*CKED UP HEARTS (ECCE HOMO INSULARIS)‹, so der vollständige Stücktitel, wird die schwimmende Spielfläche zu einer Insel der Einsamkeit, auf der äußerst humorvoll alle Masken fallen.

Das Künstlerduo soMermaids sind die Schauspielerin Adrienn Bazsó und die Regisseurin Panni Néder. Die beiden in Berlin lebenden, ursprünglich aus Ungarn stammenden Theatermacherinnen begreifen sich als multidisziplinäre feministische Künstlerinnen, erforschen die unterschiedlichen Formen des autobiografischen und dokumentarischen Theaters und verflechten diese mit Bewegung, Gesang oder Videokunst. Ihre Bühnenstücke zeichnen sich besonders durch ein ehrliches und berührendes Aufeinandertreffen von Publikum und Akteur*innen aus. 

Das sagt die Presse:

»Eine Mischung aus ehrlicher, zweiflerischer, ironischer Selbsterkundung« (Rheinische Post)

»Kurzweilig, bisweilen humorvoll, häufiger nachdenklich, verbrämt im Mantel der Poesie. Da weiß man oft nicht, ob man lachen, weinen oder in den weiten Himmel hinter der Bühne schauen soll.« (Kulturmagazin O-Ton)

Es ist praktisch unmöglich, nicht an den Lippen von Emy Kaboré zu hängen: Obwohl kaum 21 Jahre alt, gilt die in Paris geborene Belgierin bereits als großes musikalisches Talent. Mit ihrer unverwechselbaren Soul-Stimme drückt sie ihre intimsten Gedanken und Gefühle aus. Sie bewegt und lässt niemanden unberührt.

Umso verblüffender, dass Emy Autodidaktin ist: Erst im Sommer 2015 kaufte sie sich ihre erste Gitarre und begann aus reiner Intuition Musik zu machen – zunächst als Solokünstlerin. Ihre emotionalen, ergreifenden Songs brachten ihr den dritten Platz bei der ›Humo’s Rock Rally‹ 2018 ein, einem in Belgien sehr populären und traditionsreichen Wettbewerb für Rockbands. Damals urteilte die Presse: »Mit nur 18 Jahren vermittelt Emys Stimme mehr Gefühl, Leben und Dringlichkeit als die der letzten acht Hooverphonic-Sänger zusammen.«

Dieser frühe Erfolg zementierte Emys Entschluss, ihre Karriere ernsthaft fortzusetzen, nun allerdings mit Unterstützung einer Band. Mittlerweile erkundet sie in Begleitung von zwei wunderbaren Musikern das Neo-Soul-Genre, die ihrem Repertoire ein grooviges und doch progressives Gefühl hinzufügen und die ihre natürlich-soulige Stimme instrumental ergänzen. Fans von Billie Eilish, Erykah Badu und Hiatus Kaiyote werden EMY lieben. Ihre Debütsingle ›Freestyle‹ (2020) wurde von zahlreichen belgischen und französischen Radiosendern gespielt, der Nachfolger ›Inconvenient‹ (2021) könnte den Auftakt zu einem internationalen Durchbruch markieren. Für 2022 ist das Debütalbum von EMY geplant.

Das sagt die Presse:

»Mit Emy hat Flandern seine eigene Amy Winehouse.« (dansendeberen.be) 

Die Tänzer Takao Baba und Patrick ›TwoFace‹ Williams und drei Musiker des transkulturellen Babylon ORCHESTRA setzen sich in der neuen Arbeit ›2 Legit‹ mit Werten und Tugenden der Jugendkultur auseinander. ›Legit‹ ist von ›legitimate‹ entlehnt und ein Slangwort, das vor allem in der Hip-Hop-Szene Verwendung findet – etwa in ›2 Legit 2 Quit‹ (1991), einem der größten Hits von MC Hammer. Wenn etwas ›legit‹ ist, hat es Authentizität und ›Realness‹.

Welche Bedeutung hat es heute für junge Menschen, wahrhaftig, geradlinig und echt zu sein – insbesondere in einer Welt, in der die permanente Selbstdarstellung in den sozialen Medien eine zentrale Rolle spielt? Haben Tugenden wie Aufrichtigkeit und Ehrlichkeit in unterschiedlichen Kulturen den gleichen Stellenwert? Was klingt authentisch, was sieht nach ›fake‹ aus und wie schnell kann man über die Realität hinwegtäuschen?

Die Künstler interpretieren durch Musik und Tanz ihre persönliche Beziehung zu den Tugenden. Dabei treffen Tanzstile wie Popping, Tutting oder Waving auf die Klänge arabischer Instrumente, japanische Harmonien und elektronische Beats. Die Begegnung von Musik und Tanz auf Augenhöhe und die gemeinsame Auseinandersetzung der Künstler mit dem Thema regt völlig neue Formen der Bewegung und des Zusammenspiels an. Tanz und Musik bilden eine spannende Erkundung des Zusammenlebens verschiedener Kulturen und Wertevorstellung in unserer Gesellschaft ab.

›2 Legit‹ ist die zweite gemeinsame Arbeit von Mischa Tangian, Komponist und Gründer des Babylon ORCHESTRA, und dem japanischen Choreografen Takao Baba, der seine künstlerischen Wurzeln im Hip-Hop hat. Tanzsolist Patrick Williams a.k.a. Two Face ist Mitglied der weltbekannten zeitgenössischen Tanzkompanie East Man unter der Leitung von Sidi Larbi Cherkaoui. Als aktiver TikToker hat er mehr als 170.000 Follower.

Wäre die Pandemie nicht dazwischengekommen, hätten FHEELS den Sprung von intimen Clubshows auf die großen Bühnen vermutlich bereits geschafft. Die Band aus Hamburg hat 2021 ihr erstes Studioalbum ›Lotus‹ vorgelegt und spielt im Bereich des anspruchsvollen Alternative Rock international auf Augenhöhe mit Elbow oder Radiohead. Regelmäßige Touraktivitäten in den deutschen Musikmetropolen und Dutzende Liveshows in ausgesuchten Clubs haben die Band mit ihrem im Rollstuhl sitzenden Sänger und Gitarristen Felix Brückner seit fünf Jahren kontinuierlich im Gespräch gehalten.

FHEELS bewegen sich musikalisch durch Rock, Jazz und Psychedelic Prog, bauen Brücken zwischen Rock-Vergangenheit und -Moderne, vereinen Anspruch und Eingängigkeit ebenso wie künstlerischen Wagemut und musikalisches Können.

Frontmann Felix Brückner, der seit einem Snowboarding-Unfall mit 17 Jahren querschnittsgelähmt ist, hat an der Hamburg School of Music Gesang und Gitarre studiert. Bereits seit Studientagen spielt er mit Schlagzeuger Justus Murphy zusammen. Die Band komplettieren Keyboarder Tobias Nitzbon und Bassist Jens Boysen. Auf ›Lotus‹ sind düstere Grungerock-Gitarren und apokalyptische Rock-Hymnen genauso zu entdecken wie lyrische Melodiebögen, tanzbare Leichtigkeit und eine Prise Soul. FHEELS-Sänger Brückner erschließt mit seinem sehr intimen und persönlichen Songwriting und seinen unkonventionellen Stimmfacetten immer wieder überraschende neue Horizonte.

Krieg ist leise geworden. Militärische Ziele liegen jenseits von Grenzen und häufig mitten in zivilen Gebieten. Fronten verschwimmen. Den Abzugsknopf drücken Soldaten auf einer Fernbedienung. Die Tötung wird von Befehlshabern aus cineastischer Gottesperspektive getroffen. Je wertvoller das militärische Ziel, desto mehr Kollateralschäden werden von den Verantwortlichen als akzeptabel angesehen. In den vergangenen Jahren hat sich viel geändert in der Art, wie Kriege geführt und kommuniziert werden. Dies liegt nicht nur an neuen autonomen Waffensystemen und ungeahnten Möglichkeiten in der visuellen Überwachung. Ziel ist es, die Menschen in sicheren Ländern vom Wissen über Kriege und Exekutionen abzuschirmen: ›ALL QUIET ON THE WAR FRONT‹. Es ist leichter geworden, Machtpolitik militärisch umzusetzen, ohne als Aggressor wahrgenommen zu werden und einen Blutzoll zahlen zu müssen. Dagegen müssen die attackierten Gesellschaften nicht nur hohe Opferzahlen in der Zivilgesellschaft ertragen. Sie sind auch traumatisiert von einem unsichtbaren Feind, der in der Luft nur über seinen Drohnenklang zu bemerken ist.

»Weder die Zivilbevölkerung als solche noch einzelne Zivilpersonen dürfen das Ziel von Angriffen sein. Die Anwendung oder Androhung von Gewalt mit dem hauptsächlichen Ziel, Schrecken unter der Zivilbevölkerung zu verbreiten, ist verboten.« (Genfer Konventionen, Zusatzprotokoll vom 8. Juni 1977, Art. 51, 2)

Die neue Komposition ›ALL QUIET ON THE WAR FRONT‹ von Bojan Vuletic verarbeitet klanglich und musikalisch die Perspektiven am Boden und aus der Luft sowie das Ausblenden von Kriegslärm in der sicheren Ferne. Die Musik wird ergänzt durch gesprochene Texte zu Drohnen-Angriffen, etwa internationale Presseartikel oder Passagen aus US-Hearings zur nationalen Sicherheit. Das Werk wird beim asphalt Festival 2021 von einem kammermusikalischen Ensemble herausragender internationaler Solist*innen uraufgeführt.

Egor Grechishnikov, Violine, spielte als Konzertmeister im Kammerorchester Moscovia und bei den Moskauer Virtuosen unter Vladimir Spivakov. 1994 wurde er Solist der Moskauer Philharmonie, Engagements als 2. Konzertmeister des SWR Orchesters in Freiburg und als 1. Konzertmeister des Niederländischen Philharmonischen Orchesters folgten. Seit 2002 ist er 2. Konzertmeister der Düsseldorfer Symphoniker.

Die New Yorker Cellistin und Komponistin Mariel Roberts ist als Solistin und Kammermusikerin bereits bei einer Vielzahl von Konzerten auf vier Kontinenten aufgetreten und schlägt in ihren virtuosen Performances Brücken zwischen Avantgarde, zeitgenössischer, klassischer, improvisierter und traditioneller Musik.

Der in Frankfurt am Mai geborene Klarinettist Christoph Schneider hat bereits mehrere Preise als Solist gewonnen, spielte u. a. im Beethoven Orchester Bonn und im Orchester der Deutschen Oper Berlin und ist seit 2016 Solo-Klarinettist der Duisburger Philharmoniker.

Der Trompeter und Performer Pablo Giw lebt in Köln und beschäftigt sich neben traditioneller Spielweise vor allem mit Extended Techniques, Perkussion und Noise. Mit seinem Instrument schafft er dichte Klangwände und Grooves, bei denen er auch Stimme und Spoken Word einbindet.

Die rumänische Pianistin Alina Bercu gastierte auf vielen wichtigen Musikbühnen Europas, Amerikas und Asiens, darunter der Carnegie Hall New York, der Tonhalle Zürich und der Tonhalle Düsseldorf, und arbeitete mit namhaften Sinfonieorchestern zusammen. Ihre Debüt-CD mit Kammermusikwerken von Schubert und Brahms wurde mit dem ›Golden Label‹ (Benelux) und ›Cle d’or‹ (Frankreich) ausgezeichnet.

Bojan Vuletić ist Komponist, Klangkünstler und Gitarrist. Musikalische Zusammenarbeiten verbinden ihn u. a. mit Markus Stockhausen, Nate Wooley, Bojan Z, dem Mivos Quartet, WDR Rundfunkorchester und -chor und den Düsseldorfer Symphonikern. Audio-Realisation von Ausstellungen in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Danica Dakić waren u. a. auf der documenta 12 Kassel, der Biennale Liverpool und auf der Biennale in Venedig zu sehen.

»Wie Olivia Wenzel nach Antworten auf Identitätsfragen sucht, das hat so viel Witz und Intelligenz, dass man die Befindlichkeiten dieser Figur gut nachempfinden kann«, schrieb die ›FAZ‹ über ›1000 Serpentinen Angst‹. Die Autorin Olivia Wenzel (*1985 in Weimar) schreibt Theatertexte und Prosa und macht Musik im Berliner Electronica Duo Otis Foulie. Wenzels Stücke wurden u. a. an den Münchner Kammerspielen, am Hamburger Thalia Theater, am Deutschen Theater Berlin und am Ballhaus Naunynstrasse aufgeführt. In der freien Theaterszene kollaboriert sie als Performerin mit Kollektiven wie vorschlag:hammer. ›1000 Serpentinen Angst‹ ist ihr erster Roman. Wenzel wurde mit dem Literaturpreis der Stadt Fulda 2020 und dem Mörike-Förderpreis der Stadt Fellbach 2021 ausgezeichnet.

»Ich habe mehr Privilegien, als je eine Person in meiner Familie hatte. Und trotzdem bin ich am Arsch. Ich werde von mehr Leuten gehasst, als meine Großmutter es sich vorstellen kann. Am Tag der Bundestagswahl versuche ich ihr mit dieser Behauptung 20 Minuten lang auszureden, eine rechte Partei zu wählen«, schreibt Wenzel in ›1000 Serpentinen Angst‹. In ihrem Roman schildert sie, wie es ist, in einem Theater die einzige schwarze Zuschauerin im Publikum zu sein. Oder wie man sich fühlt, wenn man mit seinem Freund an einem Badesee in Brandenburg sitzt und vier Neonazis kommen sieht. Wütend und leidenschaftlich schaut Wenzel auf unsere sich rasant verändernde Zeit und erzählt dabei auch die Geschichte ihrer Familie: von ihrer Mutter, die Punkerin in der DDR war und nie die Freiheit hatte, von der sie geträumt hat. Von ihrer Großmutter, deren linientreues Leben ihr Wohlstand und Sicherheit brachte. Und von ihrem Zwillingsbruder, der mit siebzehn ums Leben kam. Klug, berührend und mit Humor schreibt Olivia Wenzel über Rassismus und Sexismus, Osten und Westen, Herkunft und Verlust, Angst und Hoffnung.

Das sagt die Presse:

»Für mich eins der krassesten Leseerlebnisse des Jahres. Ganz abgesehen von der Thematik ist es in der literarischen Bauart eines der besten Bücher 2020.« (Denis Ohde, Deutschlandfunk Kultur)

»Literarisch souverän. Olivia Wenzel unterschlägt nichts, das ist der bleibende Eindruck dieses eindrucksvollen, schonungslosen, zärtlichen Romans.« (Frankfurter Allgemeine Zeitung)

Ursi Pfennig vereint Nostalgie mit Wagemut. Auch wenn Ursi eine Kunstfigur ist, die divenhaft über den Dingen schwebt, so ist sie spürbar und authentisch. Sie könnte als Freundin von Hildegard Knef durchgehen, nur singender. Ihre Songs bewegen sich zwischen Leichtigkeit und Melancholie, mit einem subtilen ironischen Twist – lässig, nie aufgesetzt und doch selbstbewusst. Ursi Pfennig sucht den Dialog mit dem Publikum und ihren Mitmusikern. So ist sie unterhaltsam und etwas unberechenbar. Wenn Ursi auf der Bühne erscheint – wer weiß, wonach ihr der Sinn steht?

Anikó Kanthak, in Köln lebende Songschreiberin, Sängerin, Produzentin, ist Ursi Pfennig. Nach zwei Jahren auf der Suche nach einem passenden Sound für deutsche Songs folgte Anikó einer Vision und arrangierte im Homestudio Musik im Stil von Songschreibern wie James Taylor und Joni Mitchel. »Mit deutschen Texten diese Anmutung und Stimmung in einem Bandkonzept zu vereinen – das wollte ich.« Schön und atmosphärisch sollte es werden, folkig, nah und deutschsprachig – aber nicht profan oder zu kitschig: »Kurz vor’m Schlager abbiegen«, lautet Anikós Devise.

»Als ich begann die Stücke zu mischen, gab es auf einmal einen Aha-Moment. Es stimmte alles für mich: der Sound, der Gesang, die Haltung, das Tempo. Nur mein Name, der schien nicht mehr zu passen.« So entstand ein Alter Ego mit der Freiheit, das Innerste kunstvoll auszudrücken: Ursi Pfennig!

Ihre Lieder sind getaucht in Nostalgie, mit einer Stimmfarbe, die etwas mehr Vibrato, weniger Soul und etwas tiefere Register verträgt. Die Tempi sind gedrosselt, Schlagzeug und Bass tragen die Stimme, ohne zu pumpen. Dazu weben sich Akustik- und Lap-Steel-Gitarre als Teppich um die atmosphärischen Bilder der Songs.

Anikó Kanthak war bereits 2020 mit ihrem Duo-Projekt Invisible Twins auf der Seebühne zu Gast.

Was bedeutet es, sich auf eine Person einzulassen, die vollkommen andere Voraussetzungen mitbringt als man selbst? In ›SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP‹ vermessen und feiern Lucy Wilke und Paweł Duduś ihre Beziehung als zärtlichen Pas de deux der Berührungen. Dazu spielt und mischt Kim Ramona Ranalter a.k.a. Kim Twiddle live Musik, die zwischen Meditation und Club changiert. Die Inszenierung war zum Theatertreffen Berlin 2021 eingeladen und wurde 2020 mit dem Deutschen Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie Beste Darsteller:in Tanz ausgezeichnet.

Die Schauspielerin und Sängerin Lucy Wilke wurde mit spinaler Muskelatrophie geboren und benutzt einen Rollstuhl, der Tänzer und Performancekünstler Paweł Duduś bezeichnet sich als Queer-Migrant-Feminist. Gemeinsam haben sie ein intimes, utopisch anmutendes Porträt ihrer Freundschaft entwickelt, die Grenzen sprengt. In einem humorvollen, sanften, sehr sinnlichen Tanz erforschen Wilke und Duduś, was der eigene und der andere Körper ist, wie wir ihn sehen, hören und fühlen, und hinterfragen so zugleich die Stereotypen und normativen Wahrnehmungen in der Gesellschaft und der Kultur. In sieben kurzen Kapiteln setzen die Performer*innen sich öffentlichen Blicken und Ohren aus und begegnen dem Publikum mit einer unbedingten Intimität. ›SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP‹ achtet die Verschiedenartigkeit, feiert das Nicht-Normative und bietet Einblicke in eine alternative Lebens- und Seinsform.

Lucy Wilke (*1984) ist Sängerin, Schauspielerin, Tänzerin, Autorin und Regisseurin. Sie schreibt Drehbücher, inszeniert Theaterstücke und führte Regie bei mehreren Kurzfilmen, Mit ihrer Band BLIND AND LAME tritt sie seit 2013 deutschlandweit auf. Seit Herbst 2020 ist sie festes Ensemblemitglied der Münchner Kammerspiele.

Paweł Duduś (*1989) ist in den Bereichen Tanz, Theater und Performance-Kunst tätig und beschäftigt sich in seinen künstlerischen Arbeiten immer wieder intensiv mit dem Thema Sexualität und Intimität, der Korrelation zwischen sexuellem Ausdruck und Identität und wie gewohnte Muster und Prozesse gebrochen werden können.

Kim Ramona Ranalter (*1981) ist Theatermacherin, Musikproduzentin, Musikerin und DJ* Kim Twiddle und arbeitet am liebsten mit Künstler:innen und Ensembles in interdisziplinären Projekten zusammen.

Lesen Sie hier ein Interview mit Lucy Wilke.

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Das sagt die Presse:

»Eine kleine, richtungsweisende Arbeit (…), die auf atmosphärisch dichte Art eine Freundschaft auslotet.« (Nachtkritik)

»Ein zutiefst intimer Abend, gleichsam berührend und voller Lebensfreude.« (Tanznetz)

»Ein Abend über Nähe, Akzeptanz und Hingabe, ein zärtlich-entspannter Pas de deux der Berührungen und Mikrobewegungen, der eher nebenbei auch unser normatives Sehen befragt.« (taz)

In einem Dorf mit Saloon, Goldmine, Eisenbahn und Kirche, errichtet auf rotem Lehmboden, drehen sieben südafrikanische Schauspieler:innen einen Western – und entlarven dabei all die gängigen, romantisierenden Klischees des Genres.

Die vielfach preisgekrönte Produktion ›Dark Noon – a western about us‹ entwickelten der dänische Regisseur Tue Biering und der südafrikanische Choreograf Nhlanhla Mahlangu gemeinsam mit Darsteller:innen aus Johannesburg und Pretoria. Das Stück taucht ein in die Zeit, als Millionen verarmte, weiße Europäer:innen über den Atlantik nach Amerika flohen, um sich im Wilden Westen ein neues Leben aufzubauen. Die Einwander:innen kämpften um eine zweite Chance, wollten Land erschließen, nach Gold schürfen und vom amerikanischen Traum zehren. Es ist eine gefährliche, nicht selten tödliche Reise: In »God’s own country« sind Leben nicht viel wert beim gnadenlosen Streben nach Glück.

Lange wurde die Geschichte ausschließlich aus der Perspektive der weißen, männlichen Bevölkerung dargestellt – die Vertreibung der amerikanischen Ureinwohner:innen und der damit einhergehende Völkermord an ihnen spielt in Western keine Rolle. ›Dark Noon‹ analysiert das Genre in einem satirischen Parforceritt durch die gnadenlose amerikanische Eroberungsgeschichte und entlarvt damit umso klarer die historische Fragwürdigkeit von Wildwest-Mythen.

Das Stück beginnt mit einer leeren Bühne. Nach und nach wird das Bühnenbild errichtet, während die Einwander:innen ihre Stadt in dem rauen, unwirtlichen Land aufbauen, in dem nicht alle Träume in Erfüllung gehen. Praktisch aus dem Nichts entwickelt sich ›Dark Noon‹ zu einem großen, visuell und emotional packenden Theaterspektakel mit schnellen Rollenwechseln, mitreißendem Rhythmus, Gesang und Hip-Hop-Musik in der Tradition des südafrikanischen Storytellings. Dabei werden die Europäer:innen von schwarzen Schauspieler:innen verkörpert. Insofern ist ›Dark Noon‹ nicht nur eine aus südafrikanischer Sicht erzählte Allegorie über den Kolonialismus der Weißen in der afrikanischen Welt, sondern hinterfragt auch, wer wen repräsentieren darf – ein kluger Kommentar zu aktuellen Debatten über kulturelle Aneignung.

Die dänische Gruppe Fix & Foxy produziert seit über zehn Jahren Theaterstücke, Performancekunst und immersive Installationen. Dem künstlerischen Leiter Tue Biering und seinem Team gelingt es meisterhaft, komplexe Narrative durch spielerische, unterhaltsame Formate zu erzählen und dabei Vorurteile zu hinterfragen. Oft laden Fix & Foxy dazu Menschen auf die Bühne ein, die nur selten in Theatern gezeigt oder repräsentiert werden. ›Dark Noon‹ wurde u. a. beim Reumert Award 2020, dem nationalen dänischen Theaterpreis, in der Kategorie ›Sonderpreis‹ ausgezeichnet und war für das Bühnenbild des Jahres nominiert. Bei asphalt 2022 ist es zum ersten Mal überhaupt in Deutschland zu sehen.

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Das sagt die Presse:

»Es ist anders und ich wage zu behaupten, dass es brillant ist. ›Dark Noon‹ ist ein hervorragendes Beispiel dafür, was moderne darstellende Kunst bieten kann!« (Ungt Teaterblod)

»›Dark Noon‹ ist eine echte Ensemble-Performance von Anfang bis Ende, ein Füllhorn an Ideen, Energie und Wildheit. Regisseur Tue Biering hat zusammen mit dem südafrikanischen Choreographen Nhlanhla Mahlangu eine wirklich einzigartige Performance mit internationalem Potenzial geschaffen.« (Danish Arts Council)

»›Dark Noon‹ hat mich tief berührt, mir eine Gänsehaut beschert, mich laut lachen lassen und einen Kloß im Hals verursacht.« (Enturikulturland.blogspot.com)

Am 24. Juni 2022 findet in Düsseldorf das große, international besetzte Symposium ALL IN statt. In Vorträgen, Workshops und Gesprächsrunden geht es darum, wie der Theaterbetrieb inklusiver werden und Menschen mit Behinderung besseren Zugang erhalten können. Das asphalt Festival veranstaltet das Abendprogramm des Symposiums auf dem Gelände der Alten Farbwerke.

Wir begrüßen die Symposium-Teilnehmer:innen und alle asphalt-Besucher:innen herzlich an der Cubit-Festivalbar. Bei freiem Eintritt unter freiem Himmel finden vor und nach der Vorstellung von SCORES THAT SHAPED OUR FRIENDSHIP Konzerte des Jazz-Trios open excess und des Elektro-Pop-Duos Unfall! statt. Das musikalische Programm wird durch ALL YOUR BASE reaktiv visualisiert, ein taktiles Tool des Künstlerduos CYLVESTER für audiovisuelle Medienkunst im urbanen Raum, das neue, interaktive Zugänge zu Musik und Kunst schafft.

Um 19:30 Uhr spielt das Jazz-Trio open excess. Pianist Lucca Keller, Bassist Torben Schug und Schlagzeuger Till Menzer teilen eine gemeinsame Faszination für Musik, die spontan im Moment entsteht. Dabei ist die überbordende und mit viel Witz gepaarte Spielfreude das Markenzeichen der Combo. Gespielt werden Stücke von Miles Davis, Wayne Shorter, Roy Hargrove und Eigenkompositionen. Für ihre Konzerte laden open excess auch immer wieder unterschiedliche Gastmusiker ein.

Pianist und Komponist Lucca Keller ist ein bunter Hund der NRW-Jazzszene und stilvoller Grenzgänger, der sich gerne aus harmonischen Vorgaben löst, was er auch auf seiner aktuellen Solo-CD ›mood of regrowing‹ beweist. Die Liste seiner musikalischen Kollaborationen scheint endlos. Bassist Torben Schug studierte in Enschede, Amsterdam und Köln Jazz und Popularmusik. Als Bassist des Ricciotti Ensemble in Amsterdam engagiert er sich dafür, Musik an Orte zu bringen, die sonst oft keinen direkter Zugang dazu haben – etwa in Krankenhäuser, Gefängnisse, Asylzentren, Kindergärten und auf öffentliche Plätze. Mit dem Orchester tourte er durch die Niederlande, die Türkei und Russland. Till Menzer ist ein umtriebiger Schlagzeuger der Kölner Szene. Er studierte an der Hochschule für Musik Franz Liszt in Weimar und an der ITÜ-Istanbul Jazz und traditionelle orientalische Perkussion. Mit seinen Bandprojekten – u. a. Horst Hansen Trio, FL!M, Naheli und Isaac Vacuum – tourt er durch ganz Europa.

Um 21:30 Uhr findet das Konzert von Unfall! statt. Das Elektro-Pop-Duo von Max Schweder und Martin Widyanata bewegt sich zwischen reduzierten 4/4-Takten und schmerzhaften Dissonanzen und macht daraus Deep-Porn-Pop. Live-Elektronik-Saxophon sowie hart modulierte Vocoder spielen dabei genauso eine Rolle wie klassisches Sampling und Looping.

Max Schweder ist Musiker, Performer und Multimedia-Artist und hat am ArtEZ Conservatorium in Arnhem und an der Hochschule für Musik und Tanz Köln Jazz-Saxofon und Musikproduktion studiert. Neben seiner Musik realisiert er reaktive audiovisuelle Kunstprojekte. An der KHM Köln absolvierte Max Schweder 2020/2021 ein Fellowship und ist zudem als künstlerischer Forscher am Royal Conservatoire Antwerp (Belgien) tätig und Alumni der Akademie für Theater und Digitalität Dortmund. Martin Widyanata studierte Medieninformatik an der FH-Bonn-Rhein-Sieg, Musikinformatik an der HfM Karlsruhe und macht derzeit seinen Master am Institut für populäre Musik (IfPOM) der Folkwang Universität der Künste. Er ist DJ, Produzent elektronischer Musik und Co-Produzent diverser Künstler:innen aus verschiedenen Genres. Zudem wirkt er in Theaterproduktionen mit und agiert dort als Komponist, Musiker und Performer.

Wo Desmadre Orkesta auftritt, steigt die Party! Die Band aus Buenos Aires spielt volkstümliche Melodien und Traditionals, überraschend neu und virtuos arrangiert. Gleich drei Blechbläser:innen, ein Akkordeonist und eine Rhythmusgruppe nehmen das Publikum mit auf eine musikalische Reise von Balkan Brass über kolumbianische Cumbias und Swing aus New Orleans bis hin zu argentinischen Milongas. Dass sich das Ensemble vor neun Jahren aus Musiker:innen einer Theaterproduktion zusammenfand, merkt man ihm heute noch an: Bei Desmadre Orkesta ist die Performance mindestens so wichtig wie die Musik. Die Bandmitglieder sind ständig in Bewegung, tanzen, interagieren mit dem Publikum und strotzen nur so vor Energie und guter Laune. Kein Wunder, dass sie ebenso gerne als Marching Band auf der Straße wie auf großen Bühnen auftreten. Jedes Konzert mutiert zu einer fröhlichen, intensiven und dynamischen Show, die die Zuhörer:innen mit einem Lächeln im Gesicht und einem glücklichen Herzen zurücklässt.

Die argentinische Band hat bereits mehrere Tourneen in Europa und Indien absolviert. Ihr Album ›Vendaval‹ war bei den UK Latin America Awards in der Kategorie ›Best Album of the Year 2019‹ nominiert.

Sechs musikalische Grenzgänger:innen, zwölf Instrumente, fünf Sprachen und ein Feuerwerk aus Emotionen: RasgaRasga strotzen nur so vor Energie und Lebensfreude. Die Band um die charismatische Sänger Daria Assmus macht Musik zwischen Folk und Pop, Balkan- und Worldbeats. Die fünf Instrumentalisten kennen sich schon seit der Schulzeit und machen bereits jahrelang gemeinsam Musik, 2020 stieß mit Assmus eine neue Sängerin hinzu. Die RasgaRasga-Frontfrau, die den Vergleich mit der französischen Nouvelle-Chanson-Sängerin ZAZ nicht zu scheuen braucht, singt auf Englisch, Deutsch, Spanisch, Französisch oder ihrer ganz eigenen Sprache – mal hoch energetisch, klar und direkt, dann wieder melancholisch-träumerisch.

Durch zahlreiche Auftritte in Clubs, Kulturzentren und auf Festivals haben sich RasgaRasga den Ruf als absolut mitreißende Live-Band erspielt. 2019 gewannen sie den Hauptpreis des creole NRW Wettbewerbs für globale Musik. Die Band hat bereits mehrere Alben veröffentlicht, darunter schaffte es ›Hafen Fleur‹ auf die Longlist des Preises der deutschen Schallplattenkritik. Ihre aktuelle EP ›Aperitif‹ entwickelt mit einem stetig nach vorne treibenden Downtempo-Beat aus Schlagzeug, Bass, Banjo und Geige einen Sog, der unweigerlich auf die Tanzfläche zieht.

»Ausgetüftelte Arrangements mit großer Spielfreude und mitreißender Energie« (Jury-Begründung zur Verleihung des creole NRW Preises)

Die bildenden Künstler Marcos Castro und Mauro Giaconi aus Mexiko-Stadt entwickeln im Weltkunstzimmer exklusiv für das asphalt Festival mehrere Site-Specific-Installationen.

Marcos Castro entfaltet an den Wänden und im Raum eine Art Bühnenbild, inspiriert von der traditionellen mexikanischen Wandmalerei. Er reflektiert über das mexikanische postrevolutionäre Gedankengut, indem er Elemente der offiziellen Geschichtsschreibung neu interpretiert, aus der erweiterten Malerei hybride grafische Beziehungen schafft und Symbole verschiedener Kulturen entlehnt – von der mexikanischen Tradition bis hin zur mexikanischen Punkkultur.

Mauro Giaconi breitet im Raum eine Installation aus, die auf Anekdoten über die mexikanische Revolution und den Einsatz von Illusionen als Strategie zur Veränderung der Realitätswahrnehmung im Kampf beruht. Mit Holzpflöcken, Mehl, Wasser und Hitze besetzt er den Raum wie in einer Schlachtordnung und provoziert ein Szenario symbolischer und historischer Überschneidungen, das in einer surrealen Landschaft hybrider Beziehungen zwischen Revolutionen, Anarchie und Brot präsentiert wird.

Marcos Castro (*1981 in Mexiko-Stadt) studierte Bildende Kunst an der Nationalen Schule für Malerei, Bildhauerei und Grafik ›La Esmeralda‹ in Mexiko-Stadt. Er hatte bereits mehrere Einzelausstellungen in Mexiko, den USA und Europa und war international in zahlreichen Gruppenausstellungen vertreten. Seine Arbeiten sind Bestandteil verschiedener renommierter Sammlungen in Mexiko und den USA, u. a. des Museum of Modern Art in Mexiko-Stadt. 2007 und 2014 erhielt Castro das Stipendium für junge Künstler des Nationalen Fonds für Kultur und Kunst (FONCA) der mexikanischen Regierung. 2008 nahm er am 18th Street Arts Center in Los Angeles teil, 2014 wurde er für die Omi-Residence in New York ausgewählt. 2016 hatte er eine Künstlerresidenz in Skowhegan, Maine, USA inne, 2018 die Dedazo-Residenz im Ejido Felipe Carrillo Puerto im mexikanischen Chiapas. Castros Werk ist stark geprägt von traditionellen mexikanischen Wandmalereien, zeigt aber auch Einflüsse des Neo-Expressionismus sowie eine zeitgenössische Gothic- oder Punk-Ästhetik. Seine Malerei, Zeichnungen und Skulpturen greifen eine Vielzahl von symbolischen Elementen und ästhetischen Codes der mexikanischen Identität auf. Durch die Dekonstruktion patriotischer Symbole oder die Neuinterpretation verschiedener historischer Ereignisse, von der prähispanischen Geschichte bis zur 68er-Bewegung, gelingt es Marcos Castro, tief verwurzelte Mythen sowie offizielle historische und nationalistische Diskurse in Frage zu stellen.

Mauro Giaconi (*1977 in Buenos Aires, Argentinien) absolvierte sein Kunststudium an der Nationalen Kunstschule Prilidiano Pueyrredón in Buenos Aires. Seit 2011 lebt und arbeitet er in Mexiko. Giaconi war Stipendiat des Buenos Aires Artistic Research Center (CIA), Stipendiat des Bemis Center for Contemporary Art (Omaha, USA), der Skowhegan School of Painting and Sculpture (Maine, USA), des Omi International Art Center (New York, USA) und der Solentiname Art Residency (Solentiname, Nicaragua). Seine Werke wurden bereits in Einzelausstellungen in Lateinamerika, den USA und Europa gezeigt, außerdem war er international in Gruppenausstellungen vertreten. Arbeiten von Giaconi befinden sich in Sammlungen wie der SPACE Collection (USA), dem Museum für Moderne Kunst in Buenos Aires (Argentinien) oder dem Miami Art Museum (USA). Er erhielt u. a. 2001 den ersten Preis beim argentinischen Philips Award for Young Talents und 2004 und 2006 eine lobende Erwähnung beim Salon of Drawing and Engraving in Buenos Aires. Ausgangspunkt der künstlerischen Arbeiten von Mauro Giaconi sind vor allem Graphitzeichnungen, die sich auf andere Disziplinen wie Skulptur und Installation ausweiten. Seine räumlichen Interventionen und Bilder erkunden formale, historische und kulturelle Merkmale und Besonderheiten von Alltagsgegenständen, wobei er sich auf die Materialität dieser Elemente konzentriert, um sie prozessual zu untersuchen und zu transformieren. Giaconi arbeitet dabei vorwiegend mit ausgemusterten oder weggeworfenen Objekten. Architektur, Struktur, Erinnerung und Umwelt sind Schlüsselelemente im Werk des argentinischen Künstlers.

Die israelische Schauspielerin, Sängerin und Tänzerin Liraz Charhi ist nicht nur ein Superstar in Israel, sondern hat auch im Iran viele Fans: Die prominente Künstlerin ist Jüdin mit iranischen Wurzeln, hat für ihr neues Elektro-Pop-Album ›Zan‹ heimlich mit Musikern aus dem Iran zusammengearbeitet und singt auf Farsi. »Man könnte es subversive Diplomatie nennen«, urteilte die Deutsche Welle über das riskante Projekt – denn Iranern ist der Kontakt mit Israelis gesetzlich verboten. Diese kulturelle Kollaboration ist ›Underground-Musik‹ im tatsächlichen Wortsinn, denn alles musste im Geheimen aufgenommen werden. Liraz mixt zeitgenössischen Elektropop mit pulsierenden Rhythmen des Nahen Ostens und persischen Retroklängen – und wurde vom einflussreichen britischen ›Songlines Magazine‹ 2021 zur ›Künstlerin des Jahres‹ gekürt.

Beim asphalt Festival gibt es eine Weltpremiere: Liraz wird erstmalig gemeinsam mit Sistanagila auftreten. Die Band gründeten iranische und israelische Musiker in Berlin, weil ihre Heimatländer verfeindet sind. Über die politischen Spannungen hinweg suchen Sistanagila den Dialog – mittels der Universalsprache der Musik. Der Bandname ist eine iranisch-israelische Wortschöpfung: ›Sistan‹ ist der Name einer iranischen Provinz und Nagila ist dem ungemein populären hebräischen Volkslied ›Hava Nagila‹ entlehnt, dessen Titel so viel wie »Kommt zusammen« bedeutet. Sistanagila bedienen sich folkloristischer und religiöser Melodien aus Klezmer, sephardischer und traditionell persischer sowie klassischer und zeitgenössischer Musik. Die unterschiedlichen Melodien und Motive, neu arrangiert mit Einflüssen von Flamenco und Jazz bis hin zu progressivem Metal, verschmelzen zu einer Musik, die sowohl religiöse wie moderne Elemente kultureller Identität zum Ausdruck bringt, eine Brücke zwischen zwei Welten baut und etwas ganz Neues entstehen lässt. Ganz nach der Überzeugung: Unterschiede müssen nicht entzweien, sie können bereichern.

Liraz und Sistanagila werden Stücke aus ihrem jeweils eigenen Repertoire spielen, die extra für dieses asphalt-Konzert teilweise neu arrangiert werden und auch einige neue Songs präsentieren.

Die Projektserie ›Dramaturgie für eine Konferenz‹ des argentinischen Künstlers Matías Umpierrez schafft Raum für Denker:innen und Künstler:innen, gemeinsam Fragen der Zeit performativ zu untersuchen. Im Auftrag von Umpierrez haben Einat und Eyal Weizman ein Manual mit dem Titel ›Negative Evidenz‹ verfasst, das vier Performerinnen zur Verfügung gestellt wurde, damit sie auf dessen Basis eine Performance entwickeln. Die vier Solo-Performances sollten ursprünglich beim asphalt Festival 2021 präsentiert werden, doch die Reisebeschränkungen während der Pandemie verhinderte dies. Anstatt das Projekt abzusagen, erarbeiteten die Künstler:innen ein neues Konzept für die Dramaturgie einer Konferenz in der erweiterten Realität, die nun bei asphalt 2022 uraufgeführt wird.

Die Performerinnen stellen jeweils eine konkrete Begebenheit ins Zentrum einer künstlerischen Arbeit, die kolonialistische Strukturen in ihren Herkunftsländen entlarvt. Die Inuk-Performerin Laakkuluk Williamson Bathory aus Kanada, die Xhosa-Choreografin Mamela Nyamza aus Südafrika, die indische Performerin Mallika Taneja und die isländische Choreografin Erna Ómarsdóttir folgen dem im Manual vorgegebenen Pfad des ›forensischen Theaters‹

Das Manual ist eine Anleitung, um Dokumentartheater neu zu definieren. Ausgangspunkte liefern aktuelle Dokumente des 21. Jahrhunderts wie Tweets, Blogs, Fotos, Artikel oder Videos. Es wird analysiert, was eine wahre Aussage heute ausmacht und ob Kunst der Wahrheit zu einem neuen, kraftvollen Ausdruck verhelfen kann. Wie findet man die Wahrheit, wenn es keine Beweise gibt? Die Übertragung der Solo-Performances in die erweiterte Realität macht die Beantwortung dieser Frage umso spannender. Der dabei angestoßene Diskurs zur Wahrnehmung von kolonialen Machtstrukturen erhält durch die körperliche Abwesenheit der Performerinnen inhaltlich wie ästhetisch eine besondere Dringlichkeit.

Während der Öffnungszeiten des K21 können kostenlos Tablets und Kopfhörer ausgeliehen werden, um die Solo-Performances als Augmented-Reality-Installation zu erleben. Die Zuschauer:innen können sich dabei sowohl auf dem Außengelände des K21 als auch auf der Piazza bewegen und so eine Verbindung zwischen virtuellem und analogem Raum eingehen.

Laakkuluk Williamson Bathory ist eine kalaaleq (grönländische Inuk) Performance-Künstlerin, Dichterin, Schauspielerin, Geschichtenerzählerin und Schriftstellerin, die in Iqaluit, Nunavut, lebt. Sie ist bekannt für die Aufführung von ›uaajeerneq‹, einem grönländischen Maskentanz, der Geschichten erzählt und drei Elemente in den Mittelpunkt stellt: Angst, Humor und Sexualität. Laakkuluk beschreibt ›uaajeerneq‹ sowohl als politischen und kulturellen Akt als auch als eine eigenwillige Kunstform. Ihr Solo für ›Dramaturgie für eine Konferenz #2‹ realisierte sie zusammen mit ihrem langjährigen Mitarbeiter Jamie Griffiths. Die Filmemacherin, Fotografin, bildende Künstlerin und Performer befasst sich mit Fragen der Identität, des Wohlbefindens, der Transparenz und des Kolonialismus, mit Ausstellungen und Performances in Kanada, Großbritannien, den USA und der EU. Griffiths arbeitet mit Kameras, Ton, Projektionen und Licht und nutzt maßgeschneiderte Software für interaktive Installationen und Performances.

Die Choreografin und Kunstaktivistin Mamela Nyamza aus Südafrika ist ausgebildete Balletttänzerin. In ihrer Arbeit setzt sie sich mit dem klassischen Genre des Tanzes auseinander, indem sie die traditionellen Methoden und die Logik des Balletts und des zeitgenössischen Tanzes dekonstruiert und die Ereignisse ihrer Kindheit in den 1980er Jahren und kulturelle Traditionen sowie aktuelle soziale Missstände wie HIV/Aids, häusliche und sexuelle Gewalt und Drogenmissbrauch erforscht. Auch ihre Biografie als schwarzafrikanische, lesbische Mutter fließt in ihre Arbeit ein.

Mallika Taneja lebt und arbeitet in Neu-Delhi, Indien. In ihren Performances, Installationen und kuratorischen Arbeiten beschäftigt sie sich mit Fragen von Geschlecht, Solidarität und Erinnerung. Ihr besonderes Interesse gilt den politischen Möglichkeiten von performativen Ensembles und der Rolle, die Lieder beim Hinterlassen und Sammeln von Spuren von Menschen, Orten und Dingen spielen. Einige ihrer Werke und kollaborativen Räume sind ›Be Careful‹, ›Allegedly‹, ›Rest of the Struggle‹ und ›Women Walk at Midnight‹. Für ›Be Careful‹ wurde sie 2015 mit dem ZKB Anerkennungspreis und für ›Allegedly‹ 2021 mit dem ZKB Förderungspreis ausgezeichnet.

Erna Ómarsdóttir aus Island ist eine Tänzerin, Choreografin und Rocksängerin, deren mit explosiver Energie geschaffene Werke sich als eine Mischung aus Erzählung, Absurdität und Horror, konzertanten Elementen und poetischen Bildern lesen. Sowohl als unabhängige Künstlerin als auch als künstlerische Leiterin der Iceland Dance Company hat Ómarsdóttir eine Reihe hochgelobter Werke geschaffen und inszeniert, die weltweit gezeigt wurden und große internationale Anerkennung gefunden haben.

Einat Weizman ist Dramatikerin und Regisseurin und befasst sich vor allem mit dokumentarischem Theater. Eyal Weizman ist Architekt, Schriftsteller, Professor für Spatial and Visual Cultures und Direktor des Centre for Research Architecture am Goldsmiths College in London. Seine Forschungsagentur ›Forensic Architecture‹ untersucht Verbrechen gegen die Menschlichkeit.

Matías Umpierrez gilt als einer der innovativsten Theaterregisseure Lateinamerikas, seine Projekte u. a. mit seiner Compagnie Plataforma Fluorescente bewegen sich zumeist an der Grenze zwischen Theater und bildender Kunst. Seine Arbeiten werden weltweit in Theatern und Museen gezeigt, zudem entwickelte er ›site-specific performances‹ u. a. in Fabriken in Sâo Paulo oder auf Berggipfeln in den Pyrenäen.

Die Agentur A4VR mit Sitz in Düsseldorf ist europaweit führend für Konzepte und Anwendungen in der virtuellen und erweiterten Realität. Gemeinsam mit A4VR konnte die erste Dramaturgie für eine virtuelle Konferenz konzipiert werden.

Wo immer man Jelena Popržan stilistisch verorten will: Ob Neue und Alte Musik, World Music, Singer-Songwriting, Kabarett, Neues Wienerlied, Folk oder Jazz – die Musikerin und Sängerin saugt sich den Nektar aus all diesen Genres und lässt ihre ureigene Mischung daraus gären.

Vor rund zehn Jahren begann Popržan mit dem Duo ›Catch-Pop String-Strong‹ Wiens Bühnen unsicher zu machen, auch mit den Ensembles ›Madame Baheux‹ und ›Sormeh‹ festigte sie ihren Ruf als einfallsreiche Arrangeurin, expressive Stimmkünstlerin und Entertainerin mit komödiantischem Talent und politischem Engagement. Beim asphalt Festival präsentiert die betörende Sängerin und großartige Bratschistin auf der Seebühne ihr aktuelles Soloprogramm. An Instrumenten und technischem Equipment hat sie unter anderem eine fünfsaitige Bratsche, eine Maulgeige, eine Glasharfe und einen Looper im Gepäck. Zudem ist Jelena Popržan eine wunderbare Geschichtenerzählerin und singt in mehreren Sprachen. Eine abwechslungsreiche Revue darf erwartet werden, mit Songs, Kompositionen, Sounds, Hommagen an vergessene Traditionen und unvergessliches Neues.

Jelena Popržan wurde in Serbien geboren, begann ein Violastudium in Belgrad und setzte es 2002 in Österreich fort, wo sie bis heute lebt und arbeitet. Neben ihren Solo- und Bandprojekten schreibt sie auch Musik für das Theater und arbeitet interdisziplinär mit verschiedenen Künstler:innen. 2020 veröffentlichte sie ihr Soloalbum ›La Folia‹. Popržan ist vielfach preisgekrönt – sie gewann u. a. den Vojin Draškoci Award 2020 der World Music Association von Serbien, den Ersten Niederstätter surPrize 2021 und wurde mehrfach beim österreichischen Nestroy-Theaterpreis und Stella-Preis für ihre Theatermusiken nominiert und ausgezeichnet.

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Das sagt die Presse:

»Eine der vielseitigsten und wandlungsfähigsten Musikerinnen des Landes« (Radio Ö1, Jazz-Magazin)

»Jelena Popržan liefert ein Stück Musik ab, das auf wunderbare Weise zu fesseln vermag und in höchstem Maße mit Stil zu unterhalten weiß.« (MICA-Music Austria über ›La Folia‹)

Eine fantastische Stimme, eine groovende Band und großartiges Songwriting – von diesem aufstrebenden R’n’B-Künstler wird man in Zukunft sicher noch viel hören. Giovanni Jano, besser bekannt als JAEL, ist ein 28-jähriger Musiker, Sänger, DJ und Produzent aus Den Haag mit indonesischen Wurzeln. In seiner Kindheit war er ständig von indonesischen Volksliedern, Gospel und japanischem Funk umgeben, seine Eltern infizierten ihn schon früh mit ihrer Leidenschaft für Soul und R’n’B. Nach seinen heutigen Lieblingskünstler:innen gefragt, nennt der niederländische Musiker unter anderem D’Angelo, Anderson .Paak, H.E.R. und Pino Palladino. All diese Inspirationen sind aus JAELS eigenem, charakteristischen Sound herauszuhören: Souligen R’n’B, Funk und basslastige Hip-Hop-Beats vermengt er zu einem neuen, frischen Stil.

Nach den EPs ›Time‹ und ›Unworthy‹ hat Multitalent JAEL unlängst sein Debütalbum ›Half As Much‹ veröffentlicht, auf dem unter anderem Alex Isley, Grammy-Gewinner Rae Khalil, Jayla Darden, Phabo und The Kount zu hören sind. 

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Das sagt die Presse:

»Der unglaubliche JAEL lässt sich nicht auf eine Musikrichtung reduzieren. Seine Talente als Künstler, DJ, Multiinstrumentalist, Sänger und Produzent verschmelzen nahtlos in seiner frischen und zeitlosen Musik.« (The Blues Project)

Das könnte ein neuer Stern am Jazzhimmel werden: Triorität spielen sich gerade in die erste Liga der neuen deutschen Jazzbands. Ihr 2020 erschienenes Debütalbum ›ALGO‹ wurde vor allem in England begeistert aufgenommen. Von Gilles Peterson und vielen seiner Worldwide-FM-Kolleg:innen bis zu BBC 6 gab es nichts als Lobeshymnen. Manchen gilt das Trio aus Darmstadt bereits als die deutsche Antwort auf Yussef Kamaal und den explosiven Sound des UK Jazz.

Triorität spielen Dancefloor-Jazz im wahrsten Sinne: Uplifting Drum-Beats, repetitive Rhodes Riffs, die sich im Unterbewusstsein verbohren, und bisweilen fast schon technomäßige Energien machen diese Band vor allem live zu einem Erlebnis. Die drei Musiker lassen sich für ihre ›Organic Dance Music‹ von Fusion-Jazz der 70er-Jahre und Disco ebenso inspirieren wie von modernem House und Hip-Hop. Das Ergebnis sind tanzbare Stücke und stimmungsvolle, raffinierte Jams. Für ihren neuen, modernen Jazzsound wurden Triorität bereits mit dem Darmstädter Musikförderpreis ausgezeichnet.

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Das sagt die Presse:

»Eines der spannendsten Trios des zeitgenössischen Jazz, der gerne über Genregrenzen hinwegsieht.« (Byte FM)

Der Lyriker, Musiker und bildende Künstler Marlon Bösherz zieht während des asphalt Festivals in das Weltkunstzimmers ein und lebt und arbeitet in einem offenen Atelier. Die Besucher:innen erhalten Einblick in künstlerische Entstehungsprozesse und können hautnah verfolgen, wie Bösherz zeichnet und liest, schreibt und denkt – ein purer, unmittelbarer Schulterblick in das Künstlerdasein. Bösherz legt seine Skizzenhefte offen, publiziert unter Beobachtung und wird spontane Lecture Performances seiner neuen Texte abhalten, die zum Teil auch unter dem Einfluss von Gesprächen mit Gästen entstehen.

Nach einem Philosophie- und Geschichtsstudium an der Universität Duisburg-Essen und zahlreichen Ausstellungen und Performances in Wohnateliers ist Marlon Bösherz seit 2015 Student an der Kunstakademie Düsseldorf. Aktuell ist er in der Klasse John Morgan und Assistent von Durs Grünbein. Dank eines Stipendiums lebte er 2019/2020 in einem Wohnatelier an der Cité International des arts in Paris und schloss seinen Aufenthalt mit einer Ausstellung und der Buchveröffentlichung ›Rattenzählen an der Pont Marie‹ ab. Bösherz’ Ausstellungen verbinden genreübergreifend Malerei, Zeichnung, Objektkunst, Installation und Skulptur und werden stets von performativen Aktionen und Poesie begleitet. Seit 2012 ist Bösherz zudem Sänger und Bassist der Band Botticelli Baby, die europaweit Konzerte spielt und bislang drei Alben veröffentlichte. Bösherz blickt bereits auf mehrere Solo- und Gruppenausstellungen zurück und veröffentlicht regelmäßig Musik und Poesie in limitierten Editionen. 2022 gründete er gemeinsam mit der Künstlerin Josefine Henning das Kunstkollektiv ›DJOundBO – TRÄNEN, SEX und ALKOHOL‹.

Lesen Sie hier ein Interview mit Marlon Bösherz.

Im Eröffnungskonzert des asphalt Festivals 2023 trifft der weltweit gefeierte Jazzpianist Omer Klein auf das Aris Quartett, das in der Klassikszene als »eines der aufsehenerregendsten Ensembles der jungen Generation« (ARTE) gilt und mit seiner unverwechselbaren Klangsprache längst zur Top-Riege der Kammermusik zählt. Das besondere Konzert umfasst Eigenkompositionen von Omer Klein, seine Arrangements von Stücken von Jazzgrößen wie Wayne Shorter und Sidney Bechet, aber auch klassische Stücke für Streichquartett – sowohl im Original als auch als Basis für jazzige Improvisationen. Das Programm »Shake it!« ist ein eindrucksvolles Beispiel, was aus der Verbindung von Klassik und Jazz, Tradition und Neuem entstehen kann. Für sein Arrangement von Wayne Shorters »Oriental Folk Song« für Klavier und Streichquartett war Omer Klein für den Deutschen Jazzpreis 2023 nominiert.

Die Musik des Pianisten und Komponisten Omer Klein ist »grenzenlos« (New York Times). Seit 2017 bei Warner Music unter Vertrag, erhielt er 2018 den ECHO Jazz Award für sein Album »Sleepwalkers«. Im März 2023 erscheint mit dem Album »Life & Fire« sein 10. Album, mit dem sein Trio auch sein 10-jähriges Band-Jubiläum feiert. Klein spielt international auf renommierten Festivals und in Konzerthäusern, u. a. bei North Sea Jazz, Jazz at Lincoln Center, in der Elbphilharmonie, Alte Oper Frankfurt, Berliner Philharmonie und im Wiener Konzerthaus. Er konzertiert regelmäßig mit dem Mandolinen-Star Avi Avital, der NDR Big Band und dem Klassik-Perkussionisten Alexej Gerassimez. Geboren 1982 in Israel, studierte Omer Klein Jazz- und Klassisches Piano in Boston und New York. Seit 2009 lebt er in Deutschland, nach einigen Düsseldorfer Jahren aktuell in Frankfurt.

Das Aris Quartett zählt zu den jungen Himmelsstürmern im Konzertgeschehen. 2009 in Frankfurt am Main gegründet, spielen sich die Musiker:innen seit einigen Jahren beständig auf die ersten Bühnen – darunter das Konzerthaus Wien, das Konzerthaus Berlin, die Alte Oper Frankfurt und wiederholt das Schleswig-Holstein Musik Festival. Neben künstlerischer Exzellenz beeindrucken die Musiker:innen besonders durch ihre Leidenschaft und Emotionalität. Der Erfolg des Ensembles spiegelt sich auch in seinen Auszeichnungen wider: Mit zahlreichen Ersten Preisen bei renommierten Wettbewerben gelang dem Aris Quartett schnell der internationale Durchbruch. Die Musiker:innen sind in der Saison 2022/23 »Rising Stars« des ECHO-Netzwerks der großen Konzerthäuser Europas, zählen zu den »New Generation Artists« der BBC und erspielten sich beim Internationalen Musikwettbewerb der ARD in München gleich fünf Preise. Neben regelmäßigen Auftritten in Radio und TV hat das Aris Quartett mittlerweile schon sechs von der Fachpresse vielbeachtete CD-Produktionen vorgelegt. Zuletzt erschien eine Aufnahme mit Werken von Beethoven und des zeitgenössischen Komponisten Gerald Resch.

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Der Multiinstrumentalist Miroca Paris von den Kapverdischen Inseln begeistert weltweit mit seinem mitreißenden Drums- und Percussion-Sound und seinem einzigartigen, rhythmisch treibenden Gitarrenspiel. Mit seiner rauen, markanten Stimme bringt er die berühmte lusophone »Saudade«-Sehnsuchtsmusik auf die Bühnen der Welt.

In seiner Heimat wird Miroca Paris auch »Island Rhythm Innovator« genannt. Der Sänger, Perkussionist und Gitarrist gehört zu einer neuen Generation kapverdischer Künstler, die in Portugal ihre zweite Heimat gefunden haben. Er teilte die Bühne mit Popikone Madonna und tourte über zehn Jahre in der Band von Cesária Évora, der legendären, 2011 verstorbenen Königin der kapverdischen Musikrichtung Morna, einer musikalischen Schwester des Fado. Sein Debütalbum »D’Alma«, das Miroca Paris mit renommierten Musiker:innen von Brasilien bis Kuba aufgenommen hat, bietet mitreißende Interpretationen der von kreolischen portugiesisch-afrikanischen Kulturen und vielen Rhythmen beeinflussten Musik der Kapverden. Lebensfreude und groovende Rhythmen machen die Konzerte von Miroca Paris zu einem Erlebnis!

Miroca Paris ist der jüngste Sproß einer bekannten Musikerfamilie der Kapverden. Bereits mit sieben Jahren begann er Schlagzeug zu spielen. In seiner langjährigen Musikkarriere hat Miroca Paris auch mit namhaften Künstler:innen wie Sara Tavares, Angélique Kidjo, Bonga, Mariza oder seinem Onkel Tito Paris zusammengearbeitet. 2022 war Miroca Paris bei den International Portuguese Music Awards für die beste Performance nominiert.

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Das sagt die Presse:

»Ein Meister präziser, mitreißender Grooves.« (WOXX Magazine)

»Ein Mann mit vielen Talenten – Singer-Songwriter, begnadeter Gitarrist und Perkussionist.« (PRI The World)

»Wir haben uns wieder in Rhythmus verliebt!« (El Pais)

»Bei dieser Musik muss man einfach tanzen.« (kultur-kritik.net)

Eine energiegeladene Reise durch Rock, Jazz und Psychedelic Prog: FHEELS sind talentierte Brückenbauer zwischen Rock-Vergangenheit und -Moderne, zwischen Anspruch und Eingängigkeit, zwischen künstlerischem Wagemut und handwerklichen Skills – eine Mischung, wie man sie auf internationaler Ebene von Bands wie Elbow, Interpol oder Radiohead kennt. Die Hamburger Band hat 2022 ihr erstes Studioalbum »Lotus« vorgelegt, dem die EP »Traveller« und professionelle Videoproduktionen vorausgingen. Der Bandname ist eine Wort-Neuschöpfung aus den englischen Begriffen »wheels« und »feelings« – schließlich ist Frontmann Felix Brücker auf vier Rädern unterwegs, seit er durch einen Snowboard-Unfall mit 17 Jahren auf einen Rollstuhl angewiesen ist.

Der Sänger mit dem beeindruckenden stimmlichen Spektrum befasst sich in seinem sehr intimen und persönlichen Songwriting auch immer wieder mit dem Thema Behinderung. Für Aufmerksamkeit weit über die Musikpresse hinaus sorgte etwa das explizite Video zur Single »Sharp Dressed Animals«, in dem Brückner mit Schauspielerin Laura Ehrich zu sehen ist und das Lust und Sexualität aus der Perspektive eines Mannes mit Querschnittlähmung thematisiert. FHEELS verstehen sich nicht nur in musikalischer Hinsicht als Brückenbauer, sondern auch beim Thema Inklusion.

FHEELS spielen regelmäßig auf Festivals und geben Liveshows in intimen Clubs, werden aber höchstwahrscheinlich nicht mehr lange für den Weg auf die großen Bühnen brauchen. Die Band war bereits 2021 bei asphalt Festival zu Gast und hat die Seebühne mit ihrem anspruchsvollen Alternative Rock derart gerockt, dass eine Wiedereinladung quasi unausweichlich war.

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Das sagt die Presse:

»Die Weite des Post-Rock und des Stadions. Die Enge des Jamkellers und der Bluesbar. Den Horizon der ganzen Rocklandschaft – FHEELS denken groß. Felix Brückner ist einer der variabelsten, charismatischsten, einnehmendsten und schlichtweg besten Sänger, die wir in diesem Land haben.« (VISIONS)

»Brückners Stimme, die in einer Leichtigkeit von einer zerbrechlich zarten Kopfstimme in volle, rauhe Tiefen wechselt, trifft mitten ins Herz.« (Independent-Musikmagazin Vinyl-keks.eu)

»No need to run when the sun is coming« – Kim Churchills Lebensmotto verrät viel über seine Art Musik zu machen. Der Australier mit den langen, sonnenblonden Haaren reiste jahrelang in seinem Wohnmobil als Straßenmusiker durch die Welt, das Surfbrett immer an Bord. In seinen Songs, in denen es regelmäßig auch ums Wellenreiten geht, verarbeitet der Singer-Songwriter die Erfahrungen seiner Reisen. Mit seinem leidenschaftlichen Gesang, den er solo mit Gitarre, Mundharmonika, Tamburin und Standschlagzeug begleitet, lässt er ganze Landschaften im Kopf der Zuhörer:innen entstehen, die er mit seiner magnetischen Bühnenpräsenz mühelos in den Bann zieht.

2009 gewann Kim Churchill den australischen Straßenmusiker-Wettbewerb Byron Bay Bluesfest und wurde als National Youth Folk Artist of the Year ausgezeichnet. Schon mehrfach war er für die APRA Music Awards nominiert, dem australischen Gegenstück zu den Grammys. Mittlerweile ist Churchill international ebenso anerkannt wie in seinem Heimatland Australien und hat schon nahezu weltweit Konzerte gegeben. Tourneen führten ihn u. a. nach Kanada, Europa, Südafrika und in die Vereinigten Staaten. Er spielte u. a. beim Glastonbury Music Festival, dem Internationalen Jazzfestival Montreal und bei South By South West und war Support von Milky Chance, Billy Bragg und Michael Franti.

2020 hat Kim Churchill eine Sammlung von EPs mit dem Titel »I Am Forgetting The End Again« veröffentlicht. Jede EP wurde in einem anderen Teil der Welt mit einem anderen Produzenten aufgenommen, u. a. in Berlin, auf Vancouver Island und in den australischen Blue Mountains. Anfang 2023 ist »Dawn Sounds« erschienen, sein mittlerweile siebtes Studioalbum, das er im Frühling und Sommer auf einer großen Tournee durch Australien und Europa live präsentieren wird.

»Das Album ist eine Sammlung von Songs, die ich an 100 Morgen bei Sonnenaufgang geschrieben habe – eine wunderbare, ruhige Zeit in der Welt und in meinem Kopf«, sagt Kim Churchill. Produziert und aufgenommen wurde »Dawn Sounds« in einem Studio im Hinterland von Byron, ebenfalls in einer ganz besonderen Atmosphäre: »Wir öffneten die Türen weit und hängten Mikrofone an die Bäume.«

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Das sagt die Presse:

»Kim Churchills Musik findet die brillante Balance zwischen der Wärme des Sommers und des Lebens.« (The AU Review)

»Man kann sich vorstellen, diese Musik beim Wandern auf einem Berggipfel in Nepal zu hören, während man an einem australischen Strand die Sonne genießt oder in einer gemütlichen Kneipe in Europa den Schneefall beobachtet.« (Life Without Andy)

Angela Aux befindet sich seit Jahren auf einer Mission zwischen Pop und Underground, Anti-Folk und Experimental-Pop. Das künstlerische Alter Ego des Münchner Sängers, Gitarristen und Autors Florian Kreier lässt sich in keine Genre-Schublade stecken. Ihre Songs sind eine Mischung aus Indie-Pop, Folk und experimenteller Musik, mit wechselnden Referenzen von Beck über Velvet Underground und Mac DeMarco bis hin zu den Beatles.

Angela Aux hat bislang vier Alben veröffentlicht, die sich zu Kritiker-Lieblingen mauserten. Spätestens mit der letzten LP »In Love with the Demons« (2019) hat sich der Singer-Songwriter eine große Fangemeinde erobert. Seine verspielten, reduzierten Lo-fi-Folk-Songs sammeln inzwischen Millionen von Streams, rotieren in weltweiten Playlisten, laufen im Radio zwischen Feuilleton, Indie und Mainstream und untermalen Netflix-Serien (»Biohackers«) und Kinofilme (»Mein Sohn«).

Angela Aux ist bekannt für ihre intensiven Live-Auftritte und hat bereits auf zahlreichen Festivals in Deutschland und Europa gespielt. Flo Kreier ist seit vielen Jahren auf der Bühne in Kleid und Perücke unterwegs und seit Neuestem als Alien verkleidet – ein Künstler der Gegensätze, der mit Identitäten und Geschlechternormen spielt und zwischen Wu-Tang-Shirt und Mädchen-Perücke, Haiku und Dostojewski balanciert. Er gehört zu den Mitgründern der »New Weird Bavaria«-Bewegung.

Die Veröffentlichung seines nächsten Albums »Instinctive Travels on the Paths of Space and Time« ist für April geplant. Das Werk ist als Teil einer Trilogie konzipiert, für die Kreier eine Sci-Fi-Novel schrieb und ein Theaterstück inszenierte. Hier wird die Zukunft der Zivilisation in hybriden Folksongs zwischen Neil Young und J Dilla verhandelt. Im Frühjahr 2023 geht Angela Aux als Support von Die Sterne auf eine große Tournee durch Deutschland und die Schweiz.

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Das sagt die Presse:

»Angela Aux schreibt Songs, die so wohltuend sind, dass man sie gerne dauerhaft als Soundtrack in seinem Leben verankert hätte.« (MunichMag)

»Angela Aux bezirzt mit langen blonden Haaren, Bart und sanften Songs am Rande des Nervenzusammenbruchs die Münchner Szene mit einer Eigenwilligkeit, der man sich schwer entziehen kann.« (Süddeutsche Zeitung)

»Äußerlich fast schon ein Ziggy Stardust der ›New Weird Bavaria‹-Bewegung. Inhaltlich genauso weird.« (PULS, Bayerischer Rundfunk)

»Mit zarter Stimme schlängelt er sich durch zauberhafte Melodien und lässt seinen facettenreichen Songs dabei immer genug Raum zum Atmen, Träumen und Nachdenken.« (br.de) 

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Das asphalt Festival 2023 richtet mit der Reihe »Ukrainian Voices« sein Augenmerk auf ukrainische Künstler:innen, die auf die russische Invasion reagieren. Die prominente ukrainische Dichterin Halyna Kruk wird die diesjährige Festivalrede halten und sich ebenfalls diesem Thema widmen. Für Halyna Kruk ist Poesie ohne die unmittelbare Wirklichkeit, die uns umgibt, undenkbar. Es sei ihr nicht möglich, »über Sterne am Himmel zu schreiben, wenn es etwas Wichtigeres, Zeitnahes und Aktuelles gibt.«

Halyna Kruk wurde 1974 in Lwiw geboren. Die mehrfach preisgekrönte Lyrikerin, Schriftstellerin und Literaturwissenschaftlerin ist Autorin von fünf Gedichtbänden, »An Adult Woman« (2017), »Co(an)existence« (2013), »The Face beyond the Photograph« (2005), »Footprints on Sand« und »Journeys in Search of a Home« (beide 1997), einer Sammlung von Kurzgeschichten »Anyone but me« (2021) und mehreren Kinderbüchern. Ihre Werke wurden in mehr als dreißig Sprachen übersetzt und in verschiedenen Gedichtbänden, Zeitschriften und Anthologien in vielen Ländern veröffentlicht. Kruk war von 2017 bis 2019 Vizepräsidentin des ukrainischen PEN und hält eine Professur für Literaturwissenschaft an der Universität von Lwiw, wo sie europäische und ukrainische Barockliteratur lehrt.

Sie gewann zahlreiche Literaturpreise, darunter den Women in Arts Award 2023, den Kovaliv Fund Award 2022, den Best Book Award des BookForum 2021, den Smoloskyp Poetry Award, den Bohdan-Ihor Antonych Award, den Granoslov Award und den internationalen Wettbewerb Step by Step für Kinderbücher. Halyna Kruk nahm an zahlreichen Literaturfestivals in der Ukraine und im Ausland teil. In Reaktion auf die Interventionen und Invasion Russlands hat sie verschiedene Multimediaprojekte mitgestaltet, darunter »The BookWar« in Zusammenarbeit mit dem Elektronikmusiker Yurko Yefremov und der Sängerin Halyna Breslavets, sowie »The Resistance of Matter«, ein auf ihren Gedichten basierendes Poesie- und Musikprojekt. Ihre fulminante Rede beim Poesiefestival Berlin 2022 über den Krieg in ihrem Heimatland hat hohe Wellen geschlagen und wurde u. a. in der ZEIT veröffentlicht.

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Wie die ersten Sonnenstrahlen des Tages oder ein zarter Flügelschlag kommen die Lieder der von Rosa Butsi daher – jedes Stück ist eine kleine Wunderkammer. Mit ihrer warmen, gefühlsvollen Stimme, die sie auf der Gitarre begleitet, bietet die belgische Musikerin eine ganz eigene Mischung aus Jazz und Singer-Songwriter.

Rosa Butsi, die mit bürgerlichem Namen Roos Denayer heißt, hat ihr musikalisches Talent von ihrer ungarischen Großmutter geerbt und verwendet deren Namen daher auch für ihr musikalisches Alter Ego. 2020 gewann sie die Brabanter Ausgabe des in Belgien sehr populären Musikwettbewerbs »SoundTrack«. Für ihre Debüt-EP »Circle One« (2020) ließ sie sich für jeden Song von anderen Musiker:innen aus ihrem Freundeskreis inspirieren und begleiten. Aktuell ist sie Artist in Residence des Konzertsaals »Het Depot« im belgischen Leuven.

Die Künstlerin tritt sowohl solo als auch mit Band auf. 2023 steht die Veröffentlichung ihres Debüt-Albums mit Trui Amerlinck am Bass und Jordi Geuens am Schlagzeug an – in dieser Trio-Besetzung wird sie auch auf der Seebühne zu erleben sein.

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Das sagt die Presse:

»Rosa Butsi lässt uns erschaudern mit ihrem jazzversetzten Country-Blues-Gitarrensound, mit ihren eingängigen, gewundenen, sanften und schönen Melodien.« (Le Soir)

»Sehr schöne, mäandernde, jazzige Gitarrenkompositionen, die in den richtigen Momenten überraschen und gegen den Strom schwimmen. Roses sanfte Stimme vervollständigen sie.« (Radio 1, Belgien)

»Denayers Songs sind auf einem so hohen Niveau, dass sie in die Nähe von Rickie Lee Jones und Joni Mitchell rücken.« (Muziekblog Luminous Dash)

Los Pipos verbinden die lebendigen Klänge Lateinamerikas mit raffinierten Jazzelementen, einem Hauch von klassischer Musik und Einflüssen europäischer Musik wie dem spanischen Flamenco. Das sechsköpfige Latin-Jazz-Ensemble gründete sich im Jahr 2016 und vereint Freunde aus verschiedenen Teilen der Welt, darunter Peru, Kuba, Mexiko, Deutschland, Chile und Holland. Die Mission der Musiker:innen ist, ihre Leidenschaft für traditionelles lateinamerikanisches Liedgut zu teilen und es mit einem einzigartigen und erfrischenden, modernen Twist zu versehen.

Die Musik von Los Pipos ist geprägt von Improvisation, dem Erzählen von Geschichten und emotionalem Ausdruck, wie es für die lateinamerikanische Musik charakteristisch ist. Da jedes Mitglied seine eigenen kulturellen Einflüsse und Erfahrungen mitbringt, mischen Los Pipos nahtlos eine Vielzahl von Klängen und Stilen aus verschiedenen lateinamerikanischen Ländern.

Bei Los Pipos geht es nicht nur um die Musik, sondern auch um Lebensfreude. Die Energie der Band ist ansteckend, und die Musiker:innen lieben es zu singen, zu lachen – und natürlich zu tanzen! Sie traten bei großen Festivals wie dem North Sea Jazz und den Hildener Jazztagen auf und gewannen 2021 den Dias Latinos Award im niederländischen Amersfoort.

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Das sagt die Presse:

»Buntes Latin-Feuerwerk« (WAZ)

»Sie brauchen keine Überredungskünste, keine Aufwärmphase. ›Los Pipos‹ sind mit dem ersten Ton mittendrin. Kaum haben sie die Bühne betreten, schleudern sie ihre Energie und ihre Lebenslust, ihre Rhythmen und Emotionen ins Publikum.« (Rheinische Post)

Was sind die Ursprünge und Auswirkungen von Gewalt? Die international renommierte Compagnie La Re-sentida aus Santiago de Chile beschäftigt sich in »Oasis de la Impunidad« mit Gewalt, die Menschen im Kontext von Protesten und Demonstrationen durch den Polizeiapparat widerfährt. Ausgangspunkt der Stückentwicklung war die gewaltsame Unterdrückung der Massenproteste 2019 in Chile, der »Oase der Straffreiheit« – einem Land mit extremer sozialer Ungleichheit, das die Pinochet-Diktatur bis heute nicht aufgearbeitet hat. Doch weist dieses bildgewaltige Tanztheater weit über ein einzelnes Land hinaus und stellt allgemeingültige Fragen nach der legitimen und angemessenen Anwendung von Gewalt in einer Demokratie: Wie wird Macht in Strategien von Überwachung und Unterdrückung umgewandelt, die den menschlichen Körper verletzen, verstümmeln und entwürdigen? Was sind systemische und individuelle Beweggründe für Gewalt? Wer nutzt und wer kontrolliert das Gewaltmonopol des Staates?

»Oasis de la Impunidad« ist eine präzise choreografierte Mischung aus Tanz und Performance und benötigt kaum Text. Die teilweise drastischen Szenen dieses pantomimischen Bildertheaters entfalten eine Wucht, der man sich kaum entziehen kann. Bisweilen wirken die acht Performer:innen auf der Bühne wie perfekt synchronisierte Marionetten, wobei unklar bleibt, wer die Fäden zieht. Die Inszenierung kreiert große Bilder, die einem lange nicht aus dem Kopf gehen: mal fantastisch, karnevalesk und poetisch, mal schaurig, schockierend und schmerzhaft – aber immer brillant.

Der chilenische Regisseur, Schauspieler und Autor Marco Layera (*1978) gründete 2008 die Compagnie La Re-sentida, deren künstlerischer Leiter er ist. Das Kollektiv gilt als Ausnahmeerscheinung der lateinamerikanischen Theaterlandschaft, sein zentrales Thema sind die Wut auf politische Missstände und die Gewalt in der chilenischen Heimat. Die vielfach ausgezeichneten Produktionen der Theatergruppe wurden bereits zu zahlreichen internationalen Festivals eingeladen.

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Das sagt die Presse:

»Zähnefletschende Albtraumbilder« (Berliner Zeitung)

»Bravourös erobert sich das Ensemble hier ein Terrain des politischen Tanztheaters. Dermaßen deutlich radikal war in Deutschland zuletzt nur Johann Kresnik.« (tanz.at)

»An manchen Stellen (…) fühlt sich das Stück an, als sei man in einem Karneval der Folter und Brutalität gefangen, der sowohl die Darsteller als auch die Zuschauer zutiefst beunruhigt.« (The New York Times)

Lesen Sie hier einen Text des Schriftstellers Dr. Joseph Pearson über die Uraufführung von »Oasis de la Impunidad« an der Schaubühne Berlin.

Der ursprünglich von der nationalistischen Rechten in den USA verwendete Satz »Sorry I can’t hear you over the sound of my freedom« verspottet auf zynische Weise die Meinungen anderer. Die Redewendung spiegelt einen Niedergang demokratischer Streitkultur und des respektvollen Umgangs. Bojan Vuletićs neues Werk »sorry I can‘t hear you over the sound of my freedom« gibt darauf eine entwaffnende Antwort. Aus den demagogischen Texten der kleinen und großen Diktatoren dieser Welt werden Elemente akustisch und visuell herausgetrennt, bis aus der sprachlichen Brutalität eine neue Poesie entsteht. Ausgrenzung wird zu Offenheit, unmenschliche Gesetze verwandeln sich in zarte Lyrik – durchwirbelt von einer zeitgenössischen Musik, die neue künstlerische Dialoge entfacht. Die raumgreifende Konzertinstallation ist über viele im Saal verteilte Lautsprecher zu erleben, so dass das Publikum seine Position im Raum frei wählen kann.

Das neue Werk wird von drei herausragenden Solist:innen internationalen Rangs aufgeführt: der rumänischen und in Deutschland lebenden Pianistin Alina Bercu, dem New Yorker Trompeter Nate Wooley und dem polnischen Bratschisten Rafal Zalech. Komponist Bojan Vuletić ist an der Live-Performance selbst mit einem ungewöhnlichen Schrift-Electronics-Instrumentarium beteiligt.

Die Künstler:innen

Der US-amerikanische Trompeter Nate Wooley gilt als einer der führenden Köpfe der amerikanischen Bewegung zur Neudefinition der physischen Grenzen seines Instruments und hat für seine eigenwillige Trompetensprache internationale Anerkennung gefunden. Nicht nur in New York gilt er als einer der gefragtesten Trompeter in der Jazz-, Improvisations-, Noise- und Neue-Musik-Szene. 2019 gab er sein Debüt als Solist mit den New Yorker Philharmonikern. Wooley hat Werke für Trompete von Christian Wolff, Michael Pisaro, Annea Lockwood, Ash Fure, Wadada Leo Smith, Sarah Hennies und Eva-Maria Houben uraufgeführt. Er erhielt 2016 den Foundation for Contemporary Arts Grants to Artists Award, 2020 den Instant Award for Improvised Music und den Spencer Glendon First Principles Award. 2022 war er NYSCA/NYFA Fellow.

Die rumänische Pianistin Alina Bercu gastierte auf vielen wichtigen Musikbühnen Europas, Amerikas und Asiens, darunter der Carnegie Hall New York, der Tonhalle Zürich und der Tonhalle Düsseldorf. Sie arbeitete mit namhaften Orchestern zusammen, darunter den Wiener Philharmonikern, dem Orchestre de chambre Lausanne und der KlassikPhilharmonie Hamburg. Studio- und Live-Aufnahmen von Alina Bercu wurden in die Goldene Phonothek des Rumänischen Rundfunks aufgenommen. Ihre Debüt-CD mit Kammermusikwerken von Schubert und Brahms wurde mit dem »Golden Label« (Benelux) und »Cle d’or« (Frankreich) ausgezeichnet.

Die breit gefächerten künstlerischen Aktivitäten von Rafal Zalech bewegen sich zwischen Performance, Komposition und Entwicklung von IoT-Geräten für Musiker. Als Bratschist spielte er auf Festivals für Neue Musik auf fünf Kontinenten und als Solist mit Orchestern wie dem Webern Symphony Orchestra, Sinfonia Varsovia und Divertimento. Zalech ist Mitglied des Black Page Orchestra, des Duo-Kollektivs Nimikry und CEO des Smart-Instruments Startup DigitAize. Zwischen 2010 und 2021 arbeitete Zalech intensiv mit dem Klangforum Wien, einem der anerkanntesten Ensembles für Neue Musik, mit dem er über 100 Konzerte spielte. Im Jahr 2022 erhielt Zalech den renommierten Erste Bank Kompositionspreis für sein künstlerisches Lebenswerk.

Bojan Vuletić ist Komponist, Klangkünstler und Gitarrist. Musikalische Zusammenarbeiten verbinden ihn u. a. mit Markus Stockhausen, Nate Wooley, Bojan Z, dem Mivos Quartet, dem WDR Rundfunkorchester und -chor und den Düsseldorfer Symphonikern. Er hat zudem Theatermusiken für über 50 Produktionen und Kompositionen für einige zeitgenössische Tanzstücke geschrieben. Audio-Realisationen von Ausstellungen in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Danica Dakić waren u. a. auf der documenta 12 Kassel, der Biennale Liverpool und auf der Biennale in Venedig zu erleben. Vuletićs konzertanten und interdisziplinären Kompositionen wurden bislang in verschiedenen Ländern Europas, Afrikas, Asiens und in die USA aufgeführt.

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Sehen Sie hier das Video eines Interviews, das Komponist und Festivalleiter Bojan Vuletic mit Nate Wooley in seinem Studio geführt hat.

Tofa Jaxx ist ein aufstrebender Singer-Songwriter und bemerkenswerter Live-Performer aus Tansania. Seine Musik vereint R’n‘B, Neo Soul, Jazz, nostalgischen Elektro-Pop, Afro-Fusion und Reggae, seine rauchige, einzigartige und geheimnisvolle Stimme ist sein Markenzeichen – wer Tofa Jaxx einmal live gehört hat, wird ihn so bald nicht mehr vergessen. Sein honigartiger, gefühlvoller Tenor in Kombination mit seinen ehrlichen, poetischen Texten fühlt sich an, als würde man mit einem alten Freund sprechen oder sich in seine Lieblingsdecke einwickeln.

2016 war Tofa Jaxx Vorband der Grammy-Gewinnerin Joss Stone bei einem ihrer »The Total World Tour«-Konzerte in Sansibar. Außerdem trat er mit der Band der Dhow Countries Music Academy bei einem der größten kulturellen Events in Ostafrika auf, dem »Zanzibar Film Festival«. Gemeinsam mit sieben weiteren Künstler:innen aus aller Welt wurde Tofa Jaxx vom Goethe-Institut ausgewählt, um an einem »Musician’s Bootcamp« in Berlin teilzunehmen.

Seine erste Veröffentlichung »I Want You« wurde 2017 als bester R’n’B- und Soul-Song eines ostafrikanischen Künstlers für die All Africa Music Awards nominiert. Während eines mehrmonatigen Aufenthalts in London arbeitete Tofa Jaxx u. a. mit dem Dance-Electronic-Produzentenduo Tru Fonix, der Singer-Songwriterin Tara Priya und dem Musiker D.Knights zusammen, die seine Single »Go Away« produzierten.

Neben seinen Studioaufnahmen und zahlreichen Liveauftritten in Afrika und Europa – seine Tournee im Sommer 2022 führte ihn zuletzt in Länder wie Deutschland, Estland, Lettland, Österreich und die Schweiz – komponiert Tofa Jaxx auch Filmmusik, etwa den Soundtrack für den preisgekrönten Animationsfilm »Mozizi« des tansanischen Filmriesen Kijiweni Productions.

Tofa Jaxx, der mit bürgerlichem Namen Christopher Dominic Kihwele heißt, lebt und arbeitet aktuell in Daressalam, Tansania und singt sowohl auf Englisch als auch auf Swahili. Für die Zukunft plant er sein Spektrum noch auszuweiten und auch Stammessprachen in seiner Musik zu verwenden.

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Die Bandmitglieder von La Chiva Gantiva stammen aus Kolumbien, Chile, Belgien und Vietnam und haben sich in Brüssel kennengelernt, wo sie auch leben. Sie sind Entdeckungsreisende, die den musikalischen Reichtum ihrer eigenen Wurzeln weitergeben und transformieren und damit Brücken schlagen zwischen den folkloristischen Klängen alter Völker und den modernen und kämpferischen Rhythmen von Punk und Ska. Dadurch entsteht ein eigener Stil, den die Band »Punklore« nennt. Live fegen La Chiva Gantiva mit einer kraftvollen Show über die Bühne. So schrieb unter anderem The Times über eines ihrer Konzerte: »Sie veranstalten eine Karnevalsparty, die wie ein Molotow-Cocktail aus Rock, Rap, Soul und wilden, funky Latin-Rhythmen explodiert.« Die Band hat alle fünf Kontinente bereist und ist mittlerweile eine Referenz für rebellische New Roots Music.

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Das sagt die Presse:

»La Chiva Gantiva verbinden die Klänge der kolumbianischen Karibik und des Pazifiks mit den Einflüssen der Musik aus Mitteleuropa und dem Balkan.« (Radio National de Colombia)

»Die kolumbianischste aller Brüsseler Bands« (Radio Télévision Belge)

Luft anhalten, untertauchen, losschwimmen! Stell dir vor, mitten in der Stadt, in einem unscheinbaren See, gäbe es eine verborgene Welt, in der alles anders wäre. Und du wärst eine Meerjungfrau, ein Delfin oder einfach ein kleiner schwarzer Fisch. Die Sonne wäre von hier aus eine wabernde Kugel, der Wind eine Maschine für Seifenblasen und der Straßenlärm eine dumpfe Schallwelle aus einer fernen Galaxie. Und irgendwo weit da draußen unter dem Wasser gäbe es etwas, das nach dir ruft. Wie weit traust du dich ins Unbekannte zu tauchen? Welche Geschichten begegnen dir auf dem Weg? Und was spielt sich unter der Wasseroberfläche ab, im selben Moment, in dem woanders die Erde bebt? Oder während wir hier oben sitzen und lauschen?

Die Schauspielerin Anke Retzlaff und die Musiker Peter Florian Berndt (Gitarre, Elektronik) und Dominik Tremel (Tasten, Elektronik) drehen die Perspektiven um. Sie entwickeln speziell für die schwimmende Seebühne und ein generationsübergreifendes Publikum eine musikalische Lesung mit Ambient- und Technoklängen. Ausgestattet mit einem Unterwassermikrofon, ihren Instrumenten und einer Sammlung bekannter und unbekannter Geschichten, die sich um das Wasser drehen, begeben sie sich auf einen musikalischen Tauchgang hinab in den Schwanenspiegel und bis zum anderen Ende des Ozeans. Wir landen im Bauch eines Wals und müssen uns mit den Sirenen herumschlagen, begegnen einem Kreuzfahrtschiff und geraten in einen teuflischen Sturm. Die Zuschauerinnen und Zuschauer tragen Kopfhörer und sind dadurch akustisch ganz nah an der Produktion – die akustische Reise über das Meer findet vor allem im Ohr und in der Fantasie statt. 

Anke Retzlaff ist Schauspielerin, Musikerin und Regisseurin. Für ihre Rolle im Kinofilm »Puppe« wurde sie 2013 für den New Faces Award als beste Nachwuchsschauspielerin nominiert und 2021 von »Theater heute« als beste Nachwuchskünstlerin gekürt. Ihre Performance »Dream Machine«, bei der auch Berndt und Hoffmann mitwirkten, wurde 2021 beim Festival »Theater der Welt« in Düsseldorf uraufgeführt und tourt seitdem international. 2022 entwickelten die drei gemeinsam mit Paul Jumin Hoffmann die musikalische Performance »Wofür es sich zu kämpfen lohnt – Aufzeichnungen eines Hamsters«, die beim asphalt Festival 2022 Premiere feierte.

Peter Florian Berndt ist Musiker, Liedtexter und Performer. Als Komponist und Bühnenmusiker war er bereits an verschiedenen Theatern in Deutschland tätig. Er ist aktives Mitglied des professionellen Improtheaterensembles »Ernst von Leben« und E-Gitarrist bei »Los Pistoleros Güeros«.

Dominik Tremel ist als freiberuflicher Musiker an Theatern und im Bereich experimenteller elektroakustischer Musik tätig und wie Berndt Mitglied des Ensembles »Ernst von Leben«. Außerdem entwickelt er Hörspiele und Filme: »TRAUMfactory« lief 2020 beim Filmfestival Max Ophüls Preis, das Hörspiel »Was wirklich geschah« gewann beim Berliner Hörspielfestival 2021 einen ersten Preis.

Drei Westafrikaner, die in Belgien leben, versuchen das Migrations- und Integrationsdebakel zu lösen. Ihre Antwort? Ein neues Land für afrikanische Europäer und europäische Afrikaner, in dem sie selbst bestimmen, wie sie leben wollen. Bevor dieser utopische Staat errichtet werden kann, müssen die Regeln festgelegt werden, und das Publikum darf per Stimmkarten mitmischen. Welche Regierungsform und welche Staatsreligion soll er haben? Wie und vor allem wo soll dieses gelobte Land sein? Im Nordwesten Frankreichs oder doch besser im rohstoffreichen Zentralafrika? In einer Art Wahldebatte, die Regisseur Ahilan Ratnamohan selbst moderiert, werden den Zuschauer:innen die verschiedenen gesellschaftspolitischen Entwürfe präsentiert und nach einer nicht selten streitbaren Diskussion wird abgestimmt.

Anlass für die Stückentwicklung von »Reverse Colonialism!« war die ernüchternde Lebenssituation des aus ehemaligen Fußballern bestehenden Star Boy Collective. Ihr Traum, Profifußballer in Belgien zu werden, hat sich nicht erfüllt. Nach einigen Jahren der Unsicherheit leben sie nun alle legal in Belgien, haben jedoch kaum Aussicht auf mehr als Hilfsarbeiterjobs. Mit ihrer einzigartigen, explosiven Energie bringen die Star Boys eine ungehörte Stimme auf die Bühne und analysieren unsere Gesellschaft messerscharf. In dieser politisch aufgeladenen Performance drehen sie den Spieß um und schauen selbstbewusst, unzensiert und provokant auf eine mögliche Zukunft.

Der australische Theatermacher Ahilan Ratnamohan lässt bei seinen Stückentwicklungen gerne atypische Methoden wie Fußball und Sprachlernprozesse einfließen. Er arbeitet fast ausschließlich mit Menschen ohne klassische Schauspielausbildung. Nachdem er 2005 ein Filmstudium an der University of Technology in Sydney abgeschlossen hatte, versuchte er zunächst eine Karriere als Profifußballer in den Niederlanden, Schweden und Deutschland zu starten. 2007 wandte er sich der Bühne zu und kreiert seitdem Live-Performance-Stücke mit sozialpolitischem Schwerpunkt. Seit 2013 arbeitet er in Europa, vorzugsweise an der Monty Kultuurfaktorij in Antwerpen. Seine Uraufführung »Michael Essien, I want to play as you« führte zur Gründung von The Star Boy Collective, einer zwölfköpfigen Performance-Gruppe ehemaliger Fußballer aus Westafrika.

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Das sagt die Presse:

»In ›Reverse Colonialism!‹ konfrontiert uns der Theatermacher Ahilan Ratnamohan auf seltene und kämpferische Weise mit unserer Beziehung zu Afrika und afrikanischen Migranten. Eine Beziehung, die durch unsere koloniale Vergangenheit und Gegenwart belastet ist und derer wir uns leider nur selten bewusst sind.« (Theaterkrant)

»Ein Abend mit einigen rhetorischen Finessen, der die richtigen Fragen zu Migration und Integration aufwirft.« (Hamburger Abendblatt)

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Lesen Sie hier eine Reportage über die drei Schauspieler Etuwe Bright Junior, Lateef Babatunde und Aloys Kwaakum, die eigentlich nach Europa kamen, um Profifußball zu spielen und nun auf der Theaterbühne stehen.

Maria Basel

Melancholische Harmonien, flimmernde Loops und ausgefeilte Arrangements bilden die Basis ihres Sounds, der die vielfältige Begabung der Künstlerin abbildet: Maria Basel ist Sängerin, Komponistin, Produzentin und DJane. In ihren Songs bringt sie ihre Stärken als klassisch ausgebildete Musikerin und ihre Vorliebe für elektronische Klänge, Jazz und R’n’B zusammen.

Geboren in der Ukraine als Tochter einer Pianistin und eines Cellisten ist sie seit vielen Jahren als Wuppertalerin in der Musikszene NRWs tief verwurzelt, komponiert, spielt und singt in verschiedenen Elektro-, Pop-, Hip-Hop- und Jazz-Formationen (u. a. für das Pina Bausch Ensemble, Samy Deluxe, Jonas David und Golow). 2020 startet sie ihr Soloprojekt Maria Basel und veröffentlichte ein Jahr später die EP »Layers«, über die das britische Independent-Musikmagazin »Nothing But Hope And Passion« schrieb: »Maria Basel verschmilzt elektronische Vibes mit einem Hauch von Jazz und R’n‘B und bahnt sich hier einen Weg zu einem Solo-Abenteuer, das bemerkenswert und vielversprechend ist.« Aktuell arbeitet die Musikerin an ihrem Debütalbum.

Fundament ihrer Kompositionen, die die Musikerin komplett autark schreibt und produziert, sind Klavier und Rhodes. In ihren Songs spannt sie einen weiten Bogen von fragilen, nachdenklichen, natürlichen Klängen bis hin zu kraftvollen, beat-lastigen und elektronischen Elementen, nutzt u. a. Effekte und loopt ihre Stimme. Ihre Stücke sind voller klanglicher Kontraste und melodischer Harmonien – ganz zu schweigen von ihrem atemberaubenden Gesang, der alles durchdringt.

Im September 2018 wurde Maria Basel als Gewinnerin des Künstlerförderpreises Lalla:Labor für Popularmusikförderung auf Landesebene ausgewählt und wird seit 2020 durch das deutsche Förder- und Exportbüro Initiative Musik gefördert. 2021 wurde sie für den popNRW Newcomer Preis nominiert und erhielt 2022 den Von der Heydt-Förderpreis sowie das Pop Stipendium.

Maria Basel: Gesang, Keyboards, Loops

mariabasel.de

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Bloodflowers

Knallbunter Surf-Psychedelic, etwas Indie-Nostalgie und unüberhörbare 70s-Vibes: Die Düsseldorfer Band um Sängerin und Gitarristin Nadia Wardi nimmt ihr Konzertpublikum gefangen mit »geradezu hypnotischen Klanglandschaften, die sich Khruangbin nicht schöner würde ausmalen können« (gaesteliste.de). Einflüsse dieser US-amerikanischen Funk- und Psychedelic-Band sind in der Musik der Bloodflowers ebenso unüberhörbar wie solche von Pink Floyd, Tame Impala oder My Morning Jacket. Auch die indonesischen Wurzeln Nadia Wardis und ihr Interesse an Meditation und Spiritualität hinterlassen Spuren in den verträumten und atmosphärischen Songs.

Erst seit 2022 existieren die Bloodflowers in der aktuellen Besetzung und noch im gleichen Jahr räumte die Band den Förderpreis Musik der Landeshauptstadt Düsseldorf ab. Mit zahlreichen Live-Auftritten, die sie mittlerweile weit über die Grenzen der Region hinausführen, erspielen sich die Düsseldorfer Psych-Rock-Hoffnungsträger eine stetig wachsende Fangemeinde und sind dem Status eines Geheimtipps bereits längst entwachsen. 2023 haben die Bloodflowers ihr Debütalbum »Nebula« veröffentlicht, das sie im zweiten Set des Doppelkonzerts mit Maria Basel live auf der Seebühne präsentieren.

Nadia Wardi: Gesang, Gitarre
Tim Dierich: Bass
Gereon Gründer: Synthesizer, Keyboard
Matthias Köhnen: Schlagzeug

bloodflowers.de

Stefanie Sargnagel schreibt radikal subjektiv und sehr weise über das sogenannte einfache Leben, über Feminismus, Aussichtslosigkeit und Depression. Sie gibt sich wortkarg, gerät aber doch immer wieder ins Erzählen, sprengt alle Genregrenzen und erreicht auf nie betretenen Pfaden etwas, das man nicht Roman nennen muss, um davon gefesselt zu sein. Das ist oft zum Brüllen komisch und manchmal tragisch.

Sargnagel gewann 2016 beim Ingeborg-Bachmann-Preis den Publikumspreis mit einem Text, auf dessen Basis sie später das Theaterstück »JA, EH!« entwickelte, das 2019 das asphalt Festival eröffnete. Dieses Jahr zeigen wir am 27. und 28. Juni im Weltkunstzimmer ihr neues Stück »HEIL. Eine energetische Reinigung«, am Vorabend ist die Wiener Autorin mit einer Lesung von humoristischen Kurztexten auf die Seebühne zu erleben.

Mit ihren kühlen und doch radikalen Alltagsbeobachtungen, irrwitzigen Reportagen, Illustrationen und Facebook-Postings trifft Stefanie Sargnagel auf einzigartige Weise einen Nerv. Schonungslos entlarvt sie online, was in ihren Augen verlogen, fake, unzulänglich oder einfach nur saukomisch ist.

Die Süddeutsche Zeitung hält sie für die erste deutschsprachige Autorin, die im Netz eine Form gefunden hat, die als Literatur funktioniert. Bei ihrem Auftritt auf der Seebühne bietet Sargnagel ein »Best of« ihrer Karriere als »Social-Media-Heldin« und liest ungemein unterhaltsam aus ihren zahlreichen Facebook-Postings.

Stefanie Sargnagel (bürgerlich Stefanie Sprengnagel, *1986) studierte Malerei an der Akademie der Bildenden Künste Wien, u. a. in der Klasse Daniel Richter. Sie verbrachte aber mehr Zeit bei ihrem Brotjob im Call-Center, denn: »Immer wenn mein Professor Daniel Richter auf Kunststudentenpartys auftaucht, verhalten sich plötzlich alle so, als würde Gott zu seinen Jüngern sprechen. Ich weiß nie, wie ich damit umgehen soll, weil ich ja Gott bin.« 2020 erschien Sargnagels erster Roman »Dicht. Aufzeichnungen einer Tagediebin«. 2022 hatte sie am Grinnell College in Iowa eine Gastprofessur für kreatives Schreiben inne. Sargnagels pointierten Kommentare und Beobachtungen werden regelmäßig im deutschsprachigen Feuilleton publiziert.

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Das sagt die Presse:

»Ihre Alltagsbeobachtungen, Aphorismen und Adoleszenz-Raps treffen einen Nerv.« (taz)


»Man könnte vielleicht sogar sagen, dass sie mit Ausnahme von Rainald Goetz und seinem Online-Tagebuch ›Abfall für alle‹ die erste deutschsprachige Autorin ist, die im Netz die Form für sich gefunden hat, die passt, die nicht nervt, die als Literatur funktioniert.« (Süddeutsche Zeitung)


»Die Einträge wirken jedes Mal wie hingerotzt, sind sie vielleicht auch – und trotzdem sitzen die Worte und jedes nicht vorhandene Satzzeichen perfekt.« (DIE ZEIT)

Trio oder Quartett? Beides trifft zu bei Accordion Affairs. Akkordeonist und Pianist Jörg Siebenhaar, Bassist Konstantin Wienstroer und Schlagzeuger Peter Baumgärtner sind zwar drei Musiker, spielen aber vier Instrumente. Auf dem Pianohocker sitzend, betätigt Siebenhaar meistens mit der rechten Hand das Akkordeon und mit der linken simultan die Klaviertasten. Dies beschert der Band einen ganz eigenen, besonderen Sound und erweitert die Möglichkeiten von Arrangements und Improvisation erheblich – Akkordeon und Piano werden eins! Das Ensemble entwickelt eine außerordentliche Dynamik von fast gehauchten bis hin zu extrem voluminösen Klängen, expressiv oder ultracool. Stilistisch offen, reicht das Programm von World Music verschiedenster Kulturen über Eigenkompositionen bis hin zu Interpretationen von Stücken des großen Akkordeonisten Richard Galliano oder des Gitarristen John Scofield, von Bach bis zu den Beatles. Accordion Affairs spielen mit lässiger Virtuosität und voller Lebensfreude.

Der blinde Pianist und Akkordeonist Jörg Siebenhaar ist ein gefragter Komponist, Bühnen- und Studiomusiker, der bei zahlreichen Theater- und Fernsehproduktionen mitwirkte. Er arbeitete auf nationalen und internationalen Bühnen mit namhaften Künstler:innen wie z. B. Greetje Kauffeld, Bobby Hebb, Inga Lühning oder Desirée Nick.

Konstantin Wienstroer ist Folkwang-Preisträger in der Sparte Jazz. Bei der Zusammenarbeit mit Musikern wie Lulo Reinhardt, Bobby Hebb, Ziroli Winterstein, Hazy Osterwald und Stefan Krachten stellte er immer wieder seine musikalische Vielseitigkeit unter Beweis. Er spielte zahlreiche Tourneen u. a. in den USA, Japan, Schweiz und Großbritannien.

Der erfahrene Jazzmusiker Peter Baumgärtner arbeitete bereits mit vielen namhaften Musiker:innen wie Silvia Droste, Klaus Osterloh, John Goldsby, Jon Davis, Axel Fischbacher und Ensemblemitgliedern der WDR Big Band und war Teil zahlreicher Studio-, Radio- und TV-Produktionen. Er ist Gründungsmitglied des Vereins »Jazz in Düsseldorf e.V.« (Jazz Schmiede) sowie Gründer, Organisator und künstlerischer Leiter der Hildener Jazztage.

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Das sagt die Presse:

»Die Musiker spielen mit herrlicher Dezenz. Siebenhaars Multitasking ist sagenhaft, Wienstroers Bass klingt wie der allerbeste Freund, der da ist, wenn man ihn braucht. Und Baumgärtner lässt sein Schlagzeug nicht nur herrlich klingen, sondern sogar duften.« (Rheinische Post)